设计学概论考题与答案

《设计学概论》复习题

1、 * 西方美术史之父是谁？设计的概念是什么？ 瓦萨里。设计是整体与局部的比例关系，局部与局部对整体的关系。由于明确了这种关系，才产生了这么一个判断：事物在人的心灵中所有的形式通过人的双手制作而成形。

2、**设计史家和设计批评家的关注点有什么不同？ 设计史家的关注点是设计的历史，设计批评家的关注点却是当代的设计作品。

3、* 设计批评理论的任务是什么？

设计批评的任务是以独立的表达媒介描述、阐释和评价具体的设计作品；设计批评是一种多层次的行为，包括历史的，再创造性的和批判性的批评，在这种情形中，设计批评追求的是价值判断。 4、* 设计批评的研究对象是什么？

设计批评中，历史的批评与设计史的任务大致相似，二者都是将设计作品放在某个历史的框架中进行阐释，其区别只在于按今天的学科范围的划分：距当代20年以前的设计作品为设计史的研究对象，而当代20年里的作品则是设计批评的研究对象。所以，任何研究当代20年里的设计作品的学者，都会按学科规范被称作设计批评家而不是设计史家，这是因为作品与评价文章之间的历史距离太短，使得学者的批评比设计史家带有更强烈的流行语调。 5、什么是再创造性的设计批评？

再创造性的设计批评和批判性的设计批评却不同于设计史。再创造性设计批评是确定设计作品的独特价值，并将其特质与消费者的价值观与需要相联系。在大多数情况下，它是一种文学表现，评论文章本身便有独立的文学价值和艺术价值。因此，在事实上，它是将一种设计作品转换成了另一种设计作品，即文字的作品。它有文字的精巧和感染力，其文学色彩完全可以独立于所阐述的设计作品之外为人们欣赏。 6、＊ 什么是批判性设计批评？

批判性设计批评是将设计作品与其他人文价值判断和消费文化需要相联系对作品作出评价，并对作品的评价制定出一套标准，将这些标准运用到对其他设计作品的评价中去，它的重要在于作品价值判断。这些标准包括：形式的完美性、功能的适用性、传统的继承性以及艺术性意义。这些标准都是对设计的理想要求，在批评运用中基本上不考虑其合适与否，而是作为设计批评的理想标准。

7、＊＊ 文艺复兴时期的“设计”一词等同19世纪的艺术批评吗？

形式的完美性而言，“设计”这一概念本身就是在

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文艺复兴时期作为艺术批评的术语而发展起来的。作为艺术批评的术语，设计所指的是合理安排艺术的视觉元素以及这种合理安排的基本原则。这些视觉元素包括：线条、形体、色调、色彩、肌理、光线和空间；而合理安排就是指构图或布局。

8、＊ 当代的“设计”一词的含义与19世纪前有什么不同？

文艺复兴时期至19世纪，艺术批评家们在使用“设计”这一批评术语时，多少还强调它与艺术家视觉经验和情感经验的联系，而19世纪之后“设计”这一词已完成了个人视觉经验和情感经验的积淀，进而成为一个纯形式主义的艺术批评术语而广为传播。 9、什么是设计批评中的形式主义？ 对现代设计来说，20世纪初的形式主义艺术批评家毫无例外地成了现代设计批评的先声。正如沃尔夫林在美术史研究上提出“无名的风格史”从而开了形式主义研究的先河，艺术批评家弗赖伊(1866～1934年)和贝尔(1881～1964年)在艺术批评中也倡导形式主义研究，他们所举的也是纯设计的旗帜。弗赖伊在《视觉与设计》(1920)一书中便提出艺术品的形式是艺术中最本质的特点，他着重于视觉艺术中“纯形式”的逻辑性、相关性与和谐性。而贝尔在1914年出版的《艺术》(1914)里引进的“有意味的形式”，是将形式与个人视觉经验及情感经验的联系程式化的一个最为重要的概念。贝尔用这一概念来描述艺术品的色彩、线条和形体，并暗示“有意味的形式”才是作品的内在价值。但是贝尔并没有能够规定出什么样的形式才是有意味的，他因此而给后世理论家的批评留下了伏笔。 10、形式主义批评的来源？

20世纪形式主义批评主要来自三个方面的影响：沃尔夫林对美术风格史的研究；克利夫?贝尔在艺术批评中提出的“有意味的形式”；以及美国罗斯(1853～1935年)的《纯设计理论》(1909)。罗斯的设计理论又是从森珀、里格尔和琼斯那里发展出来的。罗斯将谐调、平衡和节奏作为分析作品的三大形式因素，并致力于研究自然形态转换为抽象母题的理论问题，其对抽象形式关系的思考暗合了毕加索和康定斯基的抽象艺术的出现。

11、设计功能与设计批评有什么联系？

⑴对设计功能的讨论，在设计批评中有着极为悠久的传统。早在公元前1世纪，罗马的建筑师和工程师维特鲁威在《论建筑一稿中便清楚地表明，结构设计应当由其功能所决定。在18世纪，英国经验主义者又提出“美与适用”理论，与维特鲁威的观点遥相呼应。此时，维特鲁威的理论追随者洛日耶(1713～1769

年)在他的著作《论建筑中就反复强调建筑设计的基础是结构的逻辑性，并将维特鲁威所描述的建筑类型作为古典建筑的范例，从而倡导建筑设计上的新古典主义。

⑵到1896年，芝加哥学派的建筑大师沙利文(1856～1924年)发表了他的论文集《随谈》，其中的名言：“形式永远服从功能，此乃定律”随即成了20世纪功能主义的口号。稍后一些，激进的反装饰理论家卢斯发表了极有影响的《装饰与罪恶》(1908)，全篇文章的内容后来被压缩成一句口号：装饰就是罪恶。卢斯所提倡的美学与在他之前的新古典主义传统一脉相承，并且借助传统上的理论支持，使得功能主义观点迅速传播开来，对后来的工业设计影响甚广，尤其是在第一次世界大战之后的包豪斯，功能主义几乎被滥用而成为建筑中“国际现代风格”和设计中“现代风格”的代名词。

12、＊＊ 功能主义理论在设计中具有代表性的有哪些？

主要是1953年由英奇和格蕾特姐妹合办的乌尔姆设计学校，其宗旨便是继续包豪斯设计学校的未竟事业。这个宗旨使得该校在短时间内因其在工业设计方面严谨、规正和纯粹的方式而闻名。1955年乌尔姆设计学校搬入由比尔(1908～?)设计的新大楼正式开学，学校设有四个专业：产品设计、建筑、视觉传达和信息。

13、功能主义理论在办学中的成功之处是什么？ 该校第一任校长马克斯?比尔本人就是包豪斯的产物，他坚信设计家个人的创造力和个性。这种观念使他与他所选定的后任马尔多纳多(1922～)产生冲突。后者1956年继任校长，极力主张设计中的集体工作制度和智力研究。由此他在教学中增加了人类学、符号学和心理学课程。乌尔姆设计学校最成功之处在于通过教与学促使设计活动与工业建立起了稳固的联系，尤其是该校与企业成功的合作。企业聘请了学生作为该公司的设计师。学生为企业的家用产品所设计的极有特征的外形，尤其是风格化的收音机和剃须刀成了战后工业设计的象征。

14、什么是设计批评中的历史主义理论？

在设计批评中对传统继承性的讨论，集中地表现为设计中的历史主义理论。设计中的历史主义形成于19世纪，以遵从传统为特征。在当时的氛围中，学者们出版了大量的传统设计资料书籍，借以整理和研究传统设计图样。这其中最为著名的是欧文?琼斯的《装饰的基本原理》(1856)，该书给制造商和设计师提供了大量风格各异的图样，其中有伊利莎白时代装饰风格，

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庞培时代、摩尔人的装饰风格和墨西哥阿兹特克人的装饰风格的图样，这些风格同样迎合了装饰设计师的大量需求。

15、＊＊ 19世纪90年代的设计特征是什么？

在现代运动的过程中，任何对历史主义的偏爱都引起前卫派的不满。直到战后大众文化的发展，才使得借鉴传统这一设计行为在批评界得到认可。之后，历史主义思潮融入后现代主义运动，成为90年代设计界的特征。人们也愈来愈习惯于看待设计界复古怀旧的情绪，以及在设计中间隔越来越短的复旧频率。如今我们正可看见设计界和批评界对60年代迷幻色彩和图案的回归。今天，历史主义在设计的多元化发展时代扮演着重要的角色，从前激进的传统虚无主义已经没有多少市场。设计批评中的历史主义思潮恰恰是在维护传统和继承传统这一大旗下，给今天多元发展的设计提供了多元的传统。

16、设计批评中的折中主义是什么？

19世纪，面对由学者们提供的关于西方和东方美术历史的概况，西方设计界视野大开。作为建筑师、设计师和东方主义者的欧文?琼斯向设计界呼唤，用富于智慧和想像力的折衷主义态度来回应滚滚涌来的传统资源，当代的设计师们大可以在如此丰富的传统资源中汲取灵感。琼斯与德雷瑟、戈德温、塔尔伯特以及戴一道，采取折衷主义的方法从伊斯兰、印度、中国和日本的传统设计样式中汲取营养。尽管折衷主义受到现代运动强硬派的指责，但是它仍然成为20世纪设计界的主题。

17、＊ 什么是欧洲19世纪的“美学运动”？

现在的设计史著作里常常提到的19世纪“美学运动”，便反映了当时的人们对设计的艺术性要求。尽管按照公认的维多利亚设计史权威杰维斯的说法：“‘美学运动’是刻意创造的一个术语。”但是，这一术语用来说明19世纪晚期英国社会的设计趣味却有着特殊的意义。正是由于当时的人们已经相当成熟地认识到设计与纯美术的不同之处，所以才有了对设计的特殊的艺术性要求。

18、＊ “美学运动”中的设计内容有哪些特征？ “美学运动”最为重要的人物王尔德(1854～1900年)在他的《作为批评家的艺术家》中所说：“明显地带有装饰性的艺术是可以伴随终生的艺术。在所有视觉艺术中，这也算是一种可以陶冶性情的艺术。没有意思、而且也不和具体形式相联系的色彩，可以有千百种方式打动人的心灵；线条和块面中优美的匀称给人以和谐感；图案的重复给人以安详感；奇异的设计则引起我们的遐想。在装饰材料之中蕴藏着潜在

的文化因素。还有，装饰艺术有意不把自然当作美的典范，也不接受一般画家模仿自然的方法。它不仅让心灵能接受真正是有想像力的作品，而且发展了人们的形式感，而这种形式感是艺术创作和艺术批评必不可少的”。

19、＊ 设计批评中的设计趣味是什么？

波普设计就是要表明，艺术家与设计师正是要抛弃传统的趣味标准以迎合大众美学趣味。二战后的一段时期里，高雅艺术与通俗艺术一直保持着相应的界限，但是到了90年代，这种界线已被跨越，当高雅的歌剧咏叹调成了1991年世界杯足球赛的主题歌时，所谓高雅通俗之分在当代已显得毫无意义。有关趣味的批评常常与设计功能发生联系，尤其是现代运动的设计家对材料本身的偏爱和选择，已经表明新的设计趣味与其有关的理论已被当时的人们奉为圭臬。 20、＊＊ 现代设计的目的和特征是什么？

设计的终极目的就是改善人的环境、工具以及人自身。

设计的经济性质和意识形态性质，即设计的社会特征，使设计学研究必须从传统的单纯对设计师传统研究和设计宣言的研究中分离出来，给予其研究对象的经济特质、意识形态特质、技术特质和社会特质以应有的重视。

21、＊＊ 设计学研究的现状是什么？

当今的设计学研究是一个开放的系统，除了从自己的种学科——美术学那里继承了一套较完善的体系之外，它还要广泛地从那些相关的学科，如哲学、经济学、社会学、心理学那里获得启发，借用词汇，吸收观点，消化方法。这便是当今设计学研究的现状。 22、＊ 什么是符号学？

按照贡布里希的说法：“普通符号科学——它有各种名称：符号学或语义学，这些术语来自希腊语的sema(符号)——在人文科学的广阔地平线上也只不过是一片巴掌大小的云彩。如今，这片云彩急速增大，雾霭滚滚而来，大有淹没人们曾经熟悉的各种轮廓清晰的分界之势。这些分界之一就是图案和符号之间的分界，即单纯装饰性和象征性之间的区别。如果把一切都看作了符号，那么重新解释这个被研究美术的人使用了很长时间的普通旧术语的重要性便非同一般了。”

23、＊ 为什么说符号学已成为当今设计学的普通性理论？

根据符号学的理论，人类的思维和语言交往都离不开符号，而人的意识过程就是一个符号化过程，思维无非是对符号的一种组合、转换、再生的操作过程。

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符号是人类认识事物的媒介，符号作为信息载体是实现信息存贮和记忆的工具，符号又是表达思想情感的物质手段，只有依靠符号的作用人类才能实现知识的传递和相互的交往。简言之，人类的意识领域就是一个符号的世界。当代设计学借助符号学的方法使自己由技术—数学或美学—数学的理论而过渡到一种具普通性的理论。它不仅涉及到技术的物质性、功能性和审美状态的数值规定，还涉及到设计对象的产生、使用和适用与传播功能。

24、＊＊ 什么是结构主义？

结构主义理论是一种社会学方法，其目的在于给人们提供理解人类思维活动的手段。最著名的结构主义倡导者是法国人类学家莱维?施特劳斯(1908)，他是法国知识运动的成员之一，法国知识运动主要关注社会学、人类学、语言学和设计学。莱维?施特劳斯在几十年的学术生涯中主要研究他所称的文化人类学，涉及原始社群中的社会结构、神话结构、思维结构和历史结构等方面，他的《结构人类学》(1936)和《野性的思维》(1962)不仅讨论人类学，还涉及到语言学、逻辑学、社会学、心理学、美学、历史学、哲学等方面的问题。

25、＊ 如何用结构主义方法探讨艺术的特性？ 在《结构人类学》中，莱维?施特劳斯曾讨论过装饰纹样的形式结构问题，并试图从社会结构的某些特点中找到解释。在《野性的思维》中，他用结构主义方法探讨过艺术的特性：“画家总是居于图式和轶事之间，他的天才在于把内部与外部的知识，把‘存在’和‘生成’统一起来；在于用他的画笔产生一个并不如实存在的对象，然而他却能够在其画布上把它创造出来；这是一种或多种人为的和自然的结构与一种或多种自然的和社会的事件的精妙结合。美感情绪就是结构秩序和事件秩序之间这一统一体的结果，它是在由艺术家而且实际上还由观赏者所创造的这个东西的内部产生的，观赏者能通过艺术作品发现这样一个统一体。”

26、＊ 什么是解构方法？

解构方法也是从符号学引申出来的一种分析方法，它所要解构的是社会模式和大众传媒中有关性别、地位的流行套语。对待图像，解构方式企图揭示其多层面的意义。按照解构主义理论，我们可以运用科学的符号学原理来分析图像，并且分别说明其视觉的、文化的、以及语言的意义，这一分析过程被解构主义理论家称之为解码。

27、＊ 解构主义理论的提出及其理论特点？

解构主义理论自60年代后期由法国哲学家德里达

(Jacques Derriida)在其《论语法学》(De la Grammatologie，Paris：Editions du Seuil，1967)一书中确立，之后便作为一种批评类型被理论家们用于对一切研究领域里的方法问题的全面探讨。一般认为，解构主义揭露传统的偏见和自相矛盾，注重详细解读，具有浓厚的哲学兴趣。就德里达而言，其对西方哲学和艺术的形而上学及本体论模式的批评本身就注定要影响其追随者对美术学和设计学的方法进行全面理论。德里达本人在1978年就写过《绘画的真实》(la Verite en Peinture．Paris：Flammarion，1978)一书，试图用解构方法解读绘画。 28、＊＊ 什么是混沌理论？

混沌理论来自于自然科学界。按照通俗的解释，混沌理论是要向我们说明，我们才刚刚开始理解自然界的复杂性，即自然现象及其事件的连锁反应。譬如，在一个大陆上的蝴蝶扇动翅翼，就会影响另一个大陆的气候变化。简单原因可能导致复杂后果，这是混沌理论研究所提供的一条重要信息。许多看起来杂乱无章、随机起伏的时间变化或空间图案，可能来自重复运用某种极简单而确定的基本规则。通过重复使用简单而稳定的规则，就会得出绝不平庸的时间演化或空间图案。混沌理论不是要把简单的事物弄得更复杂，而恰恰是为寻求复杂现象的简单根源，提出新的观点和方法。

29、＊ 中国最早记录工艺制作技术的著作是什么？ 《周礼?考工记》，成书于战国，书中详实记录了车舆、兵器、乐器、陶器、工具制作和建筑营造法式等30余种工艺技术。

30、* 美国著名的建筑设计大师赖特的建筑思想与中国建筑文化有什么联系？

赖特的著作《建筑的未来》(1953)虽然比中国春秋末期老聃的《老子》晚出不下两千多年，但他独特的设计语言、深刻的东方文化体验和宏博的理论架构使他在中国古代设计思想研究史上占有一席重要的地位。1908年，赖特在《建筑范例》月刊上首次提出了他的有机建筑概念，以追求建筑的实在——内部空间的真实表达为终端，通过对整体性的探索，最终找到以连续性和可塑性的结构实现整体性的具体途径。赖特在阐释其建筑概念和原理时，曾多次谈到中国的老子，他说：“据我所知正是老子，在耶稣之前五百年，首先声称房屋的实在不是四面墙和屋顶，而在于内部空间。一个全新的观念进入了建筑师的思想和他的人民生活之中。这个观念精确地表达了曾经在我的思想和实践中所抱有想法。原先我曾自诩自己有先见之明，认为自己满脑子装有人类需要的伟大预见，但我终究

