邓君瑜和他的小品摄影 - 图文

小品摄影技法

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（代序）

73岁的邓君瑜先生一直居住在香港，为了谋生，他高中毕业后便开始工作，做过苦力，当过售货员和推销员。由于销售和推销摄影器材的需要，他开始接触相机和学习摄影技术。1951年，他在香港礼和洋行光学部工作时，因推销蔡司相机成绩突出，赢得了“蔡司邓”的雅号。同时，他为提高摄影技术，参加了当时香港唯一的摄影学会一一香港摄影学会。

在邓先生数十年的创作生涯中，始终在追求自己独辟的创作道路。用邓先生的话说就是：“我影我的”，不随波逐流。他不以摄影为谋生手段，而是做为对艺术的追求。他很少参加摄影比赛和沙龙，这样不会受到评选者的爱恶而影响他作品的风格。他不愿当职业摄影家，因为那样拍的不是自己喜欢的作品，而是受命于人的作品，投人所好的作品。他从不追名逐利，主张“何必开渠引水，自然水到渠成”。邓先生在摄影艺术的创作中有自己的观点。他不反对艺术摄影中有主观和个性的成分，但反对以自我为中心的“主观随意性”，使作品脱离群众，脱离现实，反对放弃摄影本身的特点，去模仿绘画的现象；反对把摄影创作变成暗房技巧的玩弄；反对摄影构图的公式化，讲究灵活运用，既有定规，又无定规。邓先生以为灵感不是上帝赐予的，是摄影者长期观察训练的结果，每个摄影者都应养成“手中无机，心中有机”的好习惯。邓先生非常重视作品的内涵一一意境。他说：“有意无境，意就无法表现，无所寄托，作品会显得空虚。”意境就是要在有限的画面里，表现出无限的情思。

邓君瑜先生虽年岁已高，但身体还很健康，这也是他把摄影当作养生之道的理由吧。最近几年他还经常到大陆来讲学和搞创作。每星期都要有一天背着20多斤重的摄影器材到郊外去拍片。然而，年岁不饶人，体力渐渐的有所下降。邓先生早就意料这一点，所以10年前邓先生就致力于研究小品摄影的理论与技巧，因为小品摄影的题材处处可寻，不用去很远的地方。小品摄影并非易事，需要拍摄者有敏锐的观察力，有点石成金的本领，有非凡的修养和高超的技术以及“我影我的”精神。邓先生在小品摄影创作的初期，争论颇为激烈。有人说：“他是

取巧，走偏门。”有的说：“摄影小品不够气派，难登大雅之堂”。有的认为：“摄影小品是雕虫小技，没有什么价值。”但也有的认为：“摄影小品具有见微知著的特色，可发人深省，自有其艺术魅力。”对于各种好坏的评论，邓先生全部笑纳，但不因此放弃对小品摄影的追求。小品摄影经过邓先生10年来的研究，探索和创作，终于受到广大摄影者的重视，征服了观众。各摄影团体纷纷邀请邓先生去讲授“小品摄影”。1981年4月邓先生和志同道合的影友们，发起组织了“小品摄影雅集”这个组织。定期进行摄影创作，交流经验。1984年7月在香港三联书店展出了“小品摄影雅集”的摄影作品。1987年8月由香港专业出版社出版了《邓君瑜小品摄影》一书。这些事实说明，小品摄影这朵小花在邓先生辛勤培育下，在摄影艺术的百花园中已赢得一席之地。

邓君瑜先生的小品摄影取材于人们所共见的生活场景，在极平常的生活中发现主题，刻划主题。就是一草一木，一砖一瓦，他都能发现出美来，赋予它深刻的含意。邓先生的摄影小品有三个特点：一寓意性。把一个普通的事物引深、寓意，产生新的生命力。如《家不成家》(见12面彩图)这幅作品，是邓先生在澳门某酒家吃中饭时，偶然看见窗外酒家招牌的“家”字，给窗门遮了一半。心随意转，立刻想到了一个标题《家不成家》。作品寓意了在香港这个环境里有几个象样的家呢?二是精炼。邓先生的摄影小品，不论是形式上还是思想上都是非常精炼的，达到了以一当十的艺术效果。三是哲理性。邓先生的摄影小品是形象的格言和警句，揭示了许多生活中的道理。如《独枝易折》这幅作品。拍的是一根断折的树木，告诉人们，“独枝易折，众矢难摧”，团结就是力量的道理。从邓先生摄影小品的三个特点可以看出，“意境”是邓先生摄影小品的生命。邓先生说：“小品是唯美的寓意化摄影。”也就是说：小品摄影，美是身影，意是精髓，求得神形兼备。邓先生把自己内心的情感寄予了作品之中，他的作品是他思想和情感的结晶。这就是邓先生摄影小品的魅力之所在。

1．怎样才能拍好小品

小品在摄影中，是条由来已久的支流。前辈及现在一些影友拍摄的，大都是与之所至的，偶一为之，没有像我这样走火人魔吧。

在香港这个小得可怜的地方，交通又使人讨厌得要命，除了人像、街道巷尾、摆设、昆虫、花卉等等之外，哪里可以拍出较有气魄的风光作品?

前辈有没有定下拍摄小品的定义，是无从查考了。但以我所知，外国是没有小品这个名称，无论是大品或小品都一律称之为画意摄影。既然前辈如此聪明，懂得分门别类，称这类作品是小品，我们又何妨沿用这个名称，以便有系统地形成有力的支流，好让爱拍摄小品的影友了解一下这方面的技术，对摄影艺术来讲，这有扩展拍摄题材的好处，所谓百花齐放是也。 什么是“小品”?什么是“大品”?

关于这个问题，请教过很多影友，他们也不能正确地下定义，区别出什么是“小品”，什么是“大品”。假定，由一大景中抽拍一小部分是小品，如此话来，则一切的摄影作品都属于小品，尽管镜头的角度包涵多阔，仍然有个限度：而天际是无限，亦只得拍摄眼前风景中的一小幅而已。又假定，用无限远距离拍摄的是大品，用近距离拍摄的是小品，那末，用无限远距离拍摄一小部分，是不是大品?事实，那一小部分相对之下仍是小品。看来，拍摄小品是不能以远近距离，或物象的大小而定，我认为它是“唯美的寓意化”摄影。

小品的体裁，犹之如在我国文学上的散文、短诗之类。如古文中之《陋室铭》：“山不在高，有仙则名，水不在深，有龙则灵??”，它是文章中的小品，有它独特的风格，有轻松惬意的表达。摄影中的小品体裁，又何独不然?我因为受到这类文学的感染与启发，才钻进这个牛角尖里。

出外摄影，遇到周围无可取材的时候，只要对细小东西留意留意，会发现小东西也有美丽的一面。如果形、意、构图、色、题均配合得好应该是幅佳作。小品的题材，多数存在于眼睛容易错过的地方，所以要靠自己锐利的眼光。题材既然发现了，心里有了题目，还要研究一下物象的表现。我认为，那物象要有美感、有特点和有形态。我爱拍小品，由于它容易表达我的思想。

多看人家的作品，多读古典文学，帮助启发灵感，是拍好小品的重要一条。 有时你发现某一景物，会触发你读过的一些诗词，一些文章，或一些野史。比方，看见一片平滑的湖水，浮满红色的落花，就可能启发存在脑际的词句：“花落水流红，千种万种，无语怨东风”(西厢记)。就以花落水流红为题目。将这个现场的景物拍下来，相信是一幅很有诗情画意的小品。又假如看到圈圈复圈圈的铁线，零乱地放置在空地上，你便会联想到南唐李煜的：“剪不断，理还乱”的词句。总而言之，只要阁下的想象力和启发力丰富，及目光锐利，小品的题材是

随时随地都可以发现的。有人说，拍小品是俯拾即是，他们以为拍摄一些美观的小东西便算是小品，这是大错特错。 从其他的姊妹艺术作品中吸取营养。

什么是佳作?什么是劣作?虽然作者有自己的观点，但稍有水平的观众，他们的见解不会离得太远。无论什么时候，如遇到影展、画展、甚至橱窗的海报，无妨下马看花，细心地去观察一下，无论是好是坏，对摄影的进修，一定有很大的帮助。研究人家的手法、构图、题名等，久而久之，所谓“熟读唐诗三百首，不会吟诗也会偷。”由偷而变，变则通，经过不断的实践，慢慢地自然会变出自己的一套。

构图也值得一谈。

初学摄影的影友应该以黄金分割做基础的，它是一枝盲公竹，指引你走应走的路。打好基础之后，就要学变，主体放在画面什么地方都行，只要合乎美的需要。试看，历来名画家又何尝不经过这个基础阶段。搞艺术的都知道要不断地变，大胆地创，才能创出自己的风格。一个文学家，又何尝顾虑到文法。他们写出来的便是文章，摄影家也应该做到这一地步的。 因此，拍摄小品的要点归纳为以下儿点： 小品是风景或物象中抽拍的一小部分。 小品是没有远近距离或物象大小的分别。

