关于动画专业知识的介绍

关于动画专业知识的介绍

一、动画制作

1.动画制作的理论基础

动画大师诺曼·麦克拉伦曾经说过：“动画不是‘会动的画’的艺术，而是‘画出来的运动’的艺术。”的确，1/10秒的视觉暂留，使得当投影机以每秒24格的速度投射在银幕上，或者放映机以每秒30格的扫描方式在电视屏上呈现影像时，我们可以体会到动画运动的本质。所以，动画创作简单到极至，画几张连续的画面，用摄影机拍摄后就可以完成。

所谓动画创作，从形式方面来讲包括构思、表现以及制作这一系列艺术与技术的活动，从内容方面而言动画创作使用动画的语言来讲故事，表达思想感情。动画创作的过程最初从文字剧本开始，经过艺术设计和工艺技术等处理，最后用电影的后期制作手段加工完成，达到一定的视听艺术效果。所以，动画创作是融合了文学、美术、音乐、戏剧以及电影这些多元艺术形式而形成的综合性创造。 动画创作无论是简单还是复杂，创作人员都要具备一定的造型能力和较高的艺术鉴赏能力，其次要具备良好的文学基础、戏剧理论、音乐知识和电影知识等，最好能广泛地关注科学、历史、美学、人文以及综合的社会知识。动画创作人员不一定是各方面的行家，但是某一种知识或者技能常常能给动画创作增加深度和内涵。

“如何使一组静止的图画在连续观看时产生动感呢？动画艺术创作是独一无二的。动画能赋予画面生命，创造出活力和生命力。他们把图画中任务的手势和表情用夸张的手法表现出来，加以虚幻的人物性格和个性，这样就使得我们相信这些人物本身确实是有思想和情感的。 “动画设计师必须能够将生活戏剧化、漫画化，同时，适当地将人物的动作和反应表现出来。动画设计师的价值就在于他所创作的人物能否控制观众的情绪，或者说，这些人物的表演技巧是否到位。动画设计师必须懂得如何调动观众的兴趣，比如说，如何表现幽默，如何描绘生活中一个有趣不寻常的场景。要达到这点，他们需要研究著名喜剧演员的表演，阅读经典表演篇章。这些知识能帮助他们抓住观众的心，让观众在观看动画时或紧张或微笑。动画制作的过程并非只需要优秀的绘画技巧。

“动画设计师还必须具备与屏幕写作相关的各因素知识：剧情、人物、矛盾、危机、高潮、背景、对话和动作等。这些因素都决定着人物性格以及动作的塑造。而且，如果动画中人物因为讲话或唱歌时嘴在动，那设计者就要有语音学的知识，如果人物在听音乐，那就需要音乐和节奏的知识。设计者还必须知道动画摄影机的工作原理，以及怎样使人物动作与电影的速度相吻合等等。设计者还要了解很多很多东西，实际上，他们的工作简直无法估量。” ——动画大师普勒斯顿·布莱尔 著《卡通制作》

2.镜头与镜头运动——动画导演的必修课 （1）镜头的概念

镜头是时间、空间上保持连续的画面片段。 镜头的长短：时间的长短，不是焦距的长短 镜头的内容：人、景、物、声、光、色 镜头的构成：景别、角度、运动

（2）景别

景别是指被摄主体在画面中所呈现的范围，可以根据视距（摄像机与景物之间的距离）划分为特写、近景、中景、中全景、全景等。简单来说就是排除或包含注意力的范围。 ①特写：表现比较夸张或者亲近的内容，镜头对准主要角色，一般在强调心理时使用。利于展示表情，节省制作精力。 ②近景：表现人物反应和近身动作，对话时运用，能够真实而迅速地将观众融入角色和影片。 ③中景：用于表现人物之间的对话等关系，动作及手势等，或者是小群体场景。