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不得不承认，我只是后来者。几千年前就有人作出这一预言。”

31、* 什么样的中国理论征服了赖特大师？ 征服赖特大师的，是这么一段话：

“三十幅共一毂，当其无，有车之用。埏埴以为器，当其无，有器之用。

凿户牖以为室，当其无，有室之用。故有之以为利，无之以为用。”(《老子》十一章)

老子把文章凝炼到了最大限度，“有\与“无\是其哲学中两个关键的概念。由“有之以为利，无之以为用”推衍到“天下万物生于有，有生于无”(《老子》四十章)，即是老子思想体系中至关重要的命题。 32、* 什么是设计中的艺术借用？

在设计中借用某句诗、某段音乐或者某个镜头、某一雕塑或其他艺术作品，借用艺术创作的思想与风格、技巧等，是设计的一种手法。这种手法使设计直接借用艺术的力量吸引、娱乐观众，达到感动观众，传播信息的效果，从而达到广告的目的，这是广告设计经常使用的手法。在设计中借用艺术作品营造特定的文化艺术空间，宣扬特定的精神主题，形成感人的人文氛围，这是环境设计的经常做法。 33、* 什么是设计中的艺术解构？

根据设计的需要，进行符号意义的分解，分解成语词、纹样、标识、单形、乐句之类，使之进入符号贮备，有待设计重构。设计中有了这些艺术的或信息的符号，就有可能获得艺术的或信息的认同，进一步获得个性的和风格的力量，这是建筑、室内、家具、标志、包装、广告等设计的普遍作法。符号意义就是约定俗成的信息载体的意义。艺术符号意义就是普遍认同的艺术作品、艺术类型及艺术思想或艺术风格的表述与象征意义。

34、* 什么是设计中的艺术装饰？

在解决设计的艺术品质问题时，装饰是最传统又最常用的方法。彩陶和青铜器采用了装饰，建筑、服装、家具也采用了装饰，时至今日，科技最先进的电子产品外壳上也用了女性特征的纹样或童趣的形象作装饰。好的装饰可以掩去设计的冷漠，增添制品的情感因素，增强设计的艺术感染力；好的装饰是设计不可分割的部分，只有多余的装饰才是可以随意增减的附件。

35、* 什么是设计中的艺术参照？

在解决设计的艺术品质问题时，无论是借用、解构、装饰，都不能简单地模仿，而要表现出适度的创新，参照不失为一个简便又有效的方法。参照的对象是前人和当代的艺术成果或设计成果。参照的核心是形式

借鉴，规律借用，由此及彼，举一反三。参照的关键是根据设计课题，寻求成功的范例，反复参详考察，找出规律和可变的环节，在基本规律或基本形式不变的前提下，使设计呈现新的艺术面貌。 36、* 什么是设计中的艺术创造？

在设计遇到开创性课题时，选用的材料、设备、技术、构造、外形等，都有可能是最新的科学技术成果，设计要实现的艺术和符号功能，也可能没有先例可寻，这时，设计只可能依靠创造方法，在解决物质、技术、经济等功能的同时，予设计对象以合适的艺术形式。包括特定的平面或立体空间形象；恰当的造型、色彩、材质与肌理的美感；精心处理的同一、参差、主次、层次以及平衡、对比、比例、节奏、韵律等审美关系，从而确保设计作品在科学技术的先进性，实用功能的可行性，艺术欣赏的完美性，经济价值的现实性上，达到和谐一致的境界。

37、＊ 什么是工业设计？

工业设计定义为：就批量生产的产品而言，凭借训练、技术知识、经验及视觉感受而赋予材料、结构、构造、形态、色彩、表面加工以及装饰以新的品质和资格，叫做工业设计。

38、什么是工业设计的艺术特征?

为工业服务的设计由技术设计、经济设计、艺术设计共同组成，艺术设计只是其中的一个部分；但是工业设计中的艺术设计内容涉及到项目的功能系统，包括实用功能、信息功能、审美功能等，其形式是产品的造型、用材、色彩、表面处理和装饰。

工业设计在产品表面处理方面强调艺术思维，即选择最佳处理工艺以表现和创造材料的肌理之美，从而达到理想的视觉效果。工业设计的装饰处理，主要是要求设计者将母题、纹样、色彩构成等及功能与审美的协调等方面纳入思考范围，综合运用艺术手法让使用者接受产品，让产品与其功能一致，同时赋予产品风格的协调性。

⑴在造型上它追求完美的技术功能和操作功能，追求实用、信息、审美功能的结合，将造型的个性、独创性寓于应用的艺术风格，如民俗风格、文雅风格、豪华风格、流行风格等。总之，它追求形式的完美。 ⑵在用材上它追求材料的应用与结构要求相符，材料的应用与功能要求相符，并且与生产工艺相宜以及与材料供应相宜；充分表现材料的本色美与工艺美。 ⑶在色彩上，它要考虑如何充分利用材料的本色和表面处理的本色，选择最适当的颜料、涂料、油墨或染料，选择最理想的色料处理工艺，使之与造型、材料、使用功能、审美心理相宜，并表现出某种个性和风格。

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39、＊ 什么是广告设计的艺术特征?

广告指广为传播信息的行为过程，也指以媒体表现出来的传播信息的作品，如报纸广告、路牌广告、招贴广告、电台广告、电视广告等。在明确广告定位之后，提出广告创意，组织相关人员对信息筛选组织、提炼加工，然后转换成具体的文案、图形、乐曲、剧本，经过商定审查之后，形成视听觉的或其他形式的广告作品，由广告主认可之后交媒体发布。

40、＊ 广告的艺术设计有哪几个部分组成？

可划分成五个方面，即：文学创作、美术设计、声学创作、表演设计和电脑制作。

41、＊ 广告的艺术设计的实施过程要完成四个任务？

(1)对广告主提供的信息进行筛选、提炼、组织、加工，使之适用广告的艺术形式，从而创造优秀的广告艺术形象。

(2)使加工创造的广告艺术形象更容易避开媒体的制约，发挥媒体的特长。

(3)使媒体发布的广告艺术形象更能引起受众注意、记忆、理解、信任和偏好，并能产生期望的行动。 (4)使整个广告效果超过市场竞争中同行业的对手，并不断地推动广告的艺术设计的进步，以及整个广告的进步。

42、＊ 室内设计对象指的什么？

主要指建筑物的内部，也指火车、飞机、轮船的内部。建筑物的室内有实体与空间之分，室内设计也分实体设计和空间设计。实体设计就是地面或楼面、墙体或隔断、门窗、天花、梁柱、楼梯和台阶、围栏或扶手，以及接口与过渡，连同照明、通风、采光及家具和其他设备的设计。空间设计就是厅堂、内房、平台、楼阁、亭榭、走廊、庭院、天井等设计。

43、室内设计的主体是实体设计还是空间设计？ 室内设计是实体设计与空间设计的结合，有时实体设计更着重些，有时空间设计更积极些。由于经验主义和机械唯物主义的影响，空间设计容易被忽略，那么着笔于实体时，心眼应多放在空间上，强调空间造型、比例与空间的组织，强调空间的功能、情调与风格。这样把实体变成实现空间的手段和工具，以此为前提来完善实体设计自身，更有现实意义。

44、室内设计的艺术特征主要体现在哪些方面？ 从艺术的角度为室内设计的实体、虚体、技术、经济诸方面提出解决美学问题的方案。如实体设计中，要从美学角度考虑地面、梁柱、门窗、家具等，包括布幔、地毯、灯具、花鸟植物的陈设以及艺术品的陈设等问题；而在空间的设计中，要考虑一切空间的组合

及其心理效果与艺术效果。

45、＊＊ 在设计与艺术关系上的误区？

⑴为艺术而设计。否认设计的功利目的，否认设计的科学技术和经济特征，把设计作为纯艺术的一个品种。设计就成了纸上谈兵之举和架上欣赏之物，科学、技术、生产、流通、消费等均成为无关的概念。

⑵为技术而设计。否认物质产品的精神功能，否认设计的艺术特征，把设计作为纯科学技术的一个行业。这就非常明显地导致设计的纯技术观点，素描、色彩、图案、构成都成了摆设，艺术思想、艺术技巧、艺术风格和艺术传统，都变成了无聊的言词。

⑶孤立静止地看待设计与艺术的关系。设计被当作民族民间工艺美术，传统图案；艺术仍是挈斯恰科夫体系的素描，苏联时期中专学生的水彩。这是数十年的闭关自守遗留下的认识问题。

46、＊ 技术与设计是怎样的关系？

技术包括生产用的工具、机器及其发展阶段的知识，它是生产力的一种主要构成要素。设计是设计人员依靠对其有用的、现实的材料和工具，在意识与想象的深刻作用下，受惠于当时的技术文明而进行的创造。技术形成了包围设计者的环境，无论哪个时代的设计和艺术都根植于当时的社会生活，而由于环境状况的种种改变，也就改变了设计者进行工作所使用的材料。随着技法、材料、工具等的变化，技术对设计创造产生着直接影响。

47、＊ 彻底改变了人类技术世界的分水岭以什么发明为标志？

以1785年吉米?瓦特发明的蒸汽机为标志，出现了人造技术的新动力。

48、＊ 在蒸汽机出现之前人类的技术动力是什么？ 人类一直是依靠自然动力，如风力、水力、畜力等。 49、＊＊ 在蒸汽机出现之后人类出现的新技术动力是什么？

自从蒸汽机发明以后，一种崭新的动力——机器出现了。蒸汽机被应用于火车机头、轮船，并被广泛应用于纺织业、机械制造、采矿、冶炼等各领域，使得生产技术和社会结构产生了深刻的变化。

50、＊＊ 新的能源和动力带来新材料的运用？ 各种优质钢材和轻金属被应用于设计，建筑业也采用标准预制单元构件(如1851年“水晶宫”博览会展厅，1989年艾菲尔铁塔的设计)，表明铁已由传统的辅助材料变成了造型主角。钢筋混凝土的发明使高层建筑成为可能，工厂林立的大城市的涌现表明设计已进入了钢筋混凝土的时代。

51、＊ 20世纪的科学进步给人们带来了什么？

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科学技术一进步，就创造出与其相应的日常生活的各种机器和工具，接着又凭借这些工具和机器不断改变着人们的生活方式。都市形态也是一样，随着交通工具的发达，建筑技术的进步，人们不得不在过去想都未想过的新城市形态中生活了。包括食品、家电、家具、服装等各行业的推广。

52、＊ 新材料的问世对设计者有什么影响？

一种新材料的诞生往往给设计造成重大影响，例如轧钢、轻金属、镀铬、塑料、胶合板、层积木等等。毫无疑义，塑料是对20世纪的设计影响最大的材料。最早的塑料是赛璐珞，作为一些昂贵材料如牛角、象牙、玉石的代用品而应用于商业。本世纪初，美国人发明了酚醛塑料，并用易变的高分子树脂状物质制造出阻燃的醋酸纤维、可以自由着色的尿素树脂等，拉开了塑料工业的序幕。这种复合型的人工材料易于成型和脱模，且成本低廉，因此很快在设计中应用开来，由电器零件到收音机外壳等。

53、＊ 为什么将20世纪60年代称为“塑料的时代” ？

二战末期，聚乙稀、聚氯乙稀、聚氯丙稀、有机玻璃等塑料都被开发出来，塑料赢得了“战争的神奇材料”之名。它们大受工业设计师的青睐，被用于各种产品上，如电话机、电吹风、家具、办公用品、机器零件以及各种包装容器。新型塑料多样化的鲜明色彩和成型工艺上的灵活性，使许多产品设计呈现出新颖的形式，与先前标准化的金属表面处理和工业化形成强烈对比，因而更适宜设计的个性发挥和产品符号的灵活运用。60年代亦被称为“塑料的时代”。 54、＊ 摄影出现在什么时间？由谁发明的？

1839年盖达尔发明了摄影。照相印刷使视觉表现迅速扩大，翻开了现代传达史的第一页。

55、＊ 电影出现在什么时间？由谁发明的？其结果如何?

1895年卢米埃兄弟的伟大发明——电影，是在摄影的基础上产生的。电影的出现又导致了另一种传达媒体——广播和电影合为一体的电视。

56、为什么中国曾经有百分之九十以上的研究成果都得不到应用？

原因有三：一是缺乏应用机制；二是研究的成果脱离实际，不够成熟；三是无视或不重视设计，特别是不重视将技术成果市场化、社会化的设计。 57、当代英国经济发展战略是什么？

英国前首相撒切尔夫人说：“设计是英国工业前途的根本。如果忘记优秀设计的重要性，英国工业将永远不具备竞争力，永远占领不了市场。然而，只有在最

高管理部门具有了这种信念之后，设计才能起到它的作用。英国政府必须全力支持工业设计。”甚至强调：“工业设计对于英国来说，在一定程度上甚至比首相的工作更为重要。”

58、当今世界的设计是如何作为经济发展的战略地位？

设计作为经济的载体，作为意识形态的载体，已成为一个国家、机构或企业发展自己的有力手段。世界上规模最大、效益最佳的国际集团公司都提出“设计治厂”的口号，将设计视为提高经济效益和企业形象的根本战略和有效途径。

59、＊＊ 什么是商品的附加价值？

是指企业得到劳动者协作而创造出来的新价值。它由销售金额中扣除了原料费、劳动力费、设备折旧费等后的剩余费用及人工费、利息、税金和利润等组成。附加价值问题我们在生活中时常遇到，同一商品，名牌的价格与非名牌相去甚远，一块“上海”牌手表与瑞士劳力士表的价格天悬地殊。包装的差别也造成价格的悬殊。国产的一些商品到了国外贴上名牌商标或换上包装便身价倍增等现象，都是附加价值的作用。 60、＊＊ 商品的附加价值还有哪些内容？

商品的价值有多种，例如一种新设计包装的香水少量上市时，它除了使用价值以外，还具有“稀有价值”，此外还有“心理价值”、“设计价值”、“信息价值”、“艺术价值”等。因此，高附加价值不仅仅是从机能方面考虑，还必须将功能(Function)、材料(Material)与感性(Sensitivity)三者统一考虑才行。一般来说，F．M．S．值越高则附加价值越高。 61、＊＊ 设计的价值意义还表现在哪些方面？ 表现在设计的价值工程上。价值工程寻求的是功能与成本之间最佳的对应配比，以尽可能小的代价取得尽可能大的经济效益与社会效益。提高设计对象的价值，正是价值工程的根本任务和目的，可以说价值工程是一种设计方法。设计的价值工程寻找出最佳资源配置，如俗话所说的“好钢用在刀刃上”。例如高级宾馆的设计，它的大堂、国际会议厅、总经理办公室等，一定是用最上等的建筑材料和装饰材料；而一般职员的工作室、内部图书室等，建筑师则会考虑相应次级的选料。

62、＊＊ 设计在生产环节中的重要地位指的什么？ 设计是生产的组成部分。工厂要开发新产品，第一步就是设计新产品，经过调查测试、艺术想象、局部技术更新、经济核算、生产试验、市场试销等，然后才进入批量生产。工厂要改良旧产品，首先需要设计。工具、设备、机械生产的第一步也是设计。此外，生

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产厂房的建设第一步仍是设计。做好这第一步，便为后面打下了基础，否则会影响后来的生产，如果中途再纠正、弥补，那就很被动，损失也就太大了。 63、为什么说设计要为企业的生存与发展服好务？ 设计在企业中，设计首先为工厂建设服务；其次为产品的改良和创新服务；第三为提高生产效率与效益服务。具体来说包括：充分发挥生产人员、技术、设备、管理的优势，避免或弥补这些方面的不足；合理地使用质优价廉、能优化产品质量的原材料；在明确目标市场，战胜竞争对手与控制生产成本，提高产品附加值等基础上改进与完善产品设计，为企业的生存与发展服务。

64、为什么设计师要向生产人员学习？

对于为生产设计的设计师而言，从学生时代就要开始接触各种工艺，如木工工艺、金属工艺、塑料工艺、印刷工艺，以及材料学、价值工程学、生产管理、经济核算等课题。且由于生产的门类纷纭复杂，生产的技术日新月异，生产管理也面临层出不穷的难题，因此设计师终身都有需要学习的新课题。于是向企业家、工程师、经济师和一般工人学习，就成为设计师的日常工作需要。