小品要拍出物象的特点，趣味点，精华所在，要有意境、有内涵。 小品要用现场光，现场景物。

小品只能略加修饰，不能刻意摆设，因为摆设是另外一条支流。 小品的题材不限，什么都可以入画。 小品的题名要与画面看齐，要够深刻。 拍摄的工具。

其实拍摄小品与拍摄风光作品没有多大分别，只是画面上的多与少而已。如果用6×6cm的单镜反光相机，标准镜头之外，多可备一个2X的增距镜。至于35毫米相机，一个标准镜头及一支100mm的微距镜是无往而不利了。标准镜头加上增距镜，在同等的距离，拍摄的影像是大一倍。至于加了增距镜之后的质量如何，阁下大可放心，那是可以接受的。如果能够忍辱负重的话，无妨带其脚架，

对拍摄时的对焦、构图及质量方面，一定大有帮助。

2．小品的意境与命题

“意境”是小品的要领，要将自己的感情投入作品，表达出自己的意念，使观众产生共鸣，才是好作品，比方，拙作“祸根”(见16面彩图---可惜本仙没贴图的权限)及其他的各拙作，取材很简单，都是触景生情，借物咏怀之作，虽不敢说是佳作，最低限度，它们是有故事存在，观众是知道我要说些什么。 命题能起“话外音”的作用，平铺直述的题名，如非必要，最好不用，如“无题”，“之一”或“之二”之类的命题，即是说明作者当时是没有意念去拍。一个艺术摄影家，当他发现一个题材，应该有一个意念去拍，或是有一个题目去拍，才能即时表达自己的意念。可能当时虽然有个未能成熟的概念，未能及时想出较为文雅或有寓意的题目，这是无可厚非的，但一定要符合那作品的意图，文不对题，对作品有极大的影响。题名今天想不到，留待明天，大家都知道，想一个好题目是件苦事，比摄影更困难，人怕取坏名，作品亦然。一个含蓄的题名，一经点题，就起了“画外音”的作用，使作品更添生命。可是，近来有些人提倡不设题名，作品由观众自己去想，去咀嚼，是耶?否耶?这要等待有识之士深入探讨了。

3．小品的构图

摄影没有规律，那是不应有规律。所谓“无招胜有招”是也。在新潮的手法来讲，构图早就不规律了。事实上，如果张张作品的构图都是四平八稳，或是受了某种形式上的缚束的话，摄影又有什么味道?限于形式，什么新意也创不出来。作品的构图要符合美，美就是构图，主要还是充实我们对美学的修养。 色调也是构图的一部分。和谐的色调，自然悦目，就算色调单纯一些，也不成问题，摄影是形象的重现。因为当时环境是这样，要是无中生有，倒不如学绘画了。我们要明白摄影就是摄影，摄影作品，是靠着物象的启发，传达作者的意念，有时七彩缤纷的作品，未必是好作品，会使人有“华而不实”的感觉。有时只得一个原色，未必不是好作品。要知道我们拍的是“彩色”作品，而不是“颜色”堆砌的作品，彩色作品的色调有时虽或单纯，但色阶仍然会丰富的，这自然还要视乎题材、意境、构图等，才能决定作品的好坏。

虽然是说口之于味，各有偏爱，有人喜欢雅淡，有人喜欢浓艳，高色调或低色调等，色调清淡和谐一些，观众容易接受，比喻一个少女，已经天生丽质，却

穿上七彩的衣服，满脸浓妆，姑勿论她的穿着色调和谐与否，实有“却嫌脂粉污颜色”的感觉。

4．就地取材

有人说，拍摄小品绝不困难，看见有些美感的小东西，按下快门，不是一张作品吗?不过，我认为，那小东西只有美感，还未足够，究竟那些小东西会替你告诉观众一些什么?这是摄影的主要因素，尤其是拍小品。

就地所取的材，多数是一些不动的东西，其排列方式，有时候是很合乎画意，但有时候却非要靠自己修理一下不可。无论怎样，主体的变化总是受你的想象力所支配的，所以无论在什么环境，如要找寻题材，可以说随处皆是，只要你视而有见，心中有画。在街头巷尾，你发现一条苦力用来找饭吃的竹担杆，斜倚着那脱了灰皮的砖墙上。竹担杆上系着两束用旧了的披满绳绒的麻绳。竹担杆及绳绒受了逆光的照射，勾起边光。竹担杆是斜摆，麻绳是垂直，两者在画面上形成一个有光的三角，垂下来的绳束自然是主体了。题名我拟了几个：捱命；希望的维系；唔得闲病；吊罅。假如这止匕题名都要不得的话，吾欲无言。

拍摄静物的好处，你可以采取优哉游哉的态度去进行，根本不怕它飞走而失掉难得的机会，你可以仔细地观察物象供给你那些拍摄的资料。有时候景观上似乎能告诉你一个有味的故事。在拍摄时，无妨把那些碍手碍脚的东西甩掉使画面简洁，同时多用几个不同的角度拍摄，直到景观上呈现着令你欣喜为止。 就地取材还有几个问题先要解决的，包括背景，物象的形态，作者的意念，缺一肯定是失败的!

5．色彩与感情

在国际沙龙的影展里，一般的作品真正能够利用色彩来表达作者的思想感情的，却不多见。多数是将原来景物的色彩，原模原样的再现。在我们日常生活中，都受色彩包围着，在不知不觉间，使我们产生各种本能的反应，对物象的颜色是有所感受的，比喻，红色是表示危险一样。如要自己的作品真正具有动人心弦的艺术感染力，就要懂得色彩的创作规律是必然的。

色彩的冷暖，与我们所要表达的感情是有着密切的关系。暖色是用来表达欢乐、热烈、温暖、友好、活泼的情绪，冷色则常被用来表达忧愁，冷淡，凄凉，寂寞，哀怨的情调。不懂得这个规律。如用彩色缤纷的匦面，是表现不出冷冷清

清、凄凄惨惨的意境；而在灰黯的环境里，也很难给人有舒适温暖的惑觉，绿色和蓝色是给人们有轻松安定的感觉。我们可闭目想想，主题是一片黄色的菊花，以蓝色的天空作背景，衬托起来，是多么美丽可爱。如果我们在大自然的环境里，一片青绿色的草原，远望是蓝天白云，这些颜色自然而然地使我们心驰神往。习惯性，暖色多数作为主体，而冷色多作背景和衬托。

较暗晦的色调，兼以暗淡的光线，往往会使人产生郁闷的心情。棕色、紫色、和其他接近黑的颜色，会造成抑郁或严肃的感觉。轻淡的色调，能使作品显得柔和。观众比较容易接受。但，在另一方面，强烈而饱和的色调，却能刺激人们的视觉。因此，许多广告摄影的海报，能使人们产生难以抗拒的结果。

摄影的调色，和绘画的调色方法虽然不同，但基本道理却是相通的。在拍摄之前，我们应挑选色彩，或主动的调动色彩。在作品中所出现颜色的基调，和附加在基调上的每一种颜色都会带上作者的思想感情。

近来，有许多摄影作品，故意以伪色造成气氛的效果，是无可厚非的。要造成这种方法有多种，例如使用滤光镜，特殊用途的红外线菲林，故意使用与光源不配合的菲林，或在暗房里整古整怪。我认为多计不如一计，使用原汁原味的天然色调，才会使观众们产生真实的感觉。

6．浓度，深度，力度

在评论一幅摄影作品时，经常会提到力度的问题。那些所谓力度，实际是指一幅作品的感染力，同时也涉及到作品对观众视觉上的冲击力。作品的力度，当然是越大越好。那么，为什么又会有许多作品出现力度贫乏的现象?怎样才能加强作品的力度?

我认为，作品的力度，并不是一个孤立的问题，是与作品的浓度和深度有着极密切的联系。

广东和福建某一带地区的茶客，喝茶时对茶的浓度十分讲究，他们往往在茶壶里塞满茶叶，喝茶的时候，只用一只拜神用的酒杯大小的茶杯，每次只能喝上一两小口以湿透口腔慢慢品味。不懂品茗的人来讲，都认为不够喉之至。假如换上一只大一点的茶杯，多冲一些开水来喝，那行不行?对于这个想法，有茶瘾的仁兄一定会斩钉截铁地告诉你：不行!绝对不行!为什么?因为这样的茶味达不到一定的浓度，喝起来淡而无味，就不能品足茶瘾，甚至喝了也跟没喝一样。其实

对摄影作品的欣赏上，也存在着这一个浓度够不够的问题。浓度大的作品，看起来给人有意味深长和大饱眼福之感，反之，缺乏浓度的作品，看起来就象喝了一杯冲了十多遍的茶，平淡乏味，看了也跟没有看过一样。

想使一幅作品具有足够的浓度，就必须懂得艺术的加工和提炼，人们在观看作品时，正如，不是要欣赏那些刚刚采出来的粗糙矿石。最感兴趣的是从大量矿石中提炼出来的那几粒闪闪发光的黄金。

对生活中的开挖，还有一个深度的问题。挖得越深，在思想上给人的启发越大，作品就越有味道。作品的深度，是来自作者本人对生活的各种现象的认识和深刻的体验。所以，要想成为一个杰出的摄影家，首先必须是一个有修养，有深度的思想家。没有思想，作品就没有深度，没有深度就没有冲击力!无论技巧多高多好，也只能拍出一些虚有其表，内容空洞的照片，缺少可供反复玩味的力度，决不是一个简单的技术问题。力度来自对生活提炼的浓度；也来自对生活挖掘的深度。

7．黎明与黄昏

似乎是上天特意安排，最美好的时刻，往往是最短暂的时刻。因此，才有诗人的：“夕阳无限好，只是近黄昏”的感叹!