④远景和全景：用于介绍环境，表现空间的规模和气势，强调人与空间的关系。二者并用，导演们常用在开场作为铺垫。

（3）角度

角度的变化能调动主观注意力。

①水平角度：正、侧、背——正、背面的镜头角度运动感低，适于表现人物的状态、心理，侧面角度强调运动感和紧张度。

②垂直角度：平视、仰角、俯角——高平视是高级的敬仰、低平视多是儿童或动物的视点；仰角用语突出角色力量或强大感；鸟瞰俯视用于恢弘的场景。

（4）镜头运动方式

①变焦运动：焦距运动，摄影机不动，逐渐强调等。

②云台运动：保持摄影机位置不变，上下左右旋转镜头，代表人物视点等。 ③机械运动：转动或升降镜头。

④随身运动：跟着角色而运动，有强烈拟人效果。

（5）镜头运动效果

①推拉镜头：远近移动镜头或者利用数码动画编辑对画面局部放缩，主观色彩浓厚，切忌连续使用。

②摇镜头：镜头在固定的位置跟踪运动，如同摇脑袋一样。

③移镜头：镜头做视点变化的移动，如横移、纵移（纵移类似推拉），动感不强，强调心理效果和场景透视变化。

（6）镜头切换

变换场景的一种方法，也可以是相似场景甚至同一个对象不同方向的摄影镜头（如电影MATRIX中的镜头运用）。

3.轴线

（1）动作轴：使场景的方向性保持在同一个方向，不破坏动作的连续性。

（2）合成线：镜头运动时产生了构图线，主要是各种轮廓线，保持画面的完整。

4.视角

主要指影片的心理概念，是叙事的逻辑基础，分为视点角度、主观角度和客观角度三种（如动画片CARS）

5.剪辑

比较复杂，简单来说它应该遵循的原则是： （1）保持连贯 （2）保持流畅 （3）保持注意力； （4）保持节奏感。

二、现代动画制作流程简述

现代动画制作是一个烦琐而复杂的专业工程，如下所示： 企划构思 文字分镜头 导演阐述

填写摄影表 画面分镜头设计 美术风格定位 音乐风格定位

背景绘制 描线上色

校对拍摄 配音配乐

广电审核

当然，以上我们看到的是传统动画工业的制作步骤，现在动画越来越依靠电脑和软件制作，但是有些基础的制作理念还是一脉相传的。

三、动画创意

1.剧本创作

（1）确定剧作结构

①长篇动画

戏剧冲突式结构——以矛盾冲突为剧作基础，营造紧张声势，步步紧逼，场场推进。大型影院片多是如此设计，紧张跌宕的起伏容易抓住观众注意力。 小说叙事式结构——抒情型动画作品，艺术动画，或者类似《岁月的童话》、《大提琴手》

等叙述方式表现人物感情的细微变化。 ②短篇或电视动画

总体关联，和漫画连载近似，持续吸引人们收视。 ③原创与改编

（2）故事题材

校园（《灌蓝高手》）、推理（《柯南》）、拟人（《玩具总动员》）、武侠（《浪客剑心》）、科幻（《机动战士高达》）、生活（《辛普森一家》）

（3）编写剧本

起承转合的故事、节奏与韵律、伏笔与包袱、营造高潮、逆向思维、开场与终场。

2.角色设计

（1）创造角色

①第一主角：没有优点与缺点，只有特点。突出性格，反映人类美好的一面。有明确的目标和形象特征，能够反映出人物的特点（比如类似《指环王》，矮个子的家伙往往会出人意料。完成设定后要建立角色档案。

②第二主角：一般与主角是异性，性格与主角有差异却又能理解主角，是主角的知己。 ③反面角色：某方面利益和主角共同，环境近似，追求和信念却与主角相悖，难以分辨虚伪和蛊惑，也有人性小小的光辉和闪光之处。 ④配角：主角情绪发泄对象、安慰第二主角等。

（2）角色形象设计

①戏剧化组合，如将不同特点的角色进行搭配。（举例《狮子王》） ②角色形象创造：关注动画角色的内在生命（现实中不可能存在）、身体的结构规律（姿势、运动、头部形态、面部表情、动作设计等）

③形象设计方法：发现→表现→创造（运用夸张、提炼修改等） ④标准造型设计：角色之间、角色与道具之间的比例与色彩

3.分镜头设计

（1）设计方法 ①视觉调度：通过景别、视点及各种镜头运动的调度来使观众认识一个事件、故事或者现象。视觉调度遵循的逻辑关系包括故事逻辑、视觉逻辑、声音逻辑和动作逻辑等。 ②审美感受 ③风格统一

（2）舞台设计

①角色设置：协调重心、阴影等。

②场景编导：没有绝对对错，只选最佳解决方案。（面对面交谈、剑拔弩张、追击等） ③舞台调度的基本法则（举一例）：1/3法则——将画面水平与垂直均三等分，通过9个格子观察画面，四个交点是视觉中心。

（3）分镜头台本

举例如图、扩展布局、俯视等。

4.原画与动画 （1）原画设计

①设计步骤

A.动作构思——思考动作现象

B.动作表演——目的表达、现象夸张

②动作设计：再现令人惊讶的瞬间

A.情景动作——情节要求的动作，要考虑地理环境和情绪的表达（环境场景） B.性格动作——规定性动作，要考虑性格条件和物理条件（个体突出）

③表现技巧

A.动作表演——细腻、微妙，接近真实

（2）动画设计

①人物的运动

A.人行走的基本运动规律：躯体呈波浪式前进，一条腿垂直支撑时身体最高；两脚交替和两手摆动相反，肩和骨盆也是以相反的倾斜度运动；手以肩胛为轴心做弧线运动；一脚支撑一脚迈步，循环交替，支撑力随身体前进的重心而变化，脚踝与地面呈弧线运动规律。

B.人跑步的基本运动规律：身体前倾，步大；手臂前后摆动，手握拳；脚的弯曲幅度增大。 C.动物的运动：马行走与奔跑、兔子跳跃、小鱼游动、鸟类飞翔等。

②运动规律 A.基本概念

a.时间：完成某一动作的时长，一般以格为单位（1秒=24格，1尺=16格）。实际上，由于动画的造型单线平涂比真人要简单，所以实际会比真人表演的同样动作时间略短一些。 b.空间：形象在画面上的活动范围和位置，更主要的是指一个动作的幅度。 c.速度：物体在运动过程中的快慢。

d.动画中的变速运动与处理：如猛力击拳的动作有6格，时间是1/4秒，肉眼很难分辨，但是用摄影机拍摄后逐格分析，看出它们之间的距离是不等的，开始时距离小，速度慢，后来距离大，速度快。

e.节奏：动画的节奏比其他影片要快。

B.惯性运动：注重夸张变形（如车在刹车时会由于惯性而前倾，轮胎甚至也会瞬间变形，停止后，车身与轮胎又会恢复成原样）。

C.弹性运动：简单地说就是，将物体受力后产生的形变进行合理夸张。 D.曲线运动。

E.弧形曲线运动：多数类似抛物线，表现时注意弧度大小的前后变化并掌握好过程中的加减速。

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