65、为什么设计要得到生产环节的全力支持？

在设计的启动阶段，要把新的科学技术成果变成可以生产的产品，或者把优秀设计成果变成产品的竞争力或附加值，这就需要人力、物力与时间的投入。这是创造的投入，也是风险投资。充分的支持可望得到丰硕的成果。在设计审定阶段，需要企业家、设计师、工程师以及经济师、营销专家、生产主管、社会行政主管等共同参与及协作，从各个方面的研究对设计方案予以客观的、科学的评价。在设计的实施阶段，即大批量的生产阶段，更是所有部门通力协作的投入。 66、＊＊ 为什么设计是最有效的推动消费的方法？ 它触发了消费的动机。我们对超市都有一个共同经验，本来进超市只准备买几件物品，结果却推着满满一车东西走出来，远远超过购物单上所列出的。超市里琳琅满目的商品从包装到货柜陈列到营销方式，都是为扩大销售而设计的。进入超市的人往往有种身不由己的感觉，不断地“发现”自己的需要，不知不觉中消费起预算以外的商品。

67、＊ 设计怎样能够唤起隐性的消费欲，使之成为显性？

设计发掘了消费需要，并制造出消费需要。当代广告语言学认为，我们身上根本就不存在一种所谓“自然的”和“生理的”需要，任何需要都是外在事物创造出来的，因而它是社会性的。实际上，人类物质消费

本质上是一种精神消费和文化消费。

68、＊ 广告在人们生活中起着怎样的能动的构造作用？

广告不仅刺激和创造了人的消费需要，而且广告和消费在某种意义上确定了人的身分，确定了人本身。人赖以确定自我的方式就是在与外在事物的求同，因此实际上这些外在事物规定了我们的性质。西方社会中一个常见的现象就是人是以其消费对象来划分等级的，而人又是被广告创造出消费欲望的。对社会的深层心理分析我们默察到，设计创造消费的能力不仅源于企业对经济效益的追求，而且深深地根植于社会心理同构之中。

69、＊ 黄河流域有代表性的陶器文化有哪些？

有黄河中游的仰韶文化、黄河上游的马家窑文化、黄河下游的龙山文化。

仰韶文化（7000—5000年）有半坡类型、庙底沟类型、石岭下类型；

马家窑文化（5000—4000年）有马家窑类型、马厂类型、半山类型；

龙山文化（4000年）的代表黑陶工艺，其特点是黑、薄、光、亮，有“蛋皮陶”之称。

70、陶器作为日常生活的日用器皿，在功能方面可分为哪些类型和不同用途？

最为常见是汲水器、储藏器、饮食器和炊煮器等。专用的汲水器有小口尖底瓶和背水壶；储藏器有壶、罐、瓶、瓮等；炊食器有盆、碗、杯等；饮煮器有鼎、釜、鬲等。所有这些不同品种的器物，在造型设计上都有一个共同的特点：即在最大限度内为适应生活中的不同需要而设计制作。

71、＊ 陶器的装饰形式有哪些？

为了美化器物，还创造了多种不同的装饰设计手法，如拍印、刻画、堆贴、镂孔、彩绘等。 72、＊ 彩陶是如何绘制的？

彩绘是我国新石器时代制陶工艺中最为成功的一种装饰设计手法。所谓彩绘，一般是在打磨光滑的橙红色陶坯上，以天然的矿物为彩料进行描绘，经过彩绘的陶胎入窑烧制，在橙红色的胎地上呈现出赭红、黑、白诸色的美丽图案。 73、彩陶的装饰图案有哪些？

陶器装饰图案，除了较为写实的动植物纹样外，最普遍的还是几何形图案，主要由线的粗细、疏密、长短、横竖、曲折、交叉和各种圆点、圈点等相互有规则的排列组成，如正三角、倒三角、方格纹、网纹、旋纹、锯齿纹、圆圈纹等。这些几何纹样通常又按二方连续、四方连续和适合纹样等各种不同的构成方法

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进行图案构成。

74、＊ 在彩陶图案中已体现了美的形式法则，其具体表现有哪些？

通过对彩陶器和黑陶器的造型与装饰图案的设计创造，极大地丰富了诸如节奏、韵律、对称、呼应、均齐、平衡、对比、调和、比例、权衡等美的形式法则，对后世设计产生了深远的影响。

75、＊ 青铜器的制造工艺在发展过程中有什么变化？

青铜器的铸造，最早是浑铸法，即器体、耳、足等附件均一次铸成，造型单纯质朴，变化不多。以后是分铸法，即器体单铸，耳、足等附件另铸，再与器体嵌铸成一体并加以焊接，造型更加丰富。春秋战国以后，出现了焊接术、刻模印花、细线刻纹，以及镶嵌红铜丝等新技术。其中最伟大的发明是失蜡法，也称蜡模法。它是用蜡代替泥土来制造模型，然后在模型内外敷泥，成为泥范，再焙为陶范，最后再浇人铜熔液进行铸造，蜡则熔化流失。蜡模比起泥模，可以进一步精雕细刻，所以用失蜡法制造的铜器，层次丰富，精巧细致，具有特殊的立体装饰效果。 76、＊ 中国早期建筑有哪些特点？

夯土技术萌芽于新石器时代，至商朝时已经很成熟。商代后期驱使大量奴隶为奴隶主建造大型的宫室、宗庙和陵墓(图49)，说明当时已能建造规模较大的木构架建筑。原来简单的木构架，经过商周以来不断地改进，逐步发展成为中国古代建筑的主要结构方式，同时还出现了前所未有的院落群体组合。西周时期设计发明了瓦，春秋时期出现了质地坚硬的砖，从而结束了建筑“茅茨土阶”的简陋状态。 77、＊ 建筑彩绘、雕刻等装饰手法应用于什么时代？ 春秋时期的建筑已采用了彩绘、雕刻等装饰手法，建筑设计已开始从纯实用逐渐转向兼有审美装饰的追求。春秋战国时期的统治者营建了许多以宫室为中心的大小城市，宫室多建在高大的夯土台上，瓦屋彩绘，装饰华丽。

78、＊ 中国古代建筑史上的第一个高潮是什么时期？有哪些建树？

秦汉时期是我国古代建筑史上的第一个高潮。 秦始皇建立了第一个中央集权的封建帝国，兴起了规模空前的建筑活动，例如筑长城、修驰道、开灵渠、建阿房宫和骊山陵等，至今尚存有秦始皇陵、咸阳宫和阿房宫等重要遗址。

汉代的统治者进一步营建大规模的宫殿、苑囿和陵墓。宫殿有长乐、未央，苑囿有乐游、宜春等。当时的汉都长安城面积大约是公元4世纪时罗马城面积

的二倍半。

79、＊ 汉代建筑的主要特色有哪些？

中国建筑设计从出土的汉画像石、画像砖和陶屋明器来看，当时的木结构技术已渐趋成熟，后世常见的抬梁式和穿斗式两种主要木结构已经形成，并且能够建造多层木建筑，斗拱已普遍使用，屋顶出现了庑殿、悬山、折线式歇山、攒尖、囤顶等多种形式，主要建筑材料砖、瓦，已能大量生产。砖石结构技术也成长起来，拱券技术有了较大的进步。

80、＊ 佛教文化在哪个时期、在建筑方面有什么发展？

魏晋南北朝时期，由于佛教的传入和统治者的大力提倡，大批佛寺、佛塔、石窟等佛教建筑被兴建起来，南北朝时期达到了极盛。据记载，南朝都城建康有佛寺500多所，北魏都城洛阳有1 000多所。与此同时，石窟、佛塔也在全国各地兴起。北魏建都平城(山西大同)时，开凿了云冈石窟，迁都洛阳后又开凿了龙门石窟。此外还有规模巨大的敦煌石窟、天龙山石窟、麦积山石窟等。

81、＊＊ 中国古代建筑史上的成熟期是什么时期？ 隋唐时期是中国古代建筑设计的成熟时期。隋代已经采用图纸和模型相结合的建筑设计方法。工匠李春设计修建的赵州桥是世界上最早的敞肩券大石桥，迄今1 300多年还基本完好，反映了当时桥梁建筑设计的高度水平。

这一时期成就最突出的是城市与宫殿的设计。唐都长安是在隋代规划兴建的大兴城的基础上扩建而成的，规划严整，分区明确，街道整齐，是当时世界上最宏大繁荣的城市(图53)。唐代的宫殿建筑气势雄伟、富丽堂皇。长安大明宫的遗址范围相当于北京故宫面积的三倍多，大明宫中的麟德殿面积约是故宫太和殿的三倍(图54)。

82、佛教文化与中国建筑文化相融合，在装饰有哪些特色？

著名的开封佑国寺塔是仿木楼阁式砖塔，造型高耸挺秀，塔身采用28种琉璃砖砌造，雕刻有飞天、麒麟、菩萨、力士、狮子等50多种纹样，雕工精细，整塔宛如一件大型琉璃工艺品。河北定县开元寺瞭敌塔高达84米，相当于一座20层的高楼，是现存我国古代最高的建筑物。这一时期建筑的装修和色彩设计有了较大的发展。格子门窗改进了采光条件，增加了装饰效果。各种色彩花纹的彩画和琉璃瓦，使建筑外观显得格外豪华绮丽。

83、＊ 中国古代著名的建筑数目《营造法式》出现在什么时期？有什么意义？

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12世纪初由北宋李诫编著、政府颁布的《营造法式》，全面总结了隋唐以来的建筑经验，对建筑的设计、规范、工程技术和生产管理都有系统的论述，是我国和世界建筑史上的珍贵文献。

84、＊ 元代继承了宋金建筑风格，增加了域外的什么文化的建筑风格？

元朝疆域广大，对外交流频繁，加上蒙元统治者迷信宗教，宗教建筑异常兴盛，外来建筑风格随之传人了内地。尤其是元朝大力提倡的喇嘛教建筑，不仅在西藏大有发展，内地也有出现，现存的北京妙应寺白塔属喇嘛塔，是由尼泊尔的工匠阿尼哥设计的。在大都、新疆、云南及东南地区的一些城市，还陆续兴建了西亚风格的伊斯兰教礼拜寺。 85、＊ 明清最大的古建筑群有哪些？

北京故宫是明清两代不断营造的结果，是现存最大的古建筑群。规模宏伟，布局严整，主次分明，体现着王权至高无上的设计思想。坛庙是祭礼天地、祖先的场所，包括坛、庙、祠等建筑。 86、＊＊ 中国古代建筑有什么特色？

⑴在外观设计上。中国古代建筑由屋顶、屋身和台基组成。屋顶的特征最明显，主要有硬山、悬山、庑殿、歇山、攒尖、卷棚和单坡等多种类型。设计师充分运用木构的特点，创造了屋顶举折和屋面起翘、出翘，形成了鸟翼伸展般的檐角和屋顶各部分柔和优美的曲线。屋身部分是建筑的主体，正面一般很少做墙壁，多数为花格木门窗。台基除了普通的石台基外，重要建筑上多用有雕刻装饰的须弥座，并配以栏杆、台阶，有的做到两三层，使建筑物愈显雄伟、壮观。 ⑵在结构设计上。中国古代建筑以木构架为主要结构方式，常用的有抬梁式和穿斗式两种。它们以立柱和横梁组成骨架，建筑的全部重量都通过柱子传到地下，由于墙不承重，故能做到“墙倒屋不塌”。在建筑的室内空间组织上，可在柱与柱之间砌墙、装门墙，一般四个柱子构成一间，一栋房子由几个间组成。也可用各种形式的罩、屏风、槅扇等轻便隔断物，可以移动，装拆方便，非常灵活。斗拱是我国古代建筑特有的构件，位于柱子承接屋顶的部分，由若干方木与横木垒叠而成，用以支撑伸出的屋檐，并将其重量转移到柱子上。唐宋时期斗棋主要作为结构构件，到明清时演变为以装饰构件为主。

⑶在布局设计上。中国古代建筑有一种简明的组织规律，就是以“间”为单位构成单座建筑，再以单座建筑组成“庭院”，进而以庭院为单位，组成各种形式的组合。庭院以院子为中心，四周建筑物面向院子，并在这一方向设置门窗，北京四合院是典型的例子。

由若干庭院组成的建筑群，一般都有显著的中轴线，在中轴线上布置主要建筑，两侧次要建筑呈对称布置，以廊子联接各建筑个体，并以围墙围绕四周，通常建筑组群的前部分还有门、阙、牌坊、照壁等附属建筑构成建筑组群的序幕，以导向和衬托主体建筑。北京故宫、明十三陵等都是采用这种布局设计的典范。 ⑷在装饰和色彩设计上。在装饰设计上，主要集中在梁枋、斗棋和檩椽部分，综合运用了各种美术工艺及雕刻、绘画、书法等艺术加工手法。所谓“雕梁画栋”，就是形容这一装饰特色。还有如额枋上的牌匾、柱上的楹联、门窗上的棂格等，都是富有民族特色的建筑装饰形式。

在色彩设计上，运用对比强烈的原色设计，也是中国古代建筑显著的特征之一。建筑各部分轮廓鲜明，色调各异：白色的台基，朱红色的屋身，黄色或绿色发亮的琉璃瓦屋顶，檐下施以蓝绿色略加点金作彩画，建筑物的整体色调强烈而协调，显得格外富丽堂皇。一般住宅的色彩设计，受封建等级制度的限制，多用青灰色的砖墙瓦顶，或用粉墙瓦檐、木柱，梁枋门窗等多用黑色、褐色或木面本色，形成素雅的格调。 87、＊ 中国古代园林设计的思想是什么？

中国古代园林设计受儒道两家“天人合一”思想的影响，中国人自古崇尚自然，热爱自然中的山山水水、一草一木。这种人与自然谐和统一的思想，在中国绘画史上，表现为描绘自然山水景色的山水画，而在设计史上，则表现为集居住休息和游览欣赏双重目的为一体，因地制宜，掘池造山，布置建筑、花、木，并利用自然环境，组织借景，构成富于自然情趣的、具有中国独特风格的自然风景式园林设计。

88、中国的园林设计的发展在每个历史时期有什么特点？

⑴中国的园林设计最早可追溯到公元前16世纪时的商朝。在甲骨刻辞中，出现有“囿”字，表明苑囿的出现不晚于商代。《史记》载商纣王曾“益广沙丘苑台，多取野兽飞鸟置其中。” 周文王时兴建有著名的“灵囿”，《诗经》中有描绘各种珍禽异兽在灵囿中见人不惊、安然游栖的诗句。 ⑵春秋战国时期，各诸候国统治者都竞相兴建苑囿。

⑶秦汉时期，秦始皇在咸阳渭水南圈地建上林苑，规模惊人，苑中建有阿房宫等许多离宫别馆，又在咸阳“作长池，引渭水，筑土为蓬莱山。”

汉武帝时修复了秦上林苑，延其广长150公里，除了狩猎设施，还建有离宫70所，以及其他各种游玩赏乐设施，上林苑堪称秦汉时期园林设计的杰出范例。

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建于长安西郊的建章宫，宫内有太液池，池内起蓬莱、方丈、瀛洲三岛，这种一池三岛的做法对后世的园林设计有着深远的影响。西汉时期，少数贵族、官僚和富商仿效皇室，营建苑囿。由此出现了最早的私家园林，规模也不小，设计追求对自然山水的形似。 ⑷魏晋南北朝时期，战乱频仍，社会动荡。人们向往自由，崇尚出世，文学和艺术产生了意义深刻的变化，山水诗、山水画相继出现，园林设计也受其影响。当时的士大夫阶级向往自然，寄情田园山水，致使私家园林设计形成追求自然野逸的风气。园林规模缩小，发展了“小中见大”的构思，注重于对真山真水的仿神写意，力求在园林中注入高雅的意境。园林设计因此发生了质的变化，对自然美的欣赏代替畋猎宴游，成为园林设计的主要目的。私家园林的这一趋势，还在一定程度上促使了规模巨大、建筑和装饰过多的皇家园林在风格上的转变。魏晋南北朝继承汉代在池中筑岛的作法，又沿着池岸布置假山、花木和各种建筑。自此以后，以水池为中心处理园景成为园林设计的一贯方法。可以说，魏晋南北朝是中国园林设计的转折时期，也是山水园林的奠基时期。

⑸唐宋时期，中国文学和艺术达到了前所未有的高峰，受诗歌和绘画的影响更大，不少既是官僚，又兼文人、画家的人自建园林或参与园林设计工作，将他们的思想情感和文学绘画所描绘的意境渗透于园林的布置造景中，“诗情画意”也逐渐成为中国园林设计的主导思想。这一时期，造园设计活动得到全面的发展和普及，除了皇家园林，豪臣名士也各筑私园，宋代更普及到地方城市和一般士庶。著名皇家园林有隋洛阳西苑，唐长安芙蓉苑，北宋东京艮岳，南宋临安御苑等。著名私家园林有王维的辋川别业，白居易的庐山草堂，李德裕的洛阳平泉庄等。大型风景建筑的建造和修复也颇为兴盛，以滕王阁、黄鹤楼和岳阳楼最为有名。 ⑹明清两代是中国古代园林设计的顶峰时期。

明代在元大都太液池的基础上建成西苑(今北京北、中海)，并扩大西苑水面，增南海。

清代康熙、乾隆年间，曾掀起皇家园林设计建设的高潮，在北京筑有“三山五园”，即万寿山清漪园(后改名颐和园)，玉泉山静明园，香山静宜园以及圆明园(包括圆明、长春、万春三园)，在河北承德建有避暑山庄。现存仅避暑山庄和重修后的清漪园较为完整，其余大部分毁于1860年英法联军和1908年八国联军的侵略者之手。