如果是天气晴朗，在日出之前或是在日落之后的半小时，天空会充满瞬息万变的柔和光色的调子。这种光色会使景物产生无可比喻的魅力，使对有感性的摄影家们无限的感受与影响。从破晓的第一道晨曦开始，光色几乎每一分一秒钟都有不同的变化，首先是由属于冷色调的蓝色，经过一系列深浅不同的变幻，由珍珠的色调而转变成为暖色。突然间，太阳出来了。起初，大地万物都沉浸在阴暗之中，现在，所有的东西都清楚起来，光临大地，晨曦，中午，黄昏，经过一天的时刻转变，太阳西下之后的半小时，这种光色的过程将会再重复一次，只不过，不是顺序，而是倒序吧!

为了要在这光色瞬息演变当中拍摄，事前最好做足准备工作。比如，小型的手电筒，三脚架，快门线，高速菲林，及相机的拍摄位置。由于起初的光线比较黑暗，使用高速菲林是比较适合的。为了要用较小的光圈去换取较深的景色，曝光的时间必定要加长，那末，用三脚架此其时矣!如果自己认为抓拍的本领是绝对的，有把握的话，那是另一回事，举一个例：当太阳西下后约lO分钟，如果

采用ASA400菲林，用的光圈是F：8。那末，快门大概还可以用l／60秒。在这个情况下，抓拍是不会有问题的。但，日落在一刻钟之后，同样用F：8光圈，就非要用一秒钟的曝光时间不可。不用脚架，抓拍根本是无法拍到清晰的影象。 因为天空的光色变化过速，奉劝要常常测度曝光的度数。环境愈暗，就愈要小心。无妨将你相机的曝光值增大一级光圈。用不同的曝光值多拍几张，应该有一张会使你满意。不过，我亦见过某名家拍摄日出和日落的作品，她告诉我，拍摄的曝光值，是依照相机的测光读数拍摄，不加亦不减。事实，她的作品亦别有一番韵味。

在黎明或黄昏的光量较弱的时间内，亦可以拍成类似夜景的作品。如要造成这种效果，必须选择天空深蓝色来临的时刻拍摄，但这段时间是非常短暂的，趁黎明的黑夜刚去，黄昏的黑夜将临的一刹那，梦幻般的余光残留在空中，这是你要拍摄夜景的时候了。

8．作品俗套的因由

太阳之下无新事，而摄影者又不能不靠物象以引发联想，达成寄意的目的。见惯的事物，可能过分平凡，因而感觉沉闷乏味，这个想法是错误的，因为，每样题材，都有它一定的作用。越是平凡的物象，越能使观众惊讶，它在平凡之中能表现出不平凡的意念，就越能显出作者的修养。要是摄影者能够好好地发挥自己的想象力，着意经营，作品理应不会流入俗套的。比喻，一个好的厨师，无论拿什么主菜在手，只要他选用一些为人们意料之外的配料，都可以炮制出与众不同，美味可口的佳肴。摄影的创意作品，是同一道理。假如自己影艺尚未达到一定的水平，还要娇柔造作，强求创新，其结果，就会画虎不成反类犬，亦有哗众取宠之嫌，吃力不讨好了。只要老老实实地运用纯朴的摄影技术，虽或呆板一些，但未必一定是俗套，同时作品的表现简而明，更容易使观众接受。

俗套这个名词，在这个摄影的圈子里，是由来已久了。无论那类题材，最初作品被人发现时，是极受人们欣赏及重视的。之后，就群起抄袭，甲抄乙，乙抄丙，物以罕为贵，雷同多了，就变成俗套；所以，有人说，第一个发现的是天才，就是这个道理。或许这位天才作者，在经营作品时的设计和手段，出乎一般人意料之外，因此后来者，明知这是踏着人家的脚印而不愿放弃抄。因为，实在他们亦没有其他更好的办法想。原因是懒，不去想想如何将这个题材作改头换面的炮

制。为了避免自己的作品落入俗套，应该熟悉摄影技术的发展趋向，去留意广告技术的潮流。因为他们是职业的，要找饭吃，要好好地对顾客交待，去注意他们做些什么，他们产品的动向取裁，是可以借鉴，帮助自己有个较新颖的方法，使自己的作品脱离俗套而变成新的风格。

9．先要出奇，才能制胜

“出奇制胜”这四个字，经常都挂在我们口唇边。也许是说得太多，习惯了，反而不会好好地去思考这句话的意义。怎样才能出奇?如何方可制胜?

先说制胜吧。以创作美妙摄影作品为乐事的影友，不论是专业或业余，不拍则已，要拍就必须制胜。那末，所谓制胜，就是通过自己的摄影技巧和心意去争取胜利。一个出色的摄影家，首先要学会制服自己，在所拍摄无数作品中，要挑选出能使自己称心满意而不是“自己的文章，人家的老婆”的佳作，才好考虑用这些作品去制服别人，制服观众，制服评委。因此，身为摄影者，必须学会出奇，要跳出一般化和公式化的框框，使自己的作品，与众不同。将作品往评委跟前一放，使他们耳目为之一新，精神为之一振，甚至，惊讶品尝到未曾有的味道，这才有机会压倒其他参赛者，崭露头角!

所谓出奇，并不是去拍摄三头六臂的奇人，也不是去拍摄翻山倒海的奇情，更不是拍那些使人看得不明不白的作品。在大多数人的日常生活里，哪有许多奇人奇事?就算碰到一条两头蛇，或一头六腿的黄牛，拍出来也未必就等于一幅艺术摄影佳作，也许只是纪录性照片吧!

所以，真正的出奇，是要学会一套“平中出奇”的本领。也就是要有一些与众不同的构思，要有高人一筹的摄影手法。最近看到一幅作品，可谓平中出奇的实例。这张作品的题材非常平凡：一群走过的白鹅。如果用l／125秒把这群鹅拍下来，只能是一张平平淡淡的纪录照片，但作者却用一秒钟的长时问曝光，使得一群走动的白鹅成了虚影，犹如一缕轻纱。而标题是《故乡的云》，画外之音，平添这幅作品的诗情画意，并且对自己故乡来一曲颂歌。

1O．耀光物体的拍摄

耀光物体的表面，如上了漆的木器，镀镍或铬的金属及玻璃等，拍摄时在技术上是有困难的。光源照射在物体的表面越强，耀光越大。环绕着物体的周围，同样会在它的表面显现影象。无论在任何情况之下，拍出来的照片一定糟透。

消除物体的耀光方法，就要选用柔和的散射光和偏光镜了。如在白天要获得这样的光源，必须将窗户用绘图纸遮闭，这种纸的特点是透明度高，散射力强；还要预备两三块一时厚的原大白色发泡胶和几块锡纸。这些在文具店里是有供应的。先将锡纸弄皱，再扫平服，贴在发泡胶上，它的反光度比发泡胶为佳。对存有反光的物体，只用眼睛是不可靠的，最好还是用相机的观景器，因为拍摄所得到的效果，就是在观景器看到的一切。

一镜拍摄多种的物体，它们自然有不同角度的耀光点，那唯一的办法是要用光罩了。制造的方法是简单的，先用木方条，制成一个四方框，再加上四角的支柱。另外离地面约60厘米左右，用木方横连接四边支柱保留正面空着。再买4块透明胶布，及两幅白布，要比木架高一些。除了底部之外，罩顶、后、左、右，用铁夹将胶布夹好。正面的白布中间留缝隙，以便相机移动。拍摄时只将相机的镜头伸人光罩里，用不反光的铁夹将镜头上下的白布夹好，亦即是说，在光罩内只见镜头的玻璃面。在拍摄时，将物体放在光罩内的桌上。灯光照明要离光罩四边及罩顶约150厘米左右，使光罩内的照明变成散射光。但，散射光过份均匀，似感乏味，如果加点高光，那末，将光罩前幅的白布，左或右两边边缘，拉开少许缝隙，将光线由缝隙反射人光罩内，物体自然会起高光了。在开拍之前，要考虑用正片还是负片，同时使用什么色温的灯光照明要弄清楚。如使用正片的话，在冲洗的过程中很难修正色彩的均衡，所以在拍摄时应该用滤色镜预先将色调矫正。假如用负片，可以放大时在暗房做工夫了。还有一点，在散射光的情况下拍摄，放胆加大一级光圈拍摄不会有错。