明清私家园林主要集中在江南苏州、南京、扬州和杭州一带，尤以苏州为盛，广州地区则有独具岭南风格的园林。著名的明清私家园林主要有苏州拙政园、

留园、网师园和怡园，无锡寄畅园和上海豫园等。这一时期还出现了专门从事园林设计的设计家。其中明末清初的计成在总结实践经验的基础上著成《园冶》一书。这是我国古代最系统的园林设计论著，在设计史和美学史上都有极其宝贵的价值。

89、＊ 中国古代的园林设计有什么共通的特点？ 第一，中国园林设计注重自然美。中国园林以山、水、植物和建筑作为基本的设计因素，这些因素的设计构成只有“因借”(因地制宜、借景)之法而无固定程式，即有法无式，布局自然、随机变化。所有园林虽大都人工造成，但却力图摆脱人工雕琢的痕迹，使之恍若天成，造成“虽为人作，宛自天开”的境界。建筑也是园林重要的组成部分，但园林中的建筑不追求过于人工化的规整格局，而是根据不同的山水之景设计出亭、榭、廊、桥、舫、厅、堂、楼、阁等，与山水自然融合，与整个园林谐调。

第二，中国园林十分强调曲折多变。无论皇家园林还是私家园林，都追求“以有限面积造无限空间”，因而在设计布局上常常划分若干景区，各景区的面积大小和配合方式力求疏密相间，主次分明，幽曲和开朗相结合。各景区的设计，有的以封闭为主，有的用封闭和空间流通相结合的手法，使山、池、建筑和花木的部署有开有合，互相穿插，以增加各景区的联系和风景的层次。同时，山、池、建筑的形状和花木品种的配置亦尽量做到多样化，使人们从这一景区转入另一景区时，有步移景异、变化无穷的感觉。而且，这种园林风景设计上的复杂多变，同时达到了“体宜”(得体)的效果，而无丝毫杂乱无章之感。

第三，中国园林设计崇尚意境。设计不止满足于对自然美景的仿造，更追求诗情画意境界的创造，借以寄托游园者的思想情怀。例如一池三岛，寄托了对于海外仙山的幻想；朱柱碧瓦，显示了帝皇之家的富贵；暗香盈袖，月色满园，表达了对于安宁闲适生活的向往；岸芷汀花，纤桥野亭，体现了远离尘世喧嚣的追求等。园林意境的创造，主要依靠设计者对园林的整体和局部、宏观和微观的精心设计、巧妙安排，因而设计者的素质修养成为关键的因素。同时还可借助联想寓意、匾联点题等手法，使主题明朗，意境深化。 90、＊ 中国最早的家具有哪些？

传说神农氏设计发明了最早的床、席，有虞氏发明了最早的桌——梡俎。古代家具主要以竹、木为材料，由于竹木易于毁坏和腐烂，因此，迄今出土的古代家具甚少。商周的青铜器中有不少雕饰精美的俎、禁之类的家具。另外从象形的甲骨文字推测，床、几、案类的家具在周代已经广为应用。自商、周至三国时

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期，跪坐是人们主要的起居方式，因而相应形成了矮型的家具设计，席与床(又称榻)是当时室内陈设的最主要因素。

91、中国家具从汉代开始有了较快的发展？

汉朝时期，床、几、案、衣架等家具都还很低矮，屏风多置于床上。至东汉末期，高形可折叠的胡床(宋以后称交椅或太师椅)自西域传入中原。自此以后，垂足而坐的习惯逐渐增加。南北朝时胡床逐渐普及民间，并且出现了其它各种形式的高坐具，如扶手椅、圆凳、方凳等。床、榻亦已增高加大，有的上部还设床顶，四周围置可拆卸的矮屏，下部多以壶门装饰。床上除了有供倚靠的长几和半圆形凭几(又称曲几)以外，还出现了作为倚躺埋腰之用的隐囊。

隋唐时期，垂足而坐与席地而坐的习惯同时存在，出现了高矮型家具并用的局面，这一时期的高型家具有各类桌、案、凳、椅和床。后世所用家具类型已基本具备。家具的造型简洁实用，朴素大方，结构趋于合理的简化，嵌钿及各种装饰工艺被进一步运用到家具上。高型家具经五代至宋代已日趋定型化，并且衍化出了高几、琴桌和床上小炕桌等新的家具式样。 宋代家具的结构与造型得到了很大的改进，仿古建筑的梁柱式框架结构代替了隋唐流行的箱式壶门结构，装饰线脚大量出现，加上牙条等装饰附件的应用，家具腿部线条与断面的多样化处理，使宋代家具的外观造型颇为美观，风格清秀而不繁琐，朴素而不粗陋，实用功能和外观形式达到了高度的统一，为明清家具的发展奠定了良好的基础。

92、明代是家具设计的辉煌时期？

由于宫殿、民居、园林等建筑的大量兴建，作为主要室内陈设品的家具的需求也相应大增。当时的木工工具也得到了很大的改进，种类繁多，加工便利，而且木工技术已发展到很高的水平，出现了诸如《鲁班经》、《髹饰录》、《遵生八笺》、《三才图绘》等有关木作工程技术的著作。这些因素都推动了明代家具设计不断发展并达到了历史的顶峰。明代家具种类繁多，用材考究，设计巧妙，制作精美，形成别具一格的设计特色，被称为“明式家具”。明式家具的种类主要有椅凳、几案、橱柜、床榻、台桌、屏座六大类。不同的建筑空间配置不同的家具，一般厅堂、卧室、书斋等都相应有几种常用的家具配置，并且还出现了成套家具的设计。

93、＊＊ 明式家具设计有哪些艺术特色？

明式家具采用的材料有紫檀、红木、花梨木、鸡翅木、楠木、铁梨木、瘿木、乌木、黄杨木、椐木等优质硬木。

明式家具的设计特色：

一是注重结构美。不用胶和钉，主要用榫卯结构，不同的部位采用不同的榫卯。

二是注重材质美。充分利用材料本身的色泽和纹理，不加遮饰，色泽深沉雅致，木纹自然优美，质感坚致细腻。

三是注重造型美。造型浑厚冼练，稳重大方，比例适度，线条流利。

四是注重装饰美。装饰简洁，不事繁琐雕琢，装饰线脚简练细致，朴实无华。

加上制作非常精工，一线一面、曲直转折均一丝不苛，严谨准确，致使明式家具显得格外隽永古雅、优美舒适、纯朴大方，实现了形式与功能的完美统一，被誉为我国家具设计史上的顶峰杰作。 94、＊＊ 清代家具有什么特点？

清代家具在结构和造型设计上基本继承了明式家具的传统，体量显得更加庞大厚重，出现了组合柜、可折叠与拆装桌椅等新式家具。而在装饰设计上，宫庭与达官显贵使用的家具为了追求富丽堂皇、华贵气派的效果，滥用雕镂、镶嵌、彩绘、剔犀、堆漆等多种手法，以及象牙、玉石、陶瓷、螺钿等多种材料，对家具进行不厌其烦的装饰，往往只重技巧，忽略效果，繁琐堆砌，以致破坏了家具的整体美感，背离了家具设计简练实用的原则。但在广大民间，家具仍以实用、经济为主，很少有此种弊病。清式家具以苏作、广作和京作为代表，被称为清代家具三大名作，造型与装饰设计各具地方特色，并且一直保持到现在。 95、＊ 陶器与瓷器有什么区别？

瓷器和陶器的主要区别：一是胎质不同，陶器用粘土，烧成较粗松；瓷器用瓷土，烧成很坚致。二是用釉不同，陶器大半无釉，或用釉粗陋；瓷器一定有釉，而且釉料越来越精致。三是火候不同，陶器较低，约800°C左右；瓷器较高，约1 200°C左右。 96、＊ 中国于什么时期进入瓷器世代？

考古发现表明，这种瓷器远在殷商时代已经出现，至汉代渐趋成熟。原始瓷器施有釉料，釉色青黄，故称“原始青瓷”。到了六朝，青瓷已完全成熟，取代了铜器和漆器的地位，成为人们日常生活器皿的主要品种，中国由此进入了瓷器的时代。 97、＊ “唐三彩”有什么特点？

唐代最具特色的陶瓷器还数被称为“唐三彩”的三彩釉陶器。它主要采用黄、绿、白三色釉料，利用铅釉易于流动的特点，造成淋漓变化、绚丽华滋的效果。 98、＊＊ 宋代瓷窑有什么特色？ 北方青瓷以汝窑、官窑、钧窑、耀州窑和龙泉窑(哥窑、

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弟窑)成就最高。河南的汝窑重色效果，以淡天青为主

调，色感清逸、高雅，号称宋代五大名窑(汝、官、哥、钧、定)之冠。同是河南的钧窑釉色青中带红，呈乳浊现象，称“窑变”，烧成时偶现海棠红和玫瑰紫斑的变幻效果，风格妍丽。陕西的耀州窑釉色呈橄榄般黄绿，主要用刻花、剔花的装饰手法，有浅浮雕效果，所饰植物纹样枝健叶茂、浑厚饱满，颇具唐风余韵。 南方浙江的哥窑釉色呈粉青或米色两种，釉面布满冬天江河冰裂般的开片，别具一种自然、古朴的意趣。龙泉窑(弟窑)属南方青瓷体系，胎薄釉厚，器皿转折处釉薄露出胚色，称为“出筋”，釉色呈翠青或粉青，晶莹清澈，润如碧玉。宋代的白瓷已有了南北的区别，北方河北的定窑白瓷釉色白中泛黄，色感暖和，釉薄透胎。南方江西景德镇窑白瓷白中泛青，明澈温润，色质如玉，称影青瓷。两窑均以刻花、印花装饰为主。河北磁州窑的白瓷白色微黄，装饰方法独特，结合中国画的技法，以毛笔在瓷胚上绘画，内容多人物、山水、花鸟。烧成的白地黑花瓷，风格淳朴清新，逗人喜爱。另一极富民间特色的江西吉州窑黑釉瓷，独创木叶贴花和剪纸贴花的装饰手法，形成真切自然，形简趣浓的独特风格。

99、＊ 元代陶瓷有什么特色？

元代陶瓷突出成就，是烧成了青花和釉里红瓷器青花属釉下彩绘，多为白地蓝花，色调清新明丽，风格淳朴雅致，釉里红是继青花以后，景德镇瓷匠创造的姐妹品种。烧成后形成红色花纹，有如凝脂般的华丽效果。在造型设计上，元瓷一般形大、胎厚、雄浑体重。同时元瓷也创造了一些新的样式，如方棱瓶、四系扁壶、僧帽壶、菱花口折沿大盘等，造型向多棱角发展。在装饰设计上，民窑中屡见表现清高不屈的松竹梅三友图，而官窑中则流行喇嘛教艺术的八宝、西番莲、海马和大云头等纹饰。

100、＊ 明代陶瓷有什么特色？

明瓷的成就，突出表现在青花瓷、五彩和单色釉方面。青花瓷是主要的产瓷品种，以宣德年间所产最佳。这时期采用南洋进口的“苏勃泥青”青花原料，色泽浓艳，色深处有黑疵斑痕，以后各代青花都无此特点。成化年间创制了青花和釉上多种彩色相结合的斗彩。嘉靖、万历年间又在斗彩的基础上烧成了五彩瓷。单色釉方面，烧成了甜白、红釉、绿釉、娇黄等丰富品种。尤其是永乐年间烧成的温润纯白的甜白釉，釉白如雪，为明清彩瓷的发展创造了更为有利的条件。 101、＊ 清代陶瓷有什么特色？

清瓷中的青花瓷色泽更加鲜艳，层次更加丰富。彩绘与单色釉也成就卓著。康熙朝盛行的“古彩”，即五

彩瓷，多以单色平涂，色彩浓艳，对比强烈，又称“硬彩”。到雍正朝时，五彩逐渐被线条柔婉、色彩淡雅的“粉彩”所取代。粉彩始于康熙，又称“软彩”，而以雍正时制作最精。康熙朝还创造了极为名贵的珐琅彩瓷器，后人称“古月轩”。珐琅彩初用西洋原料，后用国产料，画面具有立体感，工巧精细，富丽堂皇，以乾隆朝制作最为有名。清瓷的色釉也愈加丰富多彩，主要有郎窑红、豇豆红、霁红、仿钧、胭脂水、酒蓝、霁蓝和油绿等。

102、＊ 汉朝以来的的纺织品生产发展如何？

⑴汉代的纺织品生产有官府手工业、独立手工业和农村副业三种生产方式。纺织品种增多，在提花织物方面，已经广泛应用经线起花，能够织出精美而富于变化的花纹图案。汉代丝织品的花纹设计，主要有云气纹、动物纹、花卉纹、几何纹和吉祥文字，其中以云气纹和吉祥文字最具特色。起伏缭绕的云气纹是利用传统的动物纹样进一步抽象设计而来，吉祥文字是用含有吉祥意义的文字作为丝织品的装饰，或作为图案填空，使画面更加完美，富有意义。三国时魏国的马钧改进了当时的织绫机，降低了劳力，提高了效率，能织出各种各样美丽的花纹。大大提高了丝织品的生产能力和织花能力。汉代的章服制度更趋完善，当时普遍流行丝绸服装，风格华丽，佩饰丰富。男装以深衣改成的袍为时尚，女装以深衣和上衣下裳的襦裙为主。

⑵六朝是个战乱频仍、民族融合的时代。这一时期的丝织品以四川生产的蜀锦最为著名。丝织品的纹样设计改变了汉代云气纹起伏不平的格式，形成有规则的波状构图，纹饰更趋样式化，并且出现了莲花、忍冬等植物纹样。六朝是中国装饰纹样设计由动物纹为主向植物纹为主的过渡时期。六朝推崇玄学，男子服装流行窄衣大袖的长衫，尤以文人雅士为盛，风格疏放。女装将下摆裁成三角，层层相叠，围裳中伸出长飘带，风格飘逸。

⑶唐代以唐锦最为出色。唐锦是以纬线起花，称“纬锦”，区别于汉魏六朝以经线起花的“经锦”。纬线起花能织出更加复杂的装饰花纹和华丽的色彩效果。唐锦的花纹设计以联珠纹最具代表性，它是在一个圆形适合图案的周围，缀满联接的小圆珠，取名联珠纹。另外有对禽对兽的对称纹，又称“陵阳公样”，也很有特色，其他还有团窠纹、散花、晕纲等多种纹饰。唐与五代的男子服饰盛行圆领窄袖袍衫和幞头帽。而隋唐五代的女装则是新颖奇丽的冠服妆饰，异彩纷呈，令人目不暇接。唐初女子衫裙窄小，中唐渐宽，至晚唐更加肥大。除了短襦半臂或大袖纱罗衫加长裙和披

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帛的服饰外，还流行袒胸露肩的大袖衫裙，它的裙腰高至胸部，以大带系结，面料是纱罗制品，长裙长可拖地，恰到好处地衬托出女性的婀娜之美，当时女着男装和胡服也是一大时尚。唐代妇女对化妆亦相当关注，施粉、涂脂、画眉、髻式，莫不讲究。

⑷宋代丝织业较唐代更为发达。织锦有新的特色，称宋锦。纹样设计多采用小朵花、规矩纹，有变化多样的八达晕、龟背纹、锁子纹、万字流水等，构图规则，色调典雅。其中成就最为突出的是缂丝，缂丝又称刻丝、克丝、兢丝等，它所用的“通经断纬”法，可以织出非常逼真的绘画或书法效果，表现出“书画织物化或织物书画化”的特征。宋代刺绣也出现了摹仿书画的绣品，针法精细，色彩典雅，发展成为后来的画绣。宋代理学泛滥，强调封建伦理纲常，封建道德禁锢人们思想，服饰也渐趋保守，男子常服兴大袖圆领襕衫，女装以直领对襟窄袖的褙子最具特色，风格清秀大方。此外，相传始于南唐李煜时期、由宋朝开始流行的女子缠足习俗，使女鞋设计形小而尖，对缠足习俗起了推波助澜的作用。

⑸元代的丝织、毛织、棉织都有一定的发展，因蒙古人尚金，丝织品中以一种名叫“纳石失”的夹金织物最具特色，称织金。又因蒙古人游牧民族生活的需要，毛织得到特殊的发展，多用来作为鞋帽、地毯、床褥和马鞍等。棉织是元代发展起来的新工艺，棉纺织家黄道婆作出了重大的贡献。自此以后棉纺织业发展迅速，及至明清，棉布逐渐代替丝麻织物，成为人们服装的主要面料。元代服饰是汉蒙混合时期，蒙服的特点是窄袖开叉，便于乘骑，男戴瓦楞帽，女戴顾姑冠。元代服饰等级制度独具特色，服用面广的“质孙服”，汉称“一色衣”，其面料、颜色、花纹以至装饰的粗细，均因身分不同而不同。“以衣取人”在元代是名副其实的。