11．日出和日落

在风景创作中，如果说有什么是永恒性的题材的话，那太阳大概是没有人反对吧!没有太阳，就没有地球上的一切。因此，对于太阳，我们内心都有一种敬仰和爱戴的感情。自古以来，各种文学艺术作品中，都会体会到这种感情的。当然，在摄影艺术创作中也并无例外。只要稍为留意一下，就可以在影展和影集之中，都会找到许多与太阳有关的作品。对于太阳的题材，摄影者百拍不厌，而观众百看不烦。

以太阳为主题的作品，如果天空是空空荡荡，一无所有，那么就要借助一些有趣的景来衬托一下。大树、宝塔、烟囱、高楼、山峰之类，不论什么前景，一

是要有美妙的轮廓，要高低起伏的变化，二是要使前景与太阳之间产生联系，使它们在画面上得以珠联璧合，浑然一体。

当然，最好的拍摄时机，是在日出后和日落前半个小时，这段被称为黄金时刻。这时，在朝霞和晚霞衬托之下，太阳时隐时现，忽而云镶金边，忽而光芒万丈。在你眼前变幻出美妙动人的光影协奏曲，富丽堂皇的色彩交响乐。 在海边和海上拍摄日出或日落，由于波浪的层层反光，会使整个画面更为辉煌夺目，但在海阔天空的画面，如果没有船只和飞鸟的点缀，会给人们有空虚之感。如果画面的前景中有海滩，可以意识地寻找千奇百怪的碓石，安排在前景之中。至于人物是否需要，那就要看摄影者追求什么意境了。地老天荒，辽阔的意境不一定需要人物吧；反之，有一对情侣在海滩上携手而行，或在礁石坐下，欣赏日落那一瞬问无限好的美景，则往往会给画面带来生机和生气，发挥出一种使人们沉醉的意味。

现代的多层加膜镜头，直接对着光芒四射的太阳拍摄，会产生一连串的光斑，但不会产生烟雾的。用普通没有多层加膜的镜头，则要注意利用景物来进行遮挡了。

12．反影的美

镜里反影着一个妩媚的少女，她的右手漫不经意地在脸上扑粉，但她的眼睛却无限深情地瞟着她身后。镜里反影她的表情，自然意会到白马王子的存在。她这种情不在言中的心态，娇媚的微笑，画中有画，此景此情，是值得按下快门的。 悠悠的潭云日影，天空反射的色调，衬托着落花的涟漪，应该是诗情画意的题材，无妨动动脑筋吧。

如你看过陈复礼兄的《千里共婵娟》那虚无缥缈的水月作品，大概会同意反影的美的说法吧。

一双青年男女，坐在柳荫池畔，水面漂来几片落花，反影双双依偎着浮动的影子，那含蓄绮腻温馨的画面，便是要拍摄的主题了。

马路上的夜雨，变为重复的小涟漪。朦糊的霓虹光管的彩色线条，交织为抽象的画面，那平凡的影像，经过摄影者的慧眼，自然可以拍成不平凡的影像了。日问见惯的街景，在夜雨里却有不同的意味。虚和实的两个景象，在取景时，可能会互相干扰，引起视觉上的混乱，这点要小心处理了。不过，我认为拍摄水的

反影比较有趣味性。

调子反差强，会影响作品的色调，光源由你的后方或侧面投射，就会引起眩光。用偏光镜可以偏去的。如要保留些淡淡的影子，将偏光镜慢慢的转动，可以调节明暗的需要。还有一点要了解，偏光镜对于金属物体的反光，是起不了作用的。那么，就要另外找寻相应的位置了。

水的反影题材，真个数之不尽。常见九寨沟水里的影像，具有迷人的画意，清澄平静的湖面，反影红红绿绿的树叶，和天上的云彩，这些画意，足使一张作品生色不少吧。

利用水的波光，因逆光的关系，产生浮动金光闪闪的纹理，这可以构成作品成功的要素。一只小艇向着逆光划去，波光受冲击着，和艇尾拖着柔和长长的浪影，可以想象画面美丽的程度了。

l3．直线与曲线

摄影艺术是“光的艺术”。没有光，就没有摄影。

有了光之后，在照片上所出现的形象，又是什么?经过美学专家分析，普遍都是以为：那构成各种形象的基本因素、归纳起来，不外是四个项目：线条、影调、色调及斑点。这四个项目中的斑点。可以说是一种最短的线条。

线条是构成形象和画面的一个重要因素。这个问题，尤其在东方的形象艺术中更为突出。要想熟练地运用线条来刻画各种形象，以表达自己的思想感情，就必须研究和了解各种线条的特性。在千变万化的线条之中，最基本的却只有两种：即直线和曲线。

在使用线条结构画面时，要尽量多用曲线，少用直线。直线不但容易在画面发生分割作用，而且会给人们有平铺直叙的感觉，使作品显得太呆板而缺乏生气。古人在谈到写文章时就指出：“文似看山不喜平。”这就是说：写文章要有曲折，有变化，有起伏，其道理跟游山玩水有相通之处。黄山、桂林之所以受到艺术家们的重视和喜爱，主要是因为黄山与桂林的山势，线条结构，有大起大落，变化万千，经得起反复欣赏和仔细品味，这才‘有“桂林山水甲天下”和“黄山归来不看岳”的美誉。惹得千千万万的摄影爱好者，不嫌麻烦地多次前往拍摄。 画面中的曲线，由于不断的弯曲，因而给予人们有灵活生动和变化多端的感觉。如果有许多曲线在画中出现，各有其变化而又能统一，那就产生一种音乐感，

有节奏和旋律的韵味。

“外行看热闹，内行看门道。”线条的运用，就是摄影同道们经常运用的手法。如果你参观影展、画展或书法展览时，经常发现那些作品中对于各种线条的运用，能细致地分析研究，保证你的摄影创作有一定的提高。

14．构图的聚和散

摄影的构图，经常会遇到聚和散这个问题，在一个画面里，必然有一个最主要的东西，我们称这个物体为主体，次要和更次要一些的，都叫着宾体和陪体。说句笑话，假如连宾主体都分别不出的话，不必谈摄影创作了。那么主体、宾体和陪体，在画面里要怎样安排才有美感，观众才看得有味?这就要我们懂得运用聚和散的安排了。概括来讲，在画面里主、宾、陪过分集中，紧紧地挤在一起的话，别的地方自然就会过多空白，这叫做聚而不散。在另一方面，画里的景物，过份分散，就会出现群龙无首，如散沙一盘的现象，这叫做散而不聚。这两种情形，都会造成画面缺乏美感。

“聚”在我国传统绘画的理论中，称之为“密”，而“散”则称之为“疏”。所以，聚和散的问题，亦即是在画面里的景物摆布疏与密的关系。在风景作品中，近景、中景、远景，视野是辽阔的，自然会有许多层次，疏密的安排，经常是用虚来托实，或用实来破虚。在花鸟这个流派的国画里，主要的花、鸟、蝴蝶、蜜蜂等，还是要靠花枝和花朵的线条来联系。假如不懂得疏密和虚实的运用，便很难构成有美感的图画。绘画如此，在摄影创作中又何独不然?

如果遇到某些特殊的题材：一群鸭，一朵纯白色的花，一堆竹篱笆，诸如此类，在画面里没有一个起眼的主题，也就是说分别不出主、宾、陪的关系，这时就要靠线来营造画面了。使这些大小差不多的物体，聚在一条有形或无形的线上，如对角线、弧线、S型和L型的线上，把画支撑起来，成为全画面的支柱。 总而言之，画面的物体，既不能堆在一起，也不能东分西散各不相干。应该聚中有散，散中有聚，聚散两依依，才有画味!

15．一镜走天涯

回内地旅行，还是一镜走天涯比较实用，如果真个要带一支镜的话，那要看你长于那种镜路而定。比方，有些人善于用中距离的，有些人善于用广角的，而我通常却带标准镜。

我见过一些影友，一机三镜之外，还带一架摩打机，即两机三镜，加上各色的滤光镜，几个菲林盒，当然他们带的都是有用之物，但亦可能在那次旅行中没有机会用到。长焦、广角固然都有可取之处，当你要转换镜头的时候，那种手忙脚乱的情形，够麻烦死!万一不慎，镜毁机亡，损失大矣。

或谓，这些影友认为这是一种乐趣。或问，三机三镜又如何?假如有人替你带相机及脚架，或是你自己不怕负荷过重的话，是最好不过，举机就拍，每个镜路拍一张或几张，便不会因为镜路问题，顾此失彼，拍不出什么名堂来。 往日广角镜及长焦镜还没有普及的时候，双镜反光机，不是一般大师们的成名利器吗?到远方旅行，多带一架同类菲林的相机作后备，以防主机“失火”是合理的。一镜走天涯的好处是：一，不必要为什么镜路伤脑筋，二，不必要为换镜头而麻烦，独沽一味。我敢保证，如你单镜的技术运用得纯熟的话，你的收获一定很大。

有天下午，我们到新会葵厂参观，现场是散射光，在地面上晒着些未完成的葵扇，扇柄向西，排列着鱼鳞式，很有图案味，不过就是这样拍下来，一定很单调，我花了2元多人民币买了一把绣了凤的葵扇，顺手放在排列着的葵扇面上，作为主体，利用扇面绣着凤的颜色，及扇柄那些红丝坠儿，调整那白色一片的背景。我拍的是逆光，同时因为散射光之故，我照测光表加大了级半光圈，用对角线构图，便完成了一张作品。

16．伞的妙用

有个在北京的影友告诉我，黄翔老先生是国内的风景摄影大师。当他外出创作的时候，十年如一日老是爱带着一把黑色的尼龙伞。这把伞黄老认为是得力助手。

我们无妨分析一下他老人家带伞的理由。用途当然是用来遮蔽阳光了，不过，我相信黄老的意图，并不是为了保护自己的皮肤那样简单。普通的遮光罩，深度有限，倘若太阳直射而来，这些遮光罩是起不了作用的。他老人家的伞就是巨大的遮光罩。射进镜头的太阳，是会产生光斑或是造成雾气，对于作品终是有不良的影响，在外国的摄影圈里，流传着一句经验之谈：在拍摄的时候，永远要把你的镜头置于暗处。射来的无论是什么光源，只把大伞一遮自有妙不可言的作用。 黑伞还有一种妙用，即把强烈射来的阳光，改变成为散射光，不论何时何地，

只要把伞遮住物象，不但光线均匀，而且在色彩方面也没有偏色的毛病。 伞除了遮蔽阳光之外，自然是避雨。避雨的主要原因是为了宝贝相机而不是为人。雨水是相机的大敌，尤其是电子快门的相机。它的线路纵横，错综复杂，只要渗进了一点雨水，不是漏电，就是沾线，出了毛病就不容易修理，除非把整个心脏换掉。

事实，晴天拍风景作品，是干巴巴的，前景、中景、远景，全部都一清二楚了，了无情趣，令人感到索然无味。只要下雨，就会有烟有雾，云遮雾挡，隐隐约约，便大有文章可做。因此说带伞的目的是为求雨，倒未尝不可。

伞对构图方面，亦有很大的帮助。要运用前景来增添景象的纵深感的话，可是前景中的树木花枝不是太高，就是太低，不是太多，就是太少，很难有一个现成理想的布局，这时手中的伞，将过高的树枝，用伞柄钩住，往下一拉，或树枝太多，往外一拔，就得其所哉!

一把伞虽然不是摄影器材，但在摄影创作的运用中，常常可以发挥意想不到的作用，实在是好使好用的摄影工具。

17．B快门的魅力

几乎每一架相机都有B快门的设备。

但是，除非是拍摄夜景，或作更长时间的曝光，是很少会去动用B快门的，更不会有人异想天开的用B快门去拍摄动态的作品。

在老式的相机上，B快门往往和T快门并列。两者都是为长时间爆光而设。但T快门似乎适用于更长时间的曝光：按下快门，快门打开；放开手，快门还是依然开着。这时你可以尽情地进行曝光，曝上一两个小时都没有关系。等到认为曝光足够了，再用手按一下，快门才会关闭。但B快门则没有这样自由自在了。按下快门后，不能松手，手一松，快门就马上关闭。因此，它只适用于不太长时间的曝光。当然，还有一种带锁的快门绳，可以把B快门变为T快门用。 现在摄影圈里，正流行用B快门加闪光灯来拍摄动态的“流程”技巧。 这种技巧只适用于夜晚，黑暗的地方，或舞台上黑背景前的表演。拍摄的方法大体是先打开B快门，让那动体在底片上留下虚渺的动态影纹，然后，到了某一个决定性的时刻，亮着闪光灯，来抓住那一个清晰的形象。这样画面既有虚，又有实，的确可以发挥一下虚则实之，实则虚之的效果。

在港澳摄影艺术作品集里，有一幅作品题名《舞姿》，就是一幅很出色的舞蹈作品。就是作者采用上述技巧，至少是类似的技巧拍摄而成的。

画面五分之四的背景是全黑一片，高低起伏，朦胧不清的幻影。最后，到了画面的左边的边缘，才出现舞蹈女郎清晰的身影。这幅作品的虚实相生，有前一阶段作品舞蹈动态的朦胧韵律，更有最后一段的清晰形象，把一个并不复杂的表演过程，拍摄得如诗如画，这既显示出作者新颖独特的构思，同时亦表现出B快门的魅力。还没有用过这种方法的朋友，不妨在B快门上做文章吧!

l8．长焦镜头易出佳作

在外国的影圈里流行一句话，大意是说，镜头的焦距长一些，拍出来的作品就好一些。换言之，长焦易出佳作。

这句话是有一定道理的，我经过多年的实践体验是同意这个讲法的，尤其是以拍小品为然!

道理之一：长焦镜头的视角窄，200mm—12。，300mm=8。，500mm=5。也就是说，取景的范围小了。在社会生活和自然的景物中，只能拍摄一个小小的局部。那么，这相机迫使你在取景时必须选择最精彩的一个小部分。这样的结果，实质上就是对纷纭复杂的生活和自然现象，进行艺术性的提炼。

道理之二：长焦镜头是有把远处景物拉近的功能，所得的影像，比标准和广角镜头拍摄的要大得多。这种功能，当然有利于在画面上突出主体。更妙的是，摄影者可以在远离主体的地方进行拍摄，不至对被拍摄者有所干扰，容易抓到自然、生动、真实的神态。在拍摄动物更得到极大的方便。

道理之三：长焦镜头的景深短，除了主体清晰之处，前景和背景都容易虚朦。如光圈用得正确，不但可以收到突出主体的效果，在画面上获得虚实相生的韵味，背景的色调也更有朦化美感。

道理之四：长焦镜头能产生一种远近景物压缩在同一个画面的功能，从而使画面的景物更集中、紧凑。镜头的透视规律，都是近大远小，肉眼看来相当大的远景，拍出来往往显得矮小，缺乏应有的表现力。长焦镜头则没有这个毛病，它能把远景拍得高大，比如用标准或广角镜头拍出来的太阳，是一个小小的红圆点。长焦镜头却可以把太阳拍成巨大的火球，焦距越长，火球越大，具有很强的表现力。

当然，长焦镜头不是万能的。它的景深短，是易虚难实，镜头的体积大而重，是易动难稳，也给摄影者带来不少困难。因此，在使用长焦镜头时，在光线条件许可之下，要尽量选用较高速的快门，以避免相机的震动。一般来说，快门的速度，不要低于镜头的焦距长度。当然，能装上三脚架便稳定得多了。

19．摄影作品的题款

摄影作品可否加上题款及印章的问题，这是见仁见智的，我亦认为没有多大关系，等它们自由浮动好了。摄影和绘画都是平面艺术，绘画可以题款，为什么摄影就不可以?不过，在摄影题材方面要注意一下应不应题款。

摄影技术发明初期，那些绘画大师们以为是末日来临。百多年来，绘画与摄影还是共存共荣下来。摄影的形似，及瞬间性的捕捉，绘画是永远达不到的，而绘画的似真非真的神似，以及移山倒海的技法，亦非摄影者所能想象。所谓各有所长，亦各有所短吧。或许将来会有一天摄影与绘画合而为之，成为一种创新的平面艺术亦不奇。不过，要看摄影家们和画家们能否衷心合作，共同研究而已。不要以为这是痴人说梦，世界有很多事情，眼前认为在理论上是不可能的，隔了若干年后，就有可能出现。君不见，以前是没有人登陆月球的，现在的月里嫦娥还不是给太空人吓跑了吗?