⑹明代织锦称明锦，主要品种有库缎、织金银和妆花三类。明锦图案设计有团花、折枝、缠枝、几何纹等，其中缠枝为明锦代表特色，花纹设计有云龙凤鹤、花草鸟蝶、吉祥锦纹等。造型质朴，有程式化的装饰美感。明代刺绣以上海露香园顾氏一家的“顾绣”最为有名。顾绣以画绣为主，所绣古今名画，结合刺绣特色，富有装饰效果。明代服饰恢复汉制，官服的级别制度严格。“补子”是明代的发明，即在官服中加缀图案设计以示品级区别。文官绣禽，武官绣兽，连服色、花纹也因官品不同而各自相异。男子官服为盘领袍，戴乌纱帽，常服以斜领大襟宽袖衫为主，女装多承袭唐宋，以无袖对襟、修长的比甲最具特色。 ⑺清代的丝织、刺绣、印染均非常发达。丝织有南京

的云锦、苏杭的宋锦和四川的蜀锦为最佳(图90)。清代丝织品纹样的设计风格，大体分早、中、晚三个阶段。早期继承明代传统，多用小花矩架，严谨规矩；中期纹饰繁缛、华丽纤细；晚期多用大枝花、大朵花，粗放淳朴。清代刺绣形成苏绣、粤绣、蜀绣、湘绣、京绣等地方体系，设计风格各具地方特色。还有许多民间纺织品设计，都是著名的产品，如苏州缂丝，福建的漳绒，北京的地毯，西藏的氆氇，新疆的印经，贵州的蜡染，广西的壮锦，浙江嘉兴、湖北天安、湖南常德、江苏苏州的蓝印花布，河北高阳的彩花布等。蓝印花布的装饰图案设计，除了常见题材以外，还有五点梅、格四季、落地梅、四季花、满天星、什锦等特色图案，花纹也多用点和短线组成，装饰效果别具一格。

⑻清代男子被强制穿用满族服饰，官服为马褂长袍，袍用马蹄袖，戴暖帽或凉帽，造型严谨而繁琐，呈筒状封闭式样，风格肃穆庄重。女子服装汉满各异，后来互相影响，形成清朝特色。女装风格华贵繁缛，时兴在服装边缘镶滚绣彩，饰物竞尚精致。传统旗女所穿宽大直筒的旗袍，后经民国初年的改良加工，成为汉民族服饰的代表，充分显示出东方女性的温柔与内涵，具有永恒存在的价值。

103、＊＊ 古代农业工具知多少？

⑴耕作农具。犁是主要的耕作农具，犁是由耜发展而来的。我国很早就设计发明了耒耜，后来当人们设法利用畜力助耕时，耒耜就向犁转化。战国时期出现了铁制的耕犁。到了汉代，二牛抬杠式的耕犁已经普遍使用，犁上还专门装置了用于翻土碎土的犁壁。犁壁的设计是个重大的进步，我国在汉代就有了犁壁的装置。唐代为适应南方水田的耕作，又出现了曲辕的江东犁的设计，耕地更加灵便省力，效率更高。 (2)播种农具。耧车是用于播种的农具。我国在战国时期就有了这种播种机械。汉武帝的时候，主持全国农业生产的搜粟都尉赵过在一脚耧和二脚耧的基础上，设计发明了能同时播种三行的三脚耧，大大提高了播种效率。它是现代播种机的雏形。现代最新式的播种机的全部功能，也不过是把开沟、下种、履盖、压实四道工序接连完成，而我国二千年前的三脚耧，已能把前三道工序合并于一机完成了。

(3)灌溉农具。最早的灌溉方式是用陶罐“负水灌溉”。在春秋时期设计发明了利用杠杆原理进行汲水灌溉的简单机械一桔槔，三国时期的大机械设计师马钧设计发明了翻车，又叫龙骨水车，翻车的结构设计非常精巧，所谓“灌水自覆，更入更出。”可以连续提水，大大提高了灌溉效率。早期的翻车主要是用人

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力的脚踏翻车，也有用手摇的，称拨车。大约在南宋初出现了畜力翻车，约在元初，又设计出利用水力的水转翻车，明末又有了风转翻车。从唐代开始，在长江流域常用一种形似纺车的半机械化灌溉工具——筒车，又称水车、天车。筒车轮四周缚有竹筒，利用水流冲击轮子旋转，把水由低处提高到高处，达到灌溉的目的。

(4)加工农具。中国古代在粮食加工机械方面，也有不少优秀的设计，如磨、碾、碓、扇车、罗等。碓是舂米的工具，西汉末年设计出了利用水作为动力的水碓，由水轮带动碓进行舂米，装置两个锥以上的称连机碓，常用的都装四个碓。水碓可以日夜加工，效率很高。磨是把米、麦、豆等加工成面的工具，约在晋代设计出了用水作动力的水磨，也是用水轮带动磨转动工作。后来又设计出一个水轮带几个磨同时工作，称水转连机磨。元代农学家王祯的《农书》上记载的水转连机磨，一个水轮能带动九个磨同时工作。扇车，有的地方称风车，是一种很有特色的清粮工具，结构设计非常巧妙，通过水摇风扇可以清除谷粒中的颖壳，灰糠及瘪粒等。

104、＊ 古希腊柱式艺术体现了什么？

古希腊建筑中的柱子、额材和檐部的形式、比例和相互结合所形成的程式法则称为“柱式”，其中多立克柱式、爱奥尼亚柱式和科林斯柱式，充分体现了三种不同的艺术风格和美学思想。它不仅是古希腊建筑的基础，也是对世界建筑设计史的一大贡献。 105、、“哥特式”的内在含义及其艺术是什么？ “哥特”原本是欧洲一个半开化的民族，欧洲人所说的“哥特”实际上含有“蛮族”、“半开化”的意思。在欧洲文艺复兴时期，那些崇尚古希腊和罗马文化艺术的人，把中世纪时形成的一种新型建筑以及与此有关的美术样式说成是“蛮族的艺术”，所以“哥特式”实际上是一个贬义词。

哥特式艺术不但体现在教堂建筑设计艺术方面，同时还包括雕刻、绘画和工艺美术等方面。哥特式建筑以其垂直向上的动势，形象地表现了一切朝向上帝的宗教精神。尖尖的拱门，有棱筋的穹窿顶，高耸的尖塔，一切都在“试图刺破那‘不可知的云层的天空’”。建筑物外部的造型，突破了仿罗马式建筑沉重的稳定感和半圆形拱门的样式。在着力强调建筑物的垂直因素的同时，形成了一种高拔、挺直的建筑形式。线条轻快的尖形拱门，造型挺拔的小尖塔，整个教堂建筑无论是整体或局部上端都设计成尖形，形成一股向上的冲劲和动势。

106、＊ 什么时候出现铅质活字印刷和印刷机及其对

后世的影响？

15世纪谷登堡铅活字印刷与印刷机的发明，对以后的年代起着决定性的影响，因为它可以把信息正确地传向世界各地，还可以留存给子孙后代。借助他的发明，不仅在书籍装帧设计上是一次飞跃，而且它使市民的教育更为具体，同时在广告领域也引起了革命。信息通过印刷，重复应用到不同的场合，反映了最初机械化设计萌芽的产生，并为工业革命后的设计打下了坚实的基础。

107、＊＊ “万能家具”在实用方面有什么功能？ 意大利佛罗伦萨出现的一种多功能家具——一种有靠背和边板的低背长方形箱座靠椅，既能作为长椅，又能贮藏衣物，且两张靠椅一并就成了一张简易床，在家庭中非常实用。这种“万能家具”的出现不仅显示出设计意识的进步，更对现代设计中的多功能设计不无启迪。

108、家具设计师奇彭代尔和他的设计工作有什么特色？

奇彭代尔是约克郡一个细木工人的儿子，18世纪50年代移居伦敦，在伦敦当时最时髦的商业街圣马丁街开了一个陈列室。他的工作室不仅是制作高技艺的手工艺品，而且为顾客提供了一套完整的室内设计服务，并从国外进口高级商品，包括一系列能形成最前卫品味的产品。他甚至还提供信贷设计。

1754年奇彭代尔出版《绅士和室内设计师指南》一书产生了迅速而又持久的影响。事实上可以毫不夸张地说，这本书对整个设计系列起了重大作用。该书提出了生产的新标准，使奇彭代尔自己成为伦敦时尚的一个重要人物。国内外连乡村小图书馆都争相购买这本书，也包括俄罗斯的大凯瑟琳图书馆。它同时也是一个成功的广告策略，为奇彭代尔赢得了公司的生意，而且使他的设计在最广的范围内流行起来。(图117)他设计的家具为贵族们所需求，但又被吸收进乡土传统中，并在英国不断扩展的北美及印度殖民地被模仿复制。

109、＊＊ 韦奇伍德将生产过程进行系列变革，对设计有什么影响？

他把陶瓷生产过程分离成单独的几个部分，这样就创造了工业革命的基础原则：劳动力的分工。这是一个形式简单但意义深远的变革，结束了个体工人控制整个生产过程的历史，现在每个工人专门从事一种劳动。专门化的机器的广泛使用，引发了设计可以从生产中分离出来的观念。

110、＊ 英国最著名的展览有什么特色？

1851年“水晶宫”博览会，其名字得之于展览会

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所在的建筑，由帕克斯顿设计，用铁架和玻璃板建成。大展看作是对工业革命后的新技术和新发明的庆贺。迎合大众的设计是自信的、大规模的和华丽的。水晶宫展览的一个有趣的结果是在1852年建立的制造工业博物馆。

111、＊ 什么是“工艺美术运动”？

英国是第一个经历工业革命的国家，它同时出现了一个反工业化的组织，并很快起名为

“工艺美术运动”。这个组织最重要的设计师是莫里斯，他是一个作家、社会活动家和他的时代最有影响的设计思想家。他认为每一种材料都有它自身的价值，比如木头有自然的颜色，做得好的罐子有光泽。

112、＊ 19世纪末的“新艺术” 是什么装饰风格？ 新艺术风格从1895年到1905年，这种风格风行世界，其著名的特点是弯曲、自然主义的风格，运用了植物、昆虫、女人体和象征主义。它把感觉因素引入了设计，并经常运用明显的性感形象。它把感觉因素引入了设计，并经常运用明显的性感形象。

113、＊＊ 现代艺术设计运动倡导了什么样的设计方式？

设计师想通过大规模生产最终得出纯几何形式。他们这样做总的结果是反对装饰。现代主义者中喊得最响的口号是：“少就是多”(米斯?凡德洛)。柯布西埃把房子描绘成“供人居住的机器”更加强了这些观念，他并且进一步实践了这个贯通20世纪的设计方法。 114、＊＊ 包豪斯设计学院的设计方法是什么？ 它是强调一种单一的现代运动的设计方法，即利用现代材料和工业生产技术，以原色红、蓝、黄和圆形及方形为基础形成纯几何形式。他们排除了对学校形形色色的争论，表现主义理论对现代主义者的强硬观点是一个很大的支持。在全世界范围内，都能看到现代主义不同流派各种各样的设计。现代设计后来也称为国际风格。

115、荷兰的风格派在设计方面有什么特点？

荷兰艺术和设计运动中的风格派，提倡严格的审美观，创作中用原色，包括白色、灰色和黑色；平面和立体的造形都严格按几何式样(最有名的代表作是1918年雷特维德设计的红一蓝椅子)，其各个成员都被一种所谓宗教的精神所鼓舞。

116、法国勒?柯布西埃的建筑设计艺术有什么特点？ 他的建筑设计艺术是把纯粹的现代主义精神具体化的杰出代表。他的著作《走向新建筑》一书提倡简洁、纯净的几何形式，他认为这是一种具有普遍意义的、永恒的形式，在这方面，他的作品和古典建筑有直接的关系。但是，他相信成批生产所得到的质量，

一样能成为适合他们时代的新型建筑。它们给人们提供舒适的享受，灿烂的阳光和明亮的房间，整个建筑给人秩序感与和谐感。这意味着他设计的建筑物的内部空间，是新型的开放式的，而且保持着戏剧般的白色混凝土轮廓。

117、＊ 20世纪50年代的新风格为什么也称为“有机设计” ？

因为它的形式有一些借鉴于美术发展，如雕塑家莫尔、考尔德和阿普，还有画家克利、米罗，他们的风格对设计都产生了很大的影响。由此设计形式呈现出新面貌，变得灵活多变，用曲线装饰，而且具表现的意味。这些“当代风格”的成分表现在设计上，使物品诸如沙发、烟灰缸、收音电唱两用机、鸡尾酒等呈现出各式各样、丰富多彩的局面，而且还出现本世纪最希奇古怪的不对称形状。 118、＊＊ 什么是无市场阶段?

设计在战前和战后的这段时间，经历了一个无市场阶段?一个重要原因是：重要的设计国家之间的实力均衡发生了偏斜。20世纪初支配国际设计局面的国家如法国和德国，到50年代逐渐被意大利、美国和斯堪的纳维亚国家替代了。

119、＊＊ 战后的意大利在设计方面有什么特点？ 意大利设计十分现代，它的设计家走上了一条新道路。典型的意大利形式是同伴之间的合伙，像卡希拿、阿特鲁希和特克诺，以及建筑家卡罗?莫里诺和乔?庞提，为意大利新设计的特展现在成为闻名遐迩的“三周年纪念节”，每三年在米兰举行一次展览，不仅展出意大利人的设计潮流和信心，而且还鼓励同行之间进行热烈的讨论。

120、＊ 50年代的家具业有什么发展？

在家具领域，丹麦家具从革新上质量上一直都走在前列。著名的设计家芬?约(Finn Juhl)设计出的家具有雕塑感的形式。雅可布森设计的成堆的“蚂蚁椅”，是50年代最成功的成批生产的椅子。雅可布森把形式和新技术结合起来，创造了一系列第一流的设计，包括“蛋”椅和“天鹅”椅(图147)。这些椅子采用纤维玻璃，加垫乳胶泡沫，并用维尼龙布或毛织物盖在上面。

121、“独立团”的两种价值何去何从指的什么？ 现代运动组织主张：设计价值可以不必普遍化，应该合理地少注重些功能，多注重消费者的愿望和需求。在聚会上，他们对大众文化做了新的分析。他们企图消除高层次文化和低层次文化之间传统的分界线，在这一分界线的一边是戏剧、艺术和歌剧，另一边是音乐舞厅、流行的娱乐活动和喜剧。

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131、＊ 什么是波普艺术？

波普美术流行于英美，是很有影响的前卫艺术运动，它代表了对抽象表现主义那种非具象绘画类型的反叛，以干净的、硬边的精确画法为特征。波普美术作品的特点是全面反映大众文化的各个领域，从主题上看，它集中于商业化社会的日常的、平凡的东西，如热狗、馅饼、公路标志、滑稽画报、服装、罐头、包装盒和公众熟知的人物等。

132、＊ 20世纪60年代波普设计的优势是什么？ 波普设计的优势是瞬时的，可消费的，聪明而具有讽刺意味的。那个时代典型的图案包括：旗帜、公牛的眼睛、条纹和波尔加舞的舞点，这些都是从那个时代的波普绘画，或者海边的流行文化，广告及喜剧故事书中借鉴来的。

133、＊＊ 什么是设计的后现代主义？

⑴后现代主义在40年代就开始露面，并在60年代重新出现，用以描述波普设计的新方法，但后现代主义只是从70年代才开始成为主要的力量。建筑史学家金克斯1977年写了一本有影响力的书：《后现代建筑的语言》，使后现代主义概念流行起来。这个名称不只是提供给建筑，也通常描述设计和文化的变迁。 ⑵后现代主义最早的起点是对现代主义原则和价值的批判性立场。战后新的一代感到现代主义方式太严格刻板，现代主义观念排斥装饰、大众化口味以及人类俗望的癖好。后现代主义打开了一系列的设计方式：复兴的观念，材料和意象——这些都是过去被现代主义者否决的。最重要的变化是对历史主义的新态度，这是现代主义运动的一个禁区。

⑶后现代主义的另一个重要方面是作为广泛的文化现象，而这一点的影响远远比对建筑和设计的影响大，它的新方式也影响了科学、批评理论、哲学和文学。在这种广阔的前景中，后现代主义可以被看作20世纪思想的重要转折之一。

134、＊ 后现代主义理论对设计有着什么样的影响？ 法国哲学新思想的一部分以及一群知识分子的新观念，成为后现代主义潮流的组成部分而影响设计，如符号学、结构主义和解构主义的概念，都被纳入设计思考辩论的语言之中。这些都是扩展设计领域的运动，并使设计从实用性的、解决问题式的活动转换为观念的广大文化。

135、设计家为什么会像电影明星一样有名？

设计的新地位被媒介频频揭示，炒得火热。如法国设计师斯塔克经过设计家的传统经历，在致力于建筑、室内设计和家具项目设计之后，成为一个设计大明星。斯塔克是80年代设计和设计师时尚身份的典型。

136、为什么说设计组织的发展推动了前卫的现代设计？

80年代是设计渗入大众意识每个方面的时代。广告开发了新的消费意识，同时更多的机构如博物馆，也对这种公共趣味感兴趣了。博物馆传统上对设计的注意是把它当成历史活动，现在却集中精力于展览，以显示更多当前的设计潮流。意大利孟菲斯集团出现于所有主要的国际展览中。伦敦的“维多利亚．阿尔伯特”博物馆将其首次个人展给予年轻的图像设计师布罗迪，并通过由一系列的展览勾勒出当代设计的走向。“伯易勒豪斯\展览馆是康兰的精神产品，首次按照世界上专门设计博物馆建筑的形式建成，1989年它搬到伦敦的达克兰大斯。

137、＊ 什么是绿色设计？

绿色设计起自于旨在保存自然资源、防止工业污染破坏生态平衡的一场运动，虽然它迄今仍处于萌芽阶段，但却已成为一种极其重要的新趋向。绿色设计源于60年代在美国兴起的反消费运动。这场反消费运动是由记者帕卡德(Vance Packard)猛烈抨击美国汽车工业及其带来的废料污染问题而引发的。 138、＊ 什么是视觉传达设计？

视觉传达设计是利用视觉符号来进行信息传达的设计。设计师是信息的发送者，传达对象是信息的接收者。信息的发送者和接收者必须具备部分相同的信息知识背景，即是说：信息传达所用的符号至少有一部分既存在于发送者的符号贮备系统中，也存在于接收者的符号贮备系统中。

139、＊ 视觉设计师与视觉艺术家有什么不同？ 视觉设计师不同于视觉艺术家的是：他的工作受到更多的限制。为了向特定对象传达特定的信息，他的设计最终必须是他的特定对象易于认知和理解的视觉符号，这一点从根本上不同于拥有更多“自我表现”自由的视觉艺术家。另一方面，视觉设计师有时还必须考虑他的设计的复制或制作计划的问题。而且，在设计过程中，还可能受委托者意见的影响而不得不对设计一改再改。

140、＊＊ 产品设计的三个基本要素是什么？

产品设计的三个基本要素是产品的功能、造型和物质技术条件。功能是指产品所具有的某种特定功效和性能。造型是产品的实体形态，是功能的表现形式。功能的实现和造型的确立需要构成产品的材料，以及赋予材料以特定的造型乃至功能的各种技术、工艺和设备，这些被称为产品的物质技术条件。 141、＊ 工业设计包含的内容有哪些？

按设计性质划分，工业设计可以分为式样设计、

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形式设计和概念设计。

式样设计——对现有的技术、材料和消费市场等进行研究，改进现有产品的设计。

形式设计——着重对人们的行为与生活难题的研究，设计出超越现有水平，满足数年后人们新的生活方式所需的产品，强调生活方式的设计。

概念设计——不考察现有生活水平、技术和材料，纯粹在设计师预见能力所能达到的范畴内考虑人们的未来与未来的产品，是一种开发性的对未来从根本概念出发的设计。

按产品的种类划分，工业设计可以包括家具设计、服装设计、纺织品设计、日用品设计、家电设计、交通工具设计、文教用品设计、医疗器械设计、通讯用品设计、工业设备设计、军事用品设计等内容。 142、＊ 环境在设计中是如何划分的？

环境有自然环境与人工环境之分，自然环境经设计改造而成为人工环境。人工环境按空间形式可分为建筑内环境与建筑外环境；按功能可分为居住环境、学习环境、医疗环境、工作环境、休闲娱乐环境和商业环境等。而环境设计类型的划分，设计界与理论界都未有统一的划分标准与方法。一般习惯上，大致按空间形式，分为城市规划、建筑设计、室内设计、室外设计和公共艺术设计等。

143、＊＊ 城市规划设计的目的是什么？

作为环境设计概念的城市规划，是指对城市环境的建设发展进行综合的规划布署，以创造满足城市居民共同生活、工作所需要的安全、健康、便利、舒适的城市环境。

144、城市规划设计的内容是什么？

城市规划的内容一般包括：研究和计划城市发展的性质、人口规模和用地范围，拟定各类建设的规模、标准和用地要求，制订城市各组成部分的用地区划和布局，以及城市的形态和风貌等。

145、＊＊ 建筑设计的范围和类型有哪些？

建筑设计是指对建筑物的结构、空间及造型、功能等方面进行的设计，包括建筑工程设计和建筑艺术设计。建筑是人工环境的基本要素，建筑设计是人类用以构造人工环境的最悠久、最基本的手段。

建筑的类型丰富多样，建筑设计也门类繁多。主要有民用建筑设计、工业建筑设计、商业建筑设计、园林建筑设计、宗教建筑设计、宫殿建筑设计、陵墓建筑设计等。不同类型的建筑，功能、造型和物质技术要求各不相同，需要施以各不相同的设计。 146、什么是室内设计？

室内设计，即对建筑内部空间进行的设计。具体地说，

是根据对象空间的实际情形与使用性质，运用物质技术手段和艺术处理手段，创造出功能合理、美观舒适、符合使用者生理与心理要求的室内空间环境的设计。 147、室内设计与室内装饰有什么不同？

室内装饰只是其中的一个方面，它仅是指对空间围护表面进行的装点修饰。室内设计包含四个主要内容：

一是空间设计，即是对建筑提供的室内空间进行组织调整，形成所需的空间结构。

二是装修设计，即对空间围护实体的界面，如墙面、地面、天花等进行设计处理。

三是陈设设计，即对室内空间的陈设物品，如家具、设施、艺术品、灯具、绿化等进行设计处理。 四是物理环境设计，即对室内体感气候、采暖、通风、温湿调节等方面的设计处理。 148、＊＊ 室外设计有什么特点？

室外设计泛指对所有建筑外部空间进行的环境设计，又称风景或景观设计，包括了园林设计，还包括庭院、街道、公园、广场、道路、桥梁、河边、绿地等所有生活区、工商业区、娱乐区等室外空间和一些独立性室外空间的设计。

室外设计的空间不是无限延伸的自然空间，它有一定的界限。但室外设计是与自然环境联系最密切的设计。“场地识别感“是室外设计的创作原则之一，室外设计必须巧妙地结合利用环境中的自然要素与人工要素，创造出融合于自然、源于自然而又胜于自然的室外环境。

149、＊＊ 公共艺术设计有什么特点和意义？

公共艺术设计是指在开放性的公共空间中进行的艺术创造与相应的环境设计。这类空间包括街道、公园、广场、车站、机场、公共大厅等室内外公共活动场所。所以，公共艺术设计在一定程度上和室内设计与室外设计的范围重合。但是，公共艺术设计的主体是公共艺术品的创作与陈设。

一个城市的公共艺术，是这个城市的形象标志，是市民精神的视觉呈现。它不仅能美化都市环境，还体现着城市的精神文化面貌，因而具有特殊的意义。 150、＊ 什么是设计？

广泛的意义上来说，人类所有的生物性和社会性的原创活动都可以称为设计。因而广义上的第一个设计师，可以远溯到第一个敲砸石块、制作石器的人，即第一个“制造工具的人”。

151、＊ 设计师历史是如何演变的？ 200—300万年前的“制造工具的人”。

7000——8000年前，第一次社会大分工后的工匠。

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2800年古罗马的工匠（艺术家）、专业设计师出现。 1500年文艺复兴时期的工匠（艺术家）、专业设计师。 250年工业革命的现代专业设计师。

152、＊ 什么是三大构成及其训练目的？

构成造型包括平面构成、色彩构成和立体构成这“三大构成” 以及光构成、动构成和综合构成。三构成源于包豪斯的设计基础教学实践，它通过一系列数学化结构的几何形态，并施以标准化色彩，按照各种不同的组合构成方法，创造出各种非自然的形态造型，这些造型有的可直接用于设计中，有的可启发产生其他新的造型。三构成是设计造型的基础技能，它不仅提供设计师以设计造型手段和造型选择的机会，而且可以培养训练设计师在平面、色彩和立体方面的逻辑思维与形象思维能力。

153、＊ 什么是人机工程学？

人机工程学是本世纪初兴起的综合性边缘学科，它在美国称为人类工程学，在欧洲称为人类工效学。根据国际人类工效学学会IEA为本学科下的定义：“人机工程学是研究人在某种工作环境中的解剖学、生理学和心理学等方面的各种因素；研究人和机器及环境的相互作用；研究在工作中、家庭生活中和休假时怎样统一考虑工作效率、人的健康、安全和舒适等问题的学科。”

154、＊ 三大类设计师分类细化知多少？

视觉设计师还可细分为广告设计师、招贴设计师、包装设计师、书籍装帧设计师、标志设计师、影视设计师、动画片设计师、展示设计师、舞台设计师等。 产品设计师也可细分为工业设计师、家具设计师、服装设计师、纺织品设计师、工艺设计师、珠宝设计师等。

环境设计师还可细分为建筑设计师、室内设计师、室外设计师、园林设计师、城市规划设计师和公共艺术设计师等。

155、＊＊ 一个完整的设计需要分四个层次来完成，这四个层次的主要责任是什么？

第一层次是总设计师，通常同时负责一个或一个以上的设计项目，主持或组织制定每一设计项目的总方案，确定设计的总目标、总计划、总基调，界定设计的总体要求和限制。总设计师直接对设计委托方负责，对外协调与设计委托方、投资方、实施方及国家机构等各方面的关系，对内组织指导各项设计方案的实施。

第二层次是主管设计师，是指负责某一具体设计项目的设计师。主管设计师对总设计师负责，理解和贯彻总设计师的策略意图，组织制定该项目的总方案

并安排分部实施。主管设计师要求有较高的综合素质、较强的策划组织能力与丰富的设计经验，善于解决设计过程中的难点问题，对各种设计方案有分析、判断与改进的能力。

第三层次是设计师，负责设计项目中某一部分的设计工作。设计师对主管设计师负责，协助主管设计师制定该设计项目的整体方案、策略，负责组织实施其中某一部分的设计制作。设计师要求具有较强的设计创意与表达能力，能独立提出设计方案，具有一定的问题解决能力。

第四层次是助理设计师，主要是协助设计师完成其负责部分的设计制作。助理设计师应有一定的设计表达能力与较强的制作能力，能够理解实施设计师的创意构思，能操作电脑，将创意草图做成正稿，能绘制工程图，会收集设计资料等，有时还需要做些设计过程中的杂务工作。

156、＊ 什么是设计师的社会职责?

作为设计创造的主体，设计师的设计必须是用来改善人们的生存条件和环境，为人们创造更好的生存条件和环境服务的。用简单的一句话说：“为人类的利益设计”，是社会对设计师的要求，也是设计师崇高的社会职责所在，也只有在实现这个目标的同时，设计师的设计才有意义，设计师才能实现自己的价值。 157、设计批评者与设计品是什么关系？

设计品绝对地依赖它的批评者。设计批评者与设计品的关系是一种密切的互动关系，这种关系可以从设计的实用功能和社会效果方面寻求解释，也能够从审美关系上找到答案。60年代兴起的接受美学认为，一件作品的价值、意义和地位，并不是由它本身所决定的，而是由观者的欣赏、批评活动及接受程度决定的。 158、设计批评标准的历时性是一个什么概念？

设计批评的标准在其自然状态下，随时间的推移，社会的发展而不断地演化着。批评标准根本上是一个历史的概念，时间、地域和文化的差异意味着人们对设计要素的不同理解。

159、设计改革运动对设计批评的新观念做出了什么贡献？

最有突破的是德意志制造联盟。其成立于1907年，由一群热心设计教育与宣传的艺术家、建筑师、设计师，企业家和政治家组成，是一个积极推进工业设计的舆论集团。它的领袖穆特修斯曾作为德国官员在伦敦工作了七年，对英国产业革命和工艺美术运动有着深刻的了解。他认为，实用艺术(设计)同时具有艺术、文化和经济的意义；形式是最关键的美学判断标准，任何事物，“从沙发靠垫到城市规划”，都具备精神

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价值；形式的先决权不取决于个人爱好，而应由民族性来决定，而民族的形式取向又是传统所赋予的；新的形式并不是一种终结，而是“一种时代内在动力的视觉表现”，于是“形式”进入一般的文化领域，其目标是体现国家的统一。

160、后现代主义的设计批评将重点有什么样的转移？ 由机器和产品转移到了过程和人，消费者的反应成为检验设计成功与否的决定因素。设计的“消费者化” 与灵活性已成为设计的必要特征和手段。为了适应各不相同的消费集团甚至为了满足个人爱好，机器大生产逐步地调整为灵活的可变生产系统，市场研究成了设计不可或缺的环节。

161、＊＊ 设计批评有哪两种特殊方式？

国际博览会和集团批评。以检阅世界最新的设计成就，广泛引发社会各界的批评和购买为目的的国际博览会，其来历应追溯到1851年在英国伦敦海德公园举行的“水晶宫”国际工业博览会。这个博览会在设计史上具有重要意义，它暴露了新时代设计中的重大问题，引起激烈的论争，在致力于设计改革的人士中兴起了分析新的美学原则的活动，起到了指导设计的作用。

尹定邦《设计学

概论》

第一章 导论：设计学的

研究范围及其现状

设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动。

第一节 设计学的研究范围

设计学成为一门独立的学科，并且被学者们作出思辨的归纳和伦理的阐述，是20世纪以来的产物。简单说来，设计就是设想、运筹、计划与预算，它是人类为实现某种特定目的而进行的创造性活动，是一种物质文化行为；而设计学则是既有自然科学特征又有人文学科特色的综合性的专门学科。

设计学是关于设计这一人类创造性行为的理论研究。

设计的终极目标永远是功能性与审美性。

我们一般将设计学划分为 设计史、设计理论和设计批评三个分支。设计史必须要研究科技史与美术史，研究设计理论必然要研究相关的工程学、材料学

和心理学，研究设计批评必然要研究美学、民俗学和伦理学的理论要求。

一、设计史

1.1977年，英国成立了设计史协会，这标志着设计史正式从装饰艺术史或应用美术史中独立出来而成为一门新的学科，大学里美术史系也将设计史作为单独的一门课程向学生们提供。

1.美术史学上19世纪的两位巨人：森珀和里格尔，正是这两位大师通过在美术史领域作出的卓有成就的研究，而给20世纪的学者最终将设计史从美术史中分离出来奠定了坚实的设计史研究基础。

森珀，是将达尔文进化论运用于美术史研究的第一人，提出唯物主义美术史论；

里格尔，“装饰研究”以及“艺术意志”的提出。 2.20世纪最有影响的西方设计史家：佩夫斯纳和吉迪恩，他们同时又是极有贡献的美术史家和建筑史家。

佩夫斯纳通过其1936年出版的《现代设计的先锋》开创了设计史研究的先河，更重要的是他通过这部著作在公众心目中创造了有关设计史的概念，进而影响了公众对于设计的趣味和观念。

吉迪恩关于“无名的技术史”的研究，将设计史的研究引入更为广阔的文化研究方法。

美术史的研究范围包括建筑艺术、雕塑、绘画、工艺美术、书

法、篆刻等美术种类的历史，涉及美术家、美术作品、美术理论、美术思潮和美术流派等各方面。美术史与历史学有密切联系，同时涉及到古迹和文物的考察与鉴定。美术发生史必须以考古材料为基础，这就与考古学有密切的关系。此外美术史还与一般文化史、民族学、民俗学有交叉关系，但是它是以美术作品为第一性资料，同时伴有审美判断，这 两点可与历史学、考古学、文化史、民族学、民俗学划清界线。美术史需要哲学、美学、美术理论的指导，还涉及美术批评，但它是以具体作品阐明美术历史的发展，又与哲学、美学、美术理论、美术批评区别开来。

二、设计理论

传统上讲，设计理论一直为它的学科美术和建筑理论所包容，这是因为设计这一概念本身就是从美术与建筑实践中引申出来的理论总结。

设计是三项艺术（建筑、绘画、雕塑）的父亲。 在古代中国，与古代西方“设计”相似的概念是“经营”。 ▲

在西方，一般以荷加斯的著作《美的分析》为最早的设计理论专著。现代意义上的设计理论著作是19世纪开始的，而且一般都归为两种类型。

一种是以1837年成立的设计学校为中心的设计教育理论研究，其中最重要的人物是琼斯和德雷瑟。作为一个功能注意者，琼斯的著作《装饰的基本原理》

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里强调：任何适用于目的的形式都是美的，而勉强的形式既不适合也不美。德雷瑟是琼斯的学生，他强调研究过去的（包括伊斯兰的）古典的装饰形式，将几何方式引入自然形式形态装饰的研究。

第二种类型的设计理论是针对工业革命的影响做出的反响，其中最有影响的人物是普金、拉斯金和莫里斯。

普金深刻干感受到工业革命造成的问题及其对欧洲图案的设计所造成的可悲的影响，在他的《尖顶建筑或基督教建筑原理》中提倡复兴哥特风格，而且反对在墙壁和地板装饰中使用三度空间表现法，推崇平面图案，要求装饰与功能一致。

对于工业革命，拉斯金的批评更为激烈。他明晰地将手工制作的、无拘无束的、生机盎然的作品与及机器生产的无生气的精密物品对立起来，手工制作象征生命，而机器象征着死亡。

拉斯金的信徒莫里斯企图通过工艺美术运动提高工艺的地位，用手工制作反对机器和工业化。这场运动的第一条原则是恢复材料的真实性。其次就是强调设计家关心社会，通过设计来改造社会。

20世纪初，现代运动的实践者们主要关注于艺术和建筑。

包豪斯校长格罗佩斯设计理论的复杂性构成了包豪斯独特的教学方式，使这种特有的教学方式成为后来培养设计家、解决工业设计问题的理论基础。

二战及二战以后，设计理论与商业管理和科学方法论的新理论相结合，近20年来，设计研究和设计理论又从其他新兴的学科中受益匪浅。90年代，设计理论多元发展，唯一共同的目标是将设计尽可能放在最为广阔的社会背景中去研究。