在摄影的作品上题款，也不能马虎，随意瞎写，而是要懂，要尊重其中的规律。在画面上添加题款，是我们中国画所特有的一种民族风格。它的特点，是把诗、画、印紧密地结合起来，以便把作者的思想感情更加充分的发挥，加深作品的意境。正因如此，在画面上所加的题款，必须与画面上的景物，互相协调一致。比如，在作品上是拍幽雅的少女，或田园小品，那么所写的字就应该以工笔小楷为宜。如果作品上的内容，是长河日落，波滔汹涌、群山起伏??则字体可用行草、写得舒畅奔放一些。此外，作者的名号，起首单，压角章，虽然只是小小的一方，也要注意它们的落脚点，与画面景物是否呼应，在画面结构上能否发挥补足空虚，破除平板和加强平衡的作用。题款和印章如果用得巧妙，往往能使一幅平淡的作品，变得更加精彩，甚至起死回生，其中的学问值得我们研究。

20．摄影创作的“拟人法”

在诗词之中，常常都有拟人法的运用，这种手法的特色，是要把宇宙万物都化为有生命、有思想、有感情，能把平凡的事物，变为有新的意境、有寓意，确

有“点石成金”之妙。唐代的韩愈，是善于运用这种手法的；“草树知春久不归，百般红紫开芳菲。杨花榆荚无才思，唯解漫天作雪飞。”那万紫千红的花木，在韩愈的眼中，好象是争奇斗艳的红男绿女；这么一写，不但情趣盎然，还能更多引起人们的联想。又如在宋代苏轼的词里：“水是眼波横，山是眉峰聚”，这是多么的诗情画意的拟人法。

那么，在摄影的创作中，有没有拟人法的运用呢?以我所见，不但有，而且还有很不错的作品。内地的影友，张桐胜的小品《小花的性格》，前景是两根刺槐的粗杆，上面生满了可怕的尖刺。在这两根粗杆之间，却长出了一株小花，她长得十分细致，十分柔弱。但，却并没有畏缩之感，挺拔而起，亭亭玉立，而且还长出美丽的花朵。这不正是描绘那小花可爱的性格?还有，李英杰的小品《稻子与稗子》，那长满谷粒的稻穗，却是谦逊地低垂着头；相反地，那专是盗取别人的肥料，对人们毫无贡献的稗子，却是又高又大，骄傲地高昂着脑袋，不可一世，使得人们首先看到的是它，而不是喂饱芸芸众生的稻子。在这人世间，确实有这两种人存在!如拙作《圈套》、《独枝易折》、《祸根》、《新人替旧人》(见15面彩图/****)、《种族歧视》(见7面彩图)等就是拟人手法的作品，在思想上有一定的力量。不过，采用这个拟人法的同道还不多。但我却认为，它是大有文章可做的。

21．摄影的加减法

一般来说，初学摄影的人，总觉得画面的东西，越多越妙，其实，这种想法，并不是绝对的，假如这个论点是正确的话，相机厂只要生产超广角镜，就足以应付一切。而事实，他们还生产不少中焦距及长焦距镜头，以适合各影友的要求。 我见过有些自作聪明的影友，采用6×6超广角镜头，将景物拍下来，扩印后再剪裁。这些“聪明人”用6×6的菲林，剪裁成为135。一来是浪费，二来放大的清晰度肯定不能与6×6比较的。我想为什么不在拍摄时，采用适当的焦距镜头学习框景?

摄影是把我们现实的世界大大的缩小，小到可以拿在手中的3R。如果用广角镜将景物塞满了照片，就显得没有“抖气”的余地，空间小了，那表现力就相应减弱，作者要说什么，主题放在什么地方，似乎要用放大镜才找得到，更不必说突出主题。

所以，多年摄影的影友，在创作时，开始感觉减法的妙处，把那些可有可无的东西，统统去掉，力求在画面做到简而明，突出最主要的景物。

这种减法，其实就是功力的提炼。摄影本领的高低，是视提炼的工夫到了某一个水平。观众是不喜欢欣赏没有内涵的生活纪录片的。他们要看的是作者在矿石中提炼出来那闪闪发光的黄金!

提炼的减法其实不难，问题是在画面的东西少了，就容易产生单调的感觉。上述说过减法，只要将与主题没有关连的东西去掉就行，切勿贪多。有修养的影友，在创作时，即要做减法，也要做加法，即是说在景物的形象结构上做减法，同时，在思想内容上要做加法。换句话说。就是力图用最精炼的形象去表达最丰富的内容和最深刻的思想!

我在1977年拍摄的一幅作品：《新人替i日人》，是描写池塘里的两片荷叶，一片是已经腐朽了，另一片刚刚出水的新叶。这两片荷叶紧紧地靠在～起，是表达出宇宙万物的新陈代谢，生生不息的规律。这不过是我的减法与加法，双管齐下的一个试验而已。

22．作品空间的关系

有些人认为，作品最主要的，还是那放置主题的地方。因此，主题以外的空间，常常得不到作者的重视。更有甚者，将主题充满画面，没有保留足够的空间。我亦认为这是犯了构图的毛病。

其实，作品里的空问，“有”和“不足”与主题有很大的关系。画面的经营，主题和空问是要互依互靠的，共存共荣。放置主题的地方，如果安排得恰当，那空问也自然觉得空白得合理、舒服。反过来讲，如果主题安排得不妥善，亦即是说，那空间肯定有问题。

有些美术老师，当学生把作业交给他时，老师总是习惯地把作业颠倒来看，这就是他首先要看看空白的地方，处理得是否恰当。

任何事物，如果单从一个角度进行观察，有毛病也不一定看得出来。从前我的作品，自己认为稍有水平的，都放大16×20时，挂在自己的工作间里，以便经常和自己的视线接触，是想找出作品的瑕疵。如是者经过一个月的考验，才敢“出街”。因此，多年来，新的、旧的作品，不断地更换，自然有不少见得人的存货。说也奇怪，以我而论，作品的瑕疵，不放大，不挂在高处细心观察，瑕疵

是不能轻意发现的。相等于书法家将自己的书法高吊起，来找寻它的瑕疵一样。即使看人，又何尝不如此。比喻，有人总爱在你面前，说张三的长，说李四的短，如果从直觉去看，你会感到这个人对你很不错，向你反映了许多事情。然而，如果用另一个角度，反面看一看，问题就更加清楚了：“来说是非者便是是非人”，这个是“可以不理”的朋友!

23．构图与内容的统一

创新就是将现在水平突破。世间上的一切事物，没有创新就是没有进步。摄影作品，其道理也是一样。其新也，并非是一般观众不能接受的画面。 摄影创作，是完全靠形象以表达作者的思想感情，可是，一切的摄影题材在“太阳之下无新事”之情况下，找到不常见的题材是难能可贵了。我们的创作方法，除了将这些形象加以利用之外，只有靠自己突破现在的构图形式。“内容要少见，意境要新，构图要特别。”这几句话讲起来容易，做起来是千万个困难，要不然，就不能称之为艺术作品了。

摄影作品，就是以内容和构图合而为一的，假如把内容和构图分开来讲是不合理的。脱离内容只去谈构图，即使构图是如何地尽善尽美，也等于没有灵魂，是不能代表作者说些什么的。但有内容而没有构图，亦即如入宝山而空手回，未能有效地将作者意念发挥。

意境、内容是应有新的构图去表现，这样才能做到作品的新意。所以，一般的旧瓶新酒，一眼看见即有不协调之感，因为有很多作品的构图未能为内容服务，亦即是内容和构图未能统一而已。

24．闲话标题

谈到摄影作品的标题，有人认为：摄影作品加上标题既“老土，，又不够含蓄。作品应由观众自己去咀嚼，想到什么，便算什么，才够意思。

我不想争论这个问题，应该由观众自己决定好了。现在我谈的，是传统的摄影作品命题的重要性。

传统的摄影作品的标题，概括地分为三大类：诗情画意的、生活写实的、寓意的。讲到诗情画意的标题，我们就不能不去研究中国的旧体诗词，它是我们民族艺术的精华。假如把旧体诗词和中国画或摄影作品放在同等的位置上看待，这对摄影艺术是有很大的裨益，因为旧体诗词的概括性强，言简意明，用作诗情画

意摄影作品的标题，大有画龙点睛之妙，并且可以把标题的本身，作为独立的文艺欣赏。事实，有很多作品的标题，确实拍案叫绝的。反过来讲，如果将一张成功的诗情画意的作品，配上一个没有诗意的标题，肯定观众会摇头叹息，是大煞风景的事。其次是生活写实的摄影作品，无妨带有讽刺性、幽默性、谐趣性的标题，使观众作会心微笑，如果依画直说的话，题了等于未题。寓意作品的题名，是要够含蓄，意寓深邃，有哲理，带有典故性的比喻。

摄影作品的标题，的确比拍摄一张有水平的作品更困难，它的困难程度是将拍摄时的意念，概括地由几个文字去表达，增添作品的色彩。

25．不要被构图吓坏!