三、设计批评

1.设计批评家和设计史家的区别：前者的关注点是当代的设计作品，后者则是设计的历史。

2.设计批评的任务是以独立的表达媒介描述、阐释和设计具体的设计作品；设计批评是一种多层次的行为，包括历史的，再创造性的和批判性的批评。在这种情况下，设计批评追求的是价值判断，而这一点是今天的设计史研究所回避的。

3.作品价值判断的标准：形式的完美性、功能的适用性、传统的继承性以及艺术性意义。

就形式的完美性而言，“设计”这一感念本身就是在文艺复兴时期作为艺术批评的术语而发展起来的。作为艺术批评的术语，设计所指的是合理安排艺术的视觉元素以及这种合理安排的基本原理。这些视觉元素包括：线条、形体、色调、色彩、光线和空间。

20世纪的形式主义批评主要来自三个方面的影响：沃尔夫林对美术风格史的研究、克利夫。贝尔在艺术批评中提出的“有意味的形式”；以及美国罗斯的《纯设计理论》。在20世纪设计的发展过程中，形式主义批评对设计的纯形式研究起到了推波助澜的作用。

功能主义理论在设计中具有代表性的体现主要是1953年由英奇和格蕾特姐妹合办的乌尔姆设计学校，其宗旨便是继续包豪斯设计学校的未竟事业。

在设计批评中对传统继承性的讨论，集中的表现为设计中的历史主义理论，设计中的历史主义形成于19世纪，以遵从传统为特征。最为著名的是欧文?琼斯的《装饰的基本原理》。

与历史主义对待传统的态度极为相似的另一种设计思潮是折衷主义。折衷主义所主张的是综合不同来源和时代的风格。尽管折衷主义受到现代运动强硬派的职责，但是它仍然成为20世纪设计界的主题。

4.设计批评包括历史的批评、再创造性的设计批评和批判性的设计批评等。

5.在有关设计的艺术问题讨论中，“趣味”这一概念与“美”有着同等重要的位置。

第二节 设计学研究的现状

设计的终极目的就是改善人的环境、工具以及人自身。▲

设计的经济性质和意识形态性质，即设计的社会特征。

设计学研究是一个开放的系统，除了从自己的学科——美术学那里继承了一套较完善的体系之外，还要广泛地从那些相关的学科，如哲学、经济学、社会学、心理学那里获得启发，借用词汇，吸收观点，消化方法。这便是当今设计学研究的现状。

一、对当代西方设计思潮的一般看法 1.符号学理论。

图案和符号即单纯装饰性和象征性之间的应用。人类的意识领域就是一个符号的世界。当代设计学不仅涉及到技术的物质性、功能性和审美状态的数值规定，还涉及到设计对象的产生、使用和适用与传播的功能。

德国哲学家本赛对符号学在设计领域的应用作了开拓性的研究，按照本塞的符号学对象理论划分为四种对象：自然对象、技术对象、设计对象和艺术对象，它们分别通过三种参量，即固有性、确定性、预期性

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来规定。人们从设计对象可以被规划、实施和应用这一观点出发，由此划分三个阶段：规划阶段、实施阶段和应用阶段。

50年代西方设计界将符号学应用于建筑设计，认为建筑语言的形成是一个由深层结构向表层结构转化的过程。

2.结构主义。

结构主义理论是一种社会学方法，其目的在于给人们提供理解人类思维活动的手段。最著名的结构主义提倡者是法国人类学家莱维-施特劳斯。

对当代设计学产生重大影响的两位结构主义哲学家是福柯和罗兰?巴特。福柯提出“无意识结构”概念；罗兰?巴特的《神话》，他认为不应从视觉设计的观点来看待大众文化，而应该认识到大众文化揭示了当代社会潜在的框架结构。

借助结构主义理论，正是要回答设计与社会的关系问题。

简答题：为什么说借助结构主义理论，正是要回答设计与社会的关系问题。

3.解构方法。

按照结构主义理论，可以运用科学的符号学原理来分析图像，并且分别说明其视觉的、文化的、以及语言的意义，这一分析的过程被解构主义理论家称之为解码。

法国社会学教授博德里亚是后现代主义最著名的理论家，曾用解构方法探求广告与消费文化对当代社会的影响，他尤其对所谓原创性提出挑战。

设计分为“显性设计”和“隐性设计”两种，显性设计是风格设计；隐性设计是工程设计。显性设计的目的在于引导消费，而隐性设计决定设计品的功能。

法国哲学家的德里达《绘画的真实》，试图用解构方法解读绘画。

一般认为，解构主义揭露传统的偏见和自相矛盾，注重详细解读，具有浓厚的哲学兴趣。

4.混沌理论

混沌理论来源于自然科学界。按照通俗的解释，是向我们说明，我们才开始理解自然界的复杂性，即自然现象及其事件的连锁反应。混沌理论不是要把简单的事物弄得更复杂，而恰恰是为寻求复杂现象的简单根源，提出新的观点和方法。

20世纪80年代，将混沌理论运用到设计领域成了一件时髦的事，反对将设计看作是单一和有次序的观点，主张设计家应当努力探求混沌的文化潮流。但是，对于设计史研究者而言，创造性的混沌不是一场设计运动，而是后现代主义所提出的多元主义理论的一个

方面。

5.绿色设计。

绿色设计起自于旨在保护自然资源、防止工业污染破坏生态平衡的一场运动，虽然它迄今为止仍处于萌芽阶段，但却已成为一种及其重要的新趋向。绿色设计源于20世纪60年代在美国兴起的反消费运动。

所谓多重设计，实际上是指批评者要求设计家能够因时因地地提供更多的设计以供选择，而不是说服或强迫人们接受单一的设计。

6.信息技术。

对于设计学而言，计算机技术和通信技术这两大领域的发展，已经改变了20世纪以来设计的过程和生产。

二、对中国古代设计思想的初步研究 1.设计在传统文化中的地位。 2.在几乎所有的设计类型中，最基本的技术因素和形式原则便是尺度和比例。

3.中国古代设计思想渊源。

墨子的设计思想：重设计功能反对无谓装饰，以追求“器完而不饰”为评判标准的“质真而素朴”的设计审美志趣。

管仲：视装饰为忤逆。

阴阳五行说以及老子的“道”说、“无为说”，表明天下百工之作无不因循万物之质材特征和自然规律方可工成事遂的因果关系，从设计方法学的角度讲老子的“道”与良匠之道匹配的浑然一体，天衣无缝。

庄子的“天人合一”与古代风水学。

分析题：论述庄子“天人合一”的思想与现代可持续发展设计思想的关联及启示。

4.中国的设计，西方的反应。

真正开启了中国古代设计思想研究的，应该说始于20世纪萌生的现代主义设计运动，特别是被誉为“20世纪的米盖朗琪罗”的美国建筑设计大师赖特和德国现代主义设计大师米斯?凡德洛。他们的设计实践和思想，开创了现代主义建筑和产品设计的先河，并为现代主义之后的设计运动、思潮奠定了坚实的理论基础。

1908年，赖特在《建筑范例》月刊上首次提出了他的有机建筑概念，以追求建筑的实在——内部空间的真实表达为终端，通过对整体性的探索，最终找到以连续性和可塑性的结构实现整体性的具体途径。

中国的农业技术只是给西方农业甚至工业革命带去的推动作用。

赖特以其毕生丰厚的建筑设计作品和杰出的人文思想阐释了中国古代先哲的理念和东方文化的伟大传统。

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分析题：论述老子“有之以为利、无之以为用”的思想对现代设计艺术的影响和启迪。

赖特和凡德洛对中国古代设计思想的研究。 复习题

1．设计学是怎样作为一门独立的学科出现的 2．设计史、设计理论与设计批评对于设计实践分别具有怎样的意义

3．如何看待中国古代设计思想对现代设计的意义

第二章 设计的多重特征

从广泛的意义上说，人类所有生物性和社会性的原创活动都可以称为设计。

第一节 设计的艺术特征

一、设计与艺术的渊源

最早的艺术不仅和美与道德有关，同时还和实用有关。直到18世纪，巴托把各种艺术细分为实用艺术、美的艺术，以及一些结合了美与功利的艺术。由于近代西方越来越强调艺术与美的关系，终于形成了所谓美的艺术的概念，以别于应用艺术。

设计概念产生于意大利文艺复兴时期，最初的意义是素描、绘画，将设计、色彩、构图及创造并称为绘画四要素。设计指控制并合理安排视觉元素，如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有类型的结构造型。

二、设计的艺术含量

康德认为美有两种，自由美和依存美。▲ 设计是一种特殊的艺术，设计的创造过程是遵循实用化求美法则的艺术创造过程。这种实用化的求美不是“化妆”，而是以专用的设计语言进行创造。

作为有艺术含量的创造活动，设计中常常发生这样的现象，一个设计不是直接地进入生产，而是巧妙地引发了另一个新的设计。

从古到今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来的。

随着历史发展和社会进步，创造纯精神产品的艺术逐渐从物质生产中分离出来。

当设计解决了物质技术产品的技术课题与使用功能，艺术便成为它永无止境的追求。

在今天，设计不仅以科学技术为创作手段，还以科学技术为实施基础，然而这并没有损害设计的艺术特性，反而使得现代设计具有了科技含量很高的现代艺术特性，这就为艺术拓展了大片的新天地，为生活增加了很多新情趣。

三、设计的艺术手法。

设计的艺术手法主要有：借用、解构、装饰、参照和创造。▲

借用：在设计中借用某句诗、某段音乐或者某个镜头、某一雕塑或其他艺术作品，借用艺术创作的风格、技巧等，是设计的一种手法。广告设计中经常使用。

解构：以古今纯艺术或设计艺术为对象，根据设计的需要，进行符号意义的分解，分解成语词、纹样、标识、单行、乐句之类，使之进入符号贮备，有待设计重构。

装饰：在解决设计的艺术品质问题时，装饰是最传统又常用的方法。装饰并不等于“罪恶”，也不等于错误，关键在于使用是否恰如其分。好的装饰可以掩去设计的冷漠，增添制品的情感因素，增强设计的艺术感染力；好的装饰是设计不可分割的部分，只有多余的装饰才是可以随意增减的附件。

参照：设计属于创造。在解决设计的艺术品质问题时，无论是借用、解构、装饰，都不能简单的模仿，而要表现出适度的创新，参照不失为一个简单又有效的方法。参照的核心是形式借鉴、规律借用、由此及彼、举一反三。参照的关键是根据设计范例，反复参详考察，找出规律和可变的环节，在基本规律或基本形式不变的前提下，使设计呈现新的艺术面貌。

创造：创造是设计艺术最根本的方法，是借用、解构、装饰、参照等方法的基础。

四、不同设计的艺术特征 1.工业设计的艺术特征

定义：就批量生产的工业品而言，凭籍训练、技术知识、经验及视觉感受而赋予材料、解构、形态、色彩、表面加工以及装饰以新的品质和资格，叫做工业设计。工业设计是以技术与艺术的结合，同时受着经济、环境、社会形态、文化观念等多方面的影响和制约。

为工业服务的设计由技术设计、经济设计、艺术设计共同组成，艺术设计只是其中的一部分，但是工业设计中的艺术设计内容涉及到项目的功能系统，包括实用功能、信息功能、审美功能等，其形式是产品

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的造型、用材、色彩、表面处理和装饰。

在造型上追求完美的技术功能和操作功能，追求使用、信息、审美功能的结合，将造型的个性、创造性寓于应用的艺术风格，它追求形式的完美。在用材上它追求材料的应用于结构要求相符，材料的应用于功能要求相符，并且与生产工艺相宜以及与材料供应相宜；充分表现材料的本色美与工艺美。在色彩上，它要考虑如何充分利用的材料的本色和表面处理的本色，使之与造型、材料、使用功能、审美心理相宜，并表现出某种个性和风格。在产品处理方面强调艺术思维，即选择最佳处理工艺以表现和创造材料的肌理之美，从而达到理想的视觉效果。工业设计的装饰处理，主要是要求设计者将母题、纹样、色彩构成等及功能与审美的协调等方面纳入思考范围，综合运用艺术手法让使用者接受产品，让产品与其功能一致，同时赋予产品风格的协调性。

2.广告设计的艺术特征：始终是商业的艺术、媒介的艺术，是大众传播的艺术和民俗艺术。

广告的艺术设计是整个广告生产的重要组成部分。它本身又可以划分成五个方面，即文学创作、美术设计、声学创作、表演设计和电脑制作。

3.室内设计的艺术特征

室内设计也分实体设计和空间设计。

室内设计的艺术特性主要表现在：从艺术的角度为室内设计的实体、虚体、技术、经济等方面提出解决美学问题的方案。

五、艺术推动设计(容易出分析题)。

设计与艺术的发展并行不并行不悖，二者都在追求一种能够体现时代精神实质的理想形式，艺术推动设计，设计的探索又同时影响了艺术形式。

涉及的探索又同时影响了艺术形式，包豪斯典型地代表了艺术推动设计，艺术与设计结合的成就。包豪斯在设计教育上也力图打破艺术与设计的一切界限，从而创造“完全艺术品”。

艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步。“现代设计之父”是威廉。莫里斯。

设计师关注艺术，投入艺术研究，也可以推动设计进步。

设计师与艺术家的合作则更有可能推动设计进步。

艺术与设计关系存在的误区：为艺术而设计、为技术而设计、孤立静止地看待设计与艺术的关系。

第二节 设计的科技特征

一、设计与科技进步(容易出分析题)：

设计总是受着生产技术发展的影响。

技术包括生产用的工具、机器及其发展阶段的知识，它是生产力的一种主要构成要素。设计是设计人员依靠对其有用的、现实的材料和工具，在意识与想象的深刻作用下，受惠于当时的技术文明而进行的创造。

对本部分内容的整体表述：

设计是在工业革命后开花结果的，这使我们不可避免地思考设计与科学技术之间深刻的关系。直到18世纪，随着机器时代的到来，设计也发生了戏剧性的变革。

首先，设计与制造的分工。18世纪，建筑师首先从“建筑公会”中分离出来，使建筑设计成为高水平的智力活动。随着劳动分工的迅速发展，设计也从制造业中分离出来，成为独立的设计专业。机器生产同时导致了标准化和一体化产品的出现，各种优质钢材和金属被应用于设计。

以科学技术为基础的工业革命导致了20世纪初各种设计思潮的产生，同时为设计的发展打开了广阔前景。广告设计从本世纪20年代起甚嚣尘上，而CI设计也有了特别的重要意义。

一种新材料的诞生往往给设计造成重大影响，例如轧钢、轻金属等等，毫无疑义，塑料是对20世纪的设计影响最大的材料。塑料在30年代已经建立起了它的工业地位，并且被工业设计师们赋予了社会意义，成为“民主的材料”。他们大受工业设计师的青眯，被用于各种产品上，因而更适宜设计的个性发挥和产品符号的灵活运用，新材料的出现总是鼓励着设计师进行新的形式的探索。

1930年照相的铜板技术发明，使摄影从此在广告设计中占住了确定位置，并成为今天照相设计的基础。电影的出现，收音机、电视机等多种新媒体的使用，广告产业迅速发展，伴随着传达技术的不但创新，视觉设计的表现手法极大丰富，同时大大地扩大和深化了视觉传达领域。

新兴的信息技术引起设计生产及设计模式划时代的变革。如果说现代设计运动是工业革命的反响，那么后现代主义设计便是对信息技术的反响。

80年代随着计算机的普及，CAD软件已成为广大设计师经常使用的工具。在计算机的帮助下，设计师可以直接了解他的设计品效果究竟如何，因此设计获得了传统手工艺生产的某些特质，即强调产品的使用，操作上的便利，功能上的灵活性以及使用者特殊要求的适应性。

由于计算机技术的高度发达，传统的设计观念已

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从有形的物质领域扩展到了无法触摸的程序领域。

解答题：为什么说一种新材料的诞生往往给设计造成重大影响？

二、设计与科学理论(容易出分析题)： 对本部分内容的整体描述：

设计创造直接与人类对自然秩序和社会秩序的观察联系在一起。设计的进步依赖于人类已掌握的科学原理，如设计对形态、结构的认识，就借助了数学、物理的观察成果。物理学、数学等学科的发达，对扩大设计的表现领域和扩大新的材料的使用都起着作用。

对设计的研究也与科学理论的发展休戚相关。设计需要进行有机的研究。设计研究涉及众多的学科领域，设计的发展和设计学的建立都是以一系列现代科学理论整合为基础的。

设计科学是设计哲学和设计方法学的综合，它的概念是1969年赫伯特。西蒙正式提出的。设计科学的产生表明设计除了对科学技术成果的具体应用外，在方法论上也有了进步，建立起了完整的科学体系。现代设计以讲求多元化、动态化、优化和计算机化为特点，故必须依靠现代科学方法论，解决愈来愈复杂的设计课题。