我们从观景器看去，自己认为美，那便是你的构图。凡有艺术性的东西，都有主观性存在。至于什么才是美，这是我们要向美学方面下点工夫了。 当3R到手以后，无论在光的运用，人物情绪的捕捉，色调层次，无一不妥，唯一就是在构图方面，或许在自己的信心上，总觉得欠妥，又不想过分主观，亦不能找出欠妥的理由，那原因是你未能对美学有好好的学习。 看来，构图这个名词，的确吓坏了不少初学摄影的朋友。

构图的解释，就是如何在一个平面上处理三度空问一一高、阔、深之间的互相关系，使主题突出，充分发挥作者的意念，增强作品的感染力。

从实践看来，一幅成功的作品，首先是使构图有新面目，能否吸引观众的第一眼，其次是作品的内涵了。

摄影的构图，无可否认是取法于绘画，它的功能与规律，中外的摄影家已有不少著作。但从理论与实践上看，有很多名作，亦不能从构图的规律上分析它的优点所在。不过，在观众的眼中看来，甚为顺眼而已。

由于作者的美学及艺术修养不同，观察事物的角度自然有异，创作出来的作品因之而变化无穷。虽然懂得构图的一些基本原理：均衡、对比、视点、三七律等等，如果全部都有样学样，你便会走人了死胡同!那些以“无招胜有招”的人，是不会被构图的死法则所束缚的。书法家林散之说过：“守墨方知白可贵，能繁始悟简之真，应从有法求无法，更向今人证古人。”

26．相机位置的妙用

我们一旦发现题材，在心目中起了作用，因而按下了快门，对一般情形来说，

这是适当而合理的，因为这个景是作者的第一眼。不过，过分信赖这个方式，反而将主题的特点不容易发掘出来，因你的直觉将这个题材作整体着眼，未能细致。大概是一般影友的毛病。

虽然说第一眼的观察是最适当的，但，未必是最佳选择。我们的眼睛有色、光自动调节作用，有感情作用。在观景器看去则不然，它是死物，没有感情的，它只能供给你一个未尽善的框景，还要靠作者的思想操作，能多跑几步，在题材左右细致观察一下，通过观景器，可能会找出你的相机最佳位置，比你第一眼所见的还要强。

有年春节的烟花公开摄影比赛，第三名的得奖者谢少华女士的作品，画面是充满白色线条的烟花，烟花的形态好象迎面将扑过来，前景是一排列的大半身人物剪影，远景是有些霓虹光管点缀。我的推想：一、作者是用定焦长镜。二、前排的人太挤了，作者因拍摄困难，兼之雷同的作品太多，毫无意思，于是她由第一线退至第二线，实行以人物作前景，起了相机位置的最佳作用。三、她没有机会将长镜转送过来，致使主题在画面“爆棚”，或许是意外收获，或许是作者特意运用这种手法。四、作品只得第三名，或许评委认为作品没有表现出香港的地方色彩。五、烟花颜色过分单纯。六、她的得奖是有赖于构图与别不同，是相机的最佳位置。

我想，假如烟花再多一两种颜色，在美感和色彩而言，可算更善更美矣。 由此观之，假如影友发现题材之后，找相机位置是重要的，而自己认为没有把握的话，无妨在不同的角度上多拍一两张。

27．风景小品浅说

摄影要靠物象来表达自己的思想感情，拍风景小品，亦同一道理。小品的题材，多蕴藏着生活的意义。风景小品，同样有赖山岳、河流、草木，借自然界的优美以抒发感情。我们的审美观，将感受反映在景物之上，才感觉风景的美感。 有些影友也曾问我，习惯拍小品的，拍起风景作品来，怕会摸不着头绪，所见到的都是茫茫一片大自然的景象。其实，对于小品摄影有认识的话，以拍小品的手法，将远处的主题找些衬托，扩而大之，还不是风景作品?拍风景作品，最易出现的毛病是包罗万象。越简越能表现主题。

同样的理由，假如是风景小品的话，在大景之中，不管是怎样平凡，在那平

凡之中，定然有不平凡的局部形态美，将那部分形态拍下来，便是风景小品了。比喻，飘逸围绕着半山腰的白云，突出了顶峰，以奇峰突出为主题，拍摄下来，还不是一张风景小品?

流水、彩云等，留心观察，定然可以发现自然界物象的造型。这些都是拍摄风景小品的体裁。同时，为了增强画面的美感，还要留意前景与光源的运用。

28．小品文章与小品摄影

小品摄影，不知始于何时，我懂得用光圈快门的时候，已经有这种形式的摄影作品。

小品文是我国文学体裁之一，是始于晋代。当时之所谓小品，是指佛经的简本。直到晚明时代，才有小品文，是当时读书人的抒情之作。鲁迅先生对小品文有过很好的评论，他把古代的小品文章，比喻为士大夫家的小摆设，把现代的小品文章，比喻为匕首，把这利器针对社会的恶势力，或者不对眼的地方，冷嘲热笑，发为文章。

小品摄影的来由，或许是前辈受小品文章的启迪与感染，才把这种形式化为摄影。小品文章可以随着发挥，只要有笔与纸便行，没有一个局限。但，小品摄影是靠物象以寄意，不能随心所欲。如果没有理想的题材，又求收一针见血之效，是会弄巧反拙的。因此，小品摄影的题材，不能不采取多元化，以补其局限之短。配合广泛的题材，或寓意、抒情、哲理、讽刺、风趣等等抒发出来。总而言之，小品摄影的题材是要灵活运用。

小品摄影应与小品文章一样，要做到言浅意深。言浅，不妨拍摄一些日常生活的琐事，使人人看得懂。意深，使明眼人看了，会心微笑，如咀嚼橄榄一样，有回甘的滋味。

在香港的报章里，我读过不少小品文，的确短小精悍。从这些司空惯见的琐事，而能联想到许多大道理，实在不易。

我们搞小品摄影的，似乎有向身边事物着眼之必要，好好地训练自己的眼睛，不要让有味的题材跑掉。

29．雨中别有情趣

港澳一带，每逢清明节前后，都是细雨绵绵的连阴天气，难得有一两个痛痛快快的晴天。不少摄影者都讨厌阴天，更讨厌下雨。阴雨天气中，拍出来的作品，

经常都是灰蒙蒙，雾沉沉的，缺乏生气。遇到这种情形，唯有望天长叹。其实，阴雨天气并不是那么可怕，只要能掌握一点诀窍，积累一些经验，同样可以拍出更有画意，别有情趣的作品。

彩色菲林的本性，是宽容度窄，阴雨天的散射光是柔和的。这恰好是医治彩色菲林这种毛病的灵丹妙药。彩色菲林性刚，散射光性柔，刚柔相济，可以得到丰富的层次，和另有一种超然物外的品味。

在阴雨天拍摄彩色照片，最忌曝光不足。曝光不足，会使作品产生粗粒及色调暗淡无光。因此，曝光要“宁多勿少”。曝光稍微过度一点，在放大时很容易校正。曝光不足，造成底片过薄，是无可救药了。测光表对于正常的光源还可以用，对特殊的，比如拍摄以天空为背景的题材，别以为测光表可靠。它不过是你一根盲公竹，还要靠自己动脑。如果全按照测光表的读数拍摄，只有曝光不足，应看环境情况加或减而定曝光。对着天空测光，所测的都是天空光，比主体的光度要亮得多。在这种情形之下，最好是开大2级光圈，我有些作品是加大3级的，这是我经常用ASA400度的理由。这样，有两个好处：一是使主体得到充足的曝光；二是让天空曝光过度，变成干干净净的纯白背景，更能托起主体。 经过雨水洗涤的大地万物，不但一尘不染，而且拍出的色彩分外的鲜亮艳丽。此外，雨水还可以增添地面的倒影和反光，使平日单调乏味的地面，变得多彩多姿而富有韵味。

当我拍《喜雨》(见l面彩图)的时候，是天朗气清的，但忽然来了一阵骤雨，人们都溜走了，只剩下我一个还继续留在现场。我由观景器看去，与先前拍那一张比较，无论是色、光、画意都截然不同。画面池水变成两种色调，一边是深灰色，而另一边是浅灰近乎白色，荷叶盛满了不规则的雨珠，池面雨点的小涟漪，密密麻麻，另有一番画意。

30．小品可否有人物，小品能不能摆布?

有人问我两个问题：第一，小品摄影可否有人物?第二，小品摄影能不能摆布?它和静物摄影的区别?

既然认定小品摄影是一个流派，就应有该流派的一些规则，使在风格上和其他作品有所区别。

第一个问题：既然小品的题材是多样化，人物当然可以入画。但要看作者拍

摄的手法而定了。比喻，拍一个大半身的老人在公园树下看书，无论采取什么光源，相信这是一张室外人像作品。一个大半身的人像，虽然不算大，仍未见得其小，未见得细致。小品的特点就是以小见大，以浅见深。为了要充分表现小品摄影的手法，我认为，只要拍那拿着书本的双手，尽量表现老年人双手的纹理，及书本上的文字，如有精警的句语更妙，以求细致。老年人双手的纹理，足够刻画出有一个人存在，一个岁月催人的老年人。要是观众能读出书本上的字句，亦可联想到这个老人家也在阅读。

至于第二个问题，我的意见是小品作品是不能摆布的，因为摆布是另外一个流派。有些人叫这种摄影是静物摆设，它多数是采用灯光，而小品摄影要用现场光，现场景物，只能略加修饰，求添画面的美感则可，刻意的摆布，似乎不是原汁原味了。

31．大处着眼，小处着手

喜欢拍风景的朋友，往往都有这种感觉：风景看来很不错，为什么拍出来却是散漫、离乱、平淡。这个道理很简单，当你在取景构图之时，没有注意到先从大处着眼这个因素。

所谓大处着眼，就是要有全局观念。先要确定几个对全局能起主要作用的大面积的东西，使它们成为支撑画面的骨干力量。这个基础打好了，就可使作品画面牢牢的立定。我之所谓全局观念，其实就是构图中的布局。

长期拍摄风景作品的人，他们所付出的劳力、吃苦、惊险，有时确难以使人相信。当然，在偶然的机会下，确实得来全不费功夫，这是千载难逢的例外。 那些拍摄纯自然的风景作品，虽然表现不错，也难以讨好观众的。因为观众会说：不过是纪录照片而已。他们是想欣赏那些具有诗情画意的风景作品。一幅成功的风景作品，应是无声的音乐，无言的诗篇，是人们的精神粮食。其实，一个风景摄影家，是很会借助自然的景物，以抒发自己的情怀，这所谓“寓情于景”的道理。

但是，作品的小处着手，也是很重要的。这个小处主要是指作品的纹理是否清晰细腻，层次是否丰富，色彩是否谐和，质感是否完美??兼之意境的佳妙，定会大大的增加作品的光彩。凡是好的风景作品，既要经得起远瞧，又要经得起近看。

32．人取我弃，人弃我取

在摄影圈里的“一窝蜂”现象，并不是新闻。君不见，在国际沙龙里得了金银奖的作品，不难又在其他的国际沙龙中，类似的作品，蜂涌而至。

摹仿得奖的作品，作为一种练习，未尝不可。但是，以为这样做，能使金银铜奖容易落人自己手中，这就是一种天真的想法。艺术作品贵于创新。 那么，怎能避免“一窝蜂”?其实并不困难，就是标题的八字真言：“人取我弃，人弃我取”。亦即是说，凡是人们热衷的题材，就要坚决地放弃。凡是人们所放弃的，自己就偏要下功夫，绞尽脑汁进行拍摄，做到完美为止。这样的实践结果，你的作品定然与众不同，超凡脱俗是必然的。“横看成岭侧成峰，远近高低各不同，不识庐山真面目，只缘身在此山中。”同是一个山头，横、侧、远、近、高、低，如果多走远几步看看，自然有不同的视觉。离群独处，拍出来的作品，焉有雷同之理?!

到了目的地创作的时候，一窝蜂的现象也经常会发生的，人们总是挤在同一点上按快门，拍出来的作品大同小异，有鉴如此，我随众出外的时候，就决定“人取我弃，人弃我取”的创作方针。当人们争先恐后奔赴某点争取镜头的时候，我总是慢吞吞地走在后面，在人们不屑一顾的地方寻找我的题材，我在1975年拍的《新人替旧人》，题材是两片新及残的荷叶，颇受各方面好评，就是在一个不起眼的小池塘里拍摄的。

33．摄影作品评论的准则

要想推动摄影艺术创作的不断发展，就必须要有胆识，对摄影作品要有正确的评论。站在艺术的立场而言，只要是对事而不是对人，容或在评论上稍稍有偏差，以艺术家的胸怀，相信是会谅解的。严格地讲，一个民族，要想站在科学和艺术的最高峰，就一刻不能没有理论的指导。道理是很显明的，如果没有正确的理论引导，摄影创作就会变成盲目的实践，甚至出现混乱和错误。因此，摄影作品以假作真，比比皆是，脱离了真善美的标准。虽然，这些作品会给人们有美的感受，但没有内涵，没有情感，那些所谓美不过是霎眼娇的作品而已，使初学者认为这是艺术的准则。使他们走上十万八千里的歪路。

那么，怎样才能对摄影作品进行正确评论呢?在这个问题上一向是公说公有理，婆说婆有理，众说纷纭，莫衷一是。当然，在摄影评论上，相信不会找不到

一个统一的标准吧?比如，孔老二说孝道：“三年无改，于父之道，可谓孝矣。”这真是狗屁不通，假如父亲是大贼，为人子者，要做足三年之于父之道的大贼，才能称之为孝子，难道这是孝道的准则吗?不通之极。这里，提出几点可供具体衡量现时代的摄影作品评论的准则，以供影友们参考!

一、有无强烈的时代气息，能否反映鲜明的时代精神，并反映出广大群众的心声。

二、有无浓郁的生活气息。 三、有无生动典型的艺术形象。 四、有无高超的摄影技巧。

五、有无鲜明的艺术个性和独特的风格。 六、能否推陈出薪，富有创造性。

总之，一幅优秀的摄影作品，形要美，意要新，情要真，理要正，力要强，味要浓，才能达到形神兼备，情理交融的境界。

反过来讲，如果在一幅摄影作品里，或多或少存在着以下十种毛病，则不算佳作。

一、虚伪，二、浅薄，三、媚俗，四、杂乱，五、苦涩，六、空洞，七、柔弱，八、粗糙，九、死板，十、陈旧。

34．佳作的形成

对物体的观察，不单要用眼睛去看，还要透彻地用客观的态度，细致分析。同时，还要平心静气地问问自己，为什么要拍摄这个主题，你将要告诉人们一些什么?如果你能够不偏私的答复自己的问题，你将有一张不是“自己的文章好”的作品，而是一张可以出街的佳作了。所以，一些资深的摄影者，当他们对要拍摄的题材还没有按下快门之前，他们的心中多数有该张作品的标题了。 相机的镜头是死的，在取景时，它的功能是非常客观的“有见必录”。但自己的眼睛却是非常主观，对自己喜欢的景物才会注意。或许现场的景物过分使你兴奋，你因不够冷静，在不知不觉中把其他不喜欢的景物，全部照拍。这样才会使你作品的画面，和你先前所见的现场有许多不同的地方。这正是没有经验的摄影者，最常犯的毛病。直至到见了扩印片之后，才知不够理想，可是为时已晚了。由取景器所见到的一切，是应该加以选择的，把一般“可有可无”的东西除掉，

或使用不同拍摄角度避开，如避无可避的话，放大光圈，将那些不必要的东西虚朦，使其不太着眼。

资深的摄影者，除了知道一般化的构图不能满足观众的兴趣之外，同时更要知道那些会使观众分散注意力及不良的反映。如要磨炼自己成为一个杰出的摄影家，最有效的要诀，莫如将同一个题材，用不同的角度多拍摄两三张，互相引证比较，会有很大的收获。到了你有一定火候，你自然会明白视觉上的微妙变化效果。到了你真正“视而有见”的水平，对于构图的问题不用再担心了。

35．有兴趣才有佳作

目前，以香港一个弹丸之地，爱好摄影的朋友，实在不少。傻瓜机在手，合家欢拍一张，横拍一张，竖又拍一张，但求有照可拍，什么是艺术，对他们来说，是无关宏旨的。另一类，是作名家状，名机，长焦，短焦，闪灯，应有尽有，兼有靓女同行，这些是专为女人而玩摄影的。拍得靓相，受到靓女赞上一句，则甜在心头，还有其他类别的。无论是艺术与否，摄影的确是成年人的玩意。 现在我要为摄影而摄影的，而又未能摸到要走的路向的影友们谈谈：他们未能拍出似模似样的作品，原因何在?或日，这是他们少磨炼之故矣?这是理由之一半，其余一半，还是他们未能将自己的兴趣投入摄影里。

老是拍不出名堂，你就要问问自己，对摄影这门艺术究竟有没有真正的兴趣?或许你会觉得我这个问题是多余的。没有兴趣，为什么要花如此多的时间和精力，投资这么多?这是证明你对摄影有一定的兴趣。但你老是拍不出能够引起别人兴趣的作品，这恐怕并不是因为技术上的问题，而是你对这门艺术是有兴趣但不够浓厚，不够强烈之故矣!

有强烈的兴趣是搞好这门艺术的关键。如果你有强烈的兴趣，就会百折不挠的，坚持不懈地下功夫去探索这门艺术的精微。要不然，你就难体会到这门艺术的妙境!

要想拍出精妙的作品，光是对摄影有强烈的兴趣，这是不够的。还要对生活有浓厚的兴趣，要热爱生活和热爱大自然。假定，当你拍一些生活题材之前，有浓厚的兴趣，才会不满足那一般化的营造，尽自己最大努力去构思，拍出与众不同的作品，只有你在作品中表现出自己感到兴趣的地方，别人才会感到有兴趣。要是对于拍摄的题材，并未能产生真正兴趣，只要把它记录下来，就算了件差事，

在这种情况之下，拍出来的作品自然是一般化，很难打动别人的心弦。当你在影展里看怍品时，是否望望而去之，既然你对人家的作品尚且如此，人家对你一般化的作品又何独不然?客观的反映，对艺术的欣赏与评价是正确的!

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