现代设计以追求多元化、动态化、优化及计算机化为特点，故必须依靠现代科学方法论，解决愈来愈复杂的设计课题。

1.控制论。现代设计论将任何系统、过程和运动都看成一个复杂的控制系统，因而控制论方法是具有普遍意义的方法论。

2.信息论。信息论方法是现代设计的前提，具有高度综合性。信息论最早产生于通讯领域，申农是其奠基人，他引入了“熵”的概念作为信息的度量。信息论主要研究信息的获取、变换、传播、处理等问题。

3.系统论。所谓系统，即指具有特定功能的，互相有机联系又相互制约的一种有序性整体。系统论方法是以系统整体分析及系统观点来解决各种领域具体问题的科学方法。设计系统原理是设计思维和问题求解活动的根本原理。具体设计方法包括：系统分析法、逻辑分析法、模式识别法、系统辨识法等。

现代设计无时不与现代知识体系紧密相连，科学理论推动着设计，而设计科学同时也是科学理论的一个组成部分。

三、设计是科学技术商品化的载体。 对本部分内容的整体描述：

科学技术是一种资源，设计不仅是科学技术得到物化的载体，尤其是科学技术商品化的载体。科学技

术是通过设计向社会广大消费者进行自我表达的，设计使新技术的“可能”转变为现实。科技资源需要设计加以综合的利用，变成优质的新商品，被市场大量的吸收，才完成了科技的社会财富化，发挥了科学技术的作用。

以电能为例，人类电气文明的形成，是设计运载科学技术划下的轨迹。

设计与技术的关系是开发和使用的关系。▲ 所有类型的设计都含有技术的成分，而所有的科学技术都是通过设计转化成商品的。设计没有技术无以为设计，而科学技术没有设计参与也找不到同社会生活的结合点，从而不能转化成社会物质财富和精神财富。

设计不仅是科学技术的载体，它本身就是技术的一个部分。而美国的科学技术政策所以高度强调设计，目的在于增强在国际上的竞争力。

德国最早意识到设计的这一性质并有效加以利用。日本在第二次世界大战之后也认识到设计的这一作用。

第三节 设计的经济性质(容易

出分析题)

一、设计作为经济发展的战略。

英国前首相撒切尔夫人指出，英国经济的振兴必须依靠设计。

二战以后，日本经济百废待兴，日本政府从50年代引入现代工业设计，将设计作为日本的基本国策和国民经济发展战略，从而实现了日本经济70年代的腾飞。

设计作为经济的载体，作为意识形态的载体，已成为一个国家、机构或企业发展自己的有力手段。80年代，设计已成为许多国家政府所关注，都成立了现代工业设计指导委员会或研究中心，全面推行和实施现代工业设计，并且从劳动力密集型转向高科技开发型。

90年代的市场竞争明显取决于设计竞争，因此无论是国家还是企业纷纷都把设计作为跨世纪的经济发展战略。

90年代的市场竞争主要是文化的竞争，而文化竞争又取决于设计的竞争。设计不仅物化了一个企业文化的基本精神，而且具体地规范了企业文化的运行模式，将企业职工与市场和社会内在地、有机地结合在一起。

一个公司只有设计取得领先才能够赢得市场能

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力。市场研究的目的就是为了把握设计与消费的结合点。

二、设计作为价值方法：

设计是创造高附加价值的方法。▲从消费层次来看，人的消费需求大体分为三类层次，第一类层次主要解决衣食等基本问题，满足人的生存需求；第二层次是追求共性，即流行、模仿，满足安全和社会需要。第三类层次是追求个性，要求小批量多品种，以满足不同消费者的需求。

设计时代的到来，意味着世界经济正由“物的经济”向“知的经济”发展。设计时代意味着附加值的时代。

商品的附加价值，是指企业得到劳动者协作而创造出来的新价值。高附加价值不仅仅是从机能方面考虑，还必须将功能、材料与感性三者统一考虑才行。例如，众所周知，日本时装价格不菲，原因在于日本时装的设计思路上——日本时装绝非为大批量生产而设计，而是小批量多品种进行生产，一种款式的衣服可能只有几件，还分别出现在不同国家的不同市场上。设计作为创造附加价值的手段，还能提高信息的价值，将最新信息寓于设计符号之中，设计往往结合了最新的科技成果，运用新材料、新技术、新工艺来开发新产品。

此外，设计的艺术内涵是创造高附加价值永远的保证。

设计在附加价值问题上突出地表现其价值手段的功能。设计的价值意义还表现在设计的价值工程上。提高设计对象的价值，正式价值工程的根本任务和目的，可以说价值工程是一种设计方法。

承造高附加价值的商品竞争主要依靠商品竞争。设计作为一种措施还可以解决成本上的难题，从而受到企业和消费者的欢迎。

三、设计作为经济体的管理手段：

设计作为管理手段，最典型的莫过于企业识别系统及以设计塑造企业文化。

四、与生产和消费的关系。 设计与生产：

设计是生产的组成部分；设计师是生产者，设计活动是生产活动，而且是对整个生产举足轻重的上产活动。

设计为生产服务；设计首先为工厂建设服务，其次为产品的改良和创新服务，第三为提高生产效率和效益服务。

设计师要向生产人员学习；由于精力所限，很少有设计专家同时又是生产专家。但可以肯定的说，不

精通比较先进的工厂，设计不出更先进的工厂，不精通先进的生产，设计不出先进的产品。

生产部门必须认识设计。生产系统的所有人员为了企业的强盛都应进行正确认识设计的教育，形成企业共识，在充分肯定设计是重要的生产力的基础上，调整好设计与生产的关系，发挥设计在生产中的先锋作用。

生产只有正确认识设计，才会充分支持设计。 设计必须拥有生产的支持才能得到实现。 分析题：设计与生产的关系

设计与消费：消费是设计的消费；设计为消费服务，消费是一切设计的动力与归宿；设计创造消费。

设计是最有效的推动消费的方法，它触发了消费的动机。

设计能够唤起隐性的消费欲，使之成为显性。▲ 人类物质消费本质上是一种精神消费和文化消费。▲

人类需要本身就是某种文化的体现。▲

设计创造消费的能力不仅源于企业对经济效益的追求，而且深深地根植于社会心理同构之中。

分析题：分析设计与消费的关系（考过两次）。 复习题

1．从历史与社会的角度论述设计与艺术的关系 2．设计与科学技术是如何相互影响与相互推动的 3．无止境的消费必然带来资源的枯竭，设计在刺激消费的同时如何做到可持续发展

第三章 设计源流之一（中国部

分）

设计产生于原始社会时期人类对石器的有意识，有目的的加工制作，随着人类物质生产和科学技术水平的提高，人类设计也从相对稳定的手工艺设计时代发展到以机械化大批量生产为特色的现代设计阶段。▲

第一节 原始社会时期的设计

一、石器设计

旧石器时代：打制石器。有意识的、有目的的挑选石块，打制成石斧、石刀、石铲等各种工具。由于石块粗笨，器形短小，为了使用方便，人们又在石器

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上安装木头或骨角的把柄，设计出两种或两种以上材料制成的复合工具和复合武器。

新石器时代：磨制石器。不只是为了使石器光滑美观，且能使之工整、锋利。最后有的还进行钻孔，以便于装柄或便于携带，以提高实用价值。

石器是人们最主要的生产工具，石器工具的设计是原始社会最早和最主要的设计内容。

以打制石器为主的旧石器时代和以磨制石器为主的新石器时代。▲

中国新石器时代的设计，除了石器工具的设计以外，另一个重要的设计领域就是陶器用具的设计。

二、原始“彩陶”的设计 所谓原始“彩陶”，是指一种绘有黑色、红色装饰花纹的红褐色或棕黄色的陶器。这个时期的文化，称之为“彩陶文化”。因为彩陶最早在河南渑池仰韶村发现，所以也称“仰韶文化”。原始彩陶设计有下列几种：

1 、半坡型

鱼形花纹：由写实逐渐演变为抽象，可以分为草体鱼纹和复体鱼纹。人面鱼身盆和尖底瓶汲水器。

2 、庙底沟型：装饰多用直线和曲线结合，构成曲边三角形。鸟纹的应用更多，而纹饰的黑白双关是它的特色。

3 、马家窑型：点和螺旋纹的运用，艺术风格可用旋动、流畅来形容。

4 、半山型：图案组织大体可以分为两种：一是用旋涡纹组成装饰；二是用葫芦形纹作面的分割，是装饰面区分为数个单位，并流行运用锯齿纹。

5 、马厂型：以人形纹（或称蛙纹）最有特色。 原始彩陶，还有典型的“龙山文化”，是以山东为中心，薄而光的蛋壳陶大量出现，是这类设计的突出特征。

彩陶的装饰设计，基本上是以几何纹的形式出现的。彩陶图案设计中形式法则有：立对比法、分割法、多效装饰法、双关法。

陶器的设计发明则不仅改变了原材料的化学性质，而且是人类与自然斗争中获得的划时代的创造，标志着人类设计由原始设计阶段进入了手工设计阶段，从而揭开了中国设计史上崭新的一页。

主要有黄河中上游仰韶文化和马家窑文化为中心的彩陶和继之而起的黄河下游龙山文化为中心的黑陶，以及长江以南东南广大地区的几何印纹陶。

新石器时代的制陶匠师不仅从造型上注重陶器的使用功能，为了美化器物，还创造了多种不同的装饰设计手法，如拍印、刻画、堆贴、镂孔、彩绘等，其中彩绘是我国新时期时代制陶工艺中最为成功的一种

装饰设计手法。

通过对彩陶器和黑陶器的造型与装饰图案的设计创造，我国新石器时代的制陶匠师极大地丰富了诸如节奏、韵律、对称、呼应、均齐、平衡、对比、调和、比例、均衡等美的形式法则，对后世设计产生了深远的影响。作为人类手工设计阶段的开端，中国原始陶器集实用与审美为一体的设计。

我们的祖先最早的居住方式主要有两种：一是利用天然岩洞；一是构巢而居。

早期的原始木构架建筑，奠定了将来木构架建筑的锥形，揭开了中国建筑设计发展的序幕。

狩猎工具与武器的设计中，石块和木矛一直是最主要的器具。

第二节 奴隶社会石器的设计

一、青铜器设计

商周时期的设计艺术，最有代表性和具有突出艺术成就的就是创塑姿。它的突出成就表明了中国奴隶社会手工业发展的最高水平。

整个奴隶制时代，也是青铜器的设计制造最繁盛的时代，故又称青铜时代。中国的青铜时代是以大量使用青铜生产工具、兵器和大量使用青铜礼器为基本特征的。

中国自新石器时代晚期已开始使用天然铜制造小件工具和装饰品。从夏代开始铸造青铜器，在商代晚期和西周早期，青铜器的设计铸造达到了顶峰。

青铜器设计，是我们的祖先继彩陶和黑陶以后，在产品设计领域的又一伟大创造。

奴隶社会不同于原始社会，残酷的阶级统治是青铜器设计的基本特征。

青铜器的设计都是为奴隶主阶级服务的，奴隶主阶级的统治需要、生活方式与审美情趣，对青铜器的设计施加着决定性的影响。又由于商代的统治着尊神重鬼、崇拜祖先，青铜器的设计又充满了神秘和威严的色彩。如人面方尊、虎食人卤、四羊方尊。

商代和西周早期的青铜礼器是这一类型的代表，它们通常以抽象和半抽象的动物纹样为主要装饰。最突出的是 ，又称兽面纹，采用抽象和夸张的手法，造成狰狞恐怖的视觉效果，充分体现着奴隶社会的精神意义。商代后期的司母戊方鼎是这一时期的典型作品，是目前所见世界上最大的青铜铸鼎。

青铜器的装饰纹样：主要采用纹，即兽面纹，采

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用抽象和夸张的手法，造成狰狞恐怖的视觉效果。其他还有夔纹、鸟纹、象纹、鱼纹等，一般采用主纹和地纹相结合的表现方法，即以兽面纹为主题，以回纹为陪衬，形成逐次效果。图案组织多用单独纹样，并用对称式，显出威严工整的艺术氛围。

青铜器的冶铸方法：陶范法和失蜡法，用失蜡法制造的铜器，层次丰富，精巧细致，具有特殊的立体装饰效果。尊侯乙尊盘就是采用失蜡法铸造。

青铜器的加工方法：焊接、刻画、镶嵌、金银错、鎏金等。例如春秋战国时期的青铜器宴乐水陆攻战壶。

青铜器设计意图的实现，离不开高水平的青铜冶炼和铸造技术。

用失蜡法制造的铜器，层次丰富，精巧细致，具有特殊的立体装饰效果。

原来简单的木构架，经过商周以来不断地改进，逐步发展成为中国古代建筑的主要结构方式，同时还出现了前所未有的院落群体组合。

儒家孔子主张“文质兼备”。反映着功能与形式并重的设计思想。墨子主张“先质而后文”，这是功能第一的观点。老庄关于“有之以为利，无之以为用”之说，其“有”与“无”的概念，丰富了我们的空间设计思维。韩非子主张“好质而恶饰”，反对“以文害用”，这与墨子的观点近似。成书于战国时期的《考工记》，是我国最早关于设计与制作的专著，其所谓“天有时，地有气，工有巧，材有美，合此四者然后可以为良”是一重要的设计观点。▲

第三节 封建社会时期的设计

一、建筑设计

秦汉时期是我国古代建筑史上的第一个高潮。中国建筑设计到了汉代，由于积累了丰富的经验，已经发展成一个完备的体系。当时的木结构技术已渐趋成熟，后世常见的抬梁式和穿斗式两种主要木结构已经形成，并且能够建造多层木建筑，斗拱已普遍使用。砖石结构技术也成长起来，拱劵技术有了较大的进步，中国建筑特有的布局形式已经形成，成为后来两千年中国建筑发展的基础。

魏晋南北朝时期，佛教建筑达到了极盛。

隋唐时期是中国古代建筑设计的成熟时期。隋代已经采用图纸和模型相结合的建筑设计方法。李春设计修建的赵州桥，迄今为止1 3 00 多年还基本完好。这一时期成就最为突出的是城市与宫殿的设计。唐都长安是当时世界上最宏大繁荣的城市。隋唐建筑设计强调艺术与结构的统一，没有华而不实的构件，建筑色调简洁明快，屋顶舒展平远，门窗朴实无华，给人

以庄重、大方的印象，这时后来宋元明清建筑少见的特色。

12世纪初由北宋李诫编著、政府颁布的《营造法式》，是我国和世界建筑史上的珍贵文献。

明清建筑是继秦汉建筑和唐宋建筑之后，中国古代建筑的最后一个高峰。在宫殿、坛庙、宗教建筑和园林设计等方面的成就尤其突出，不少建筑完好地保存到现在，北京故宫是明清两代不断营造的结果，是现存最大的古建筑群。

明清建筑设计的成就不在于对前代建筑设计的变革性发展，而是对中国古代建筑设计的一次全面总结。

中国古代建筑设计在结构上的特点：

经过漫长的发展演变，中国古代建筑在外观、结构、色彩和布局设计诸方面，都形成了自己鲜明的民族特色。

在外观设计上，中国古代建筑由屋顶、屋身和台基组成。屋顶的特征最明显，主要有硬山、悬山、庑殿、歇山、攒尖、卷棚和单坡等多种类型。

在结构设计上，中国古代建筑以木构架为主要结构方式，常用的有抬梁式和穿斗式两种。斗拱是我国古代建筑特有的构件，唐宋时期斗拱主要作为结构构件，到明清时演变为以装饰构件为主。

在布局设计上，中国古代建筑有一种简单的组织规律，就是以“间”为单位构成单座建筑，再以单座建筑组成“庭院”，进而以庭院为单位，组成各种形式的组合。

在装饰和色彩设计上，中国古代建筑也别具一格。装饰主要几种在梁枋、斗拱和部分，综合运用了各种美术工艺及雕刻、绘画、书法等艺术加工手法。在色彩设计上，运用对比强烈的原色设计，也是中国古代建筑显著的特征之一。

中国古代建筑设计以其独特的设计体系，在世界建筑设计史上独树一帜。这一体系不仅在我国各民族各地区广泛流传应用，历史上还影响到日本、朝鲜和东南亚的一些国家；是世界古代建筑中延续时间最久的体系，也是传布范围广泛的体系之一。

中国古代建筑设计的著名作品：天坛的设计艺术、西藏拉萨布达拉宫设计艺术。

中国古代城市规划的特点：中国古代城市规划所体现的中轴线对称平面布局，即统一又富有变化的空间处理，是中国古代城市布局的传统特征?

中国古代桥梁设计：

( 1 ）汉朝时的梁桥，是我国古代最普遍出现的桥梁，故是称作平桥。它的结构简单，外形平直。

( 2 ）种类繁多的拱桥。如卢沟桥

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( 3 ）著名的桥梁设计：万安桥、赵州桥 中国住宅设计实例：

于阑式住宅、北京四合院住宅、闽南土楼住宅、河南窑洞住宅。

二、园林设计

1 、中国园林设计发展简介：我国古代园林的出现可以上溯至公元前16世纪的商周。汉代在囿的基础上发展出新的园林形式——苑。魏晋南北朝时期，私家园林设计形成追求自然野逸的风气，是中国园林设计的转折时期，也是山水园林的奠基时期。唐宋时期，中国文学和艺术达到了前所未有的转折时期，园林设计也被推向更高的审美层次，“诗情画意”逐渐成为中国园林设计的主导思想。明清两代是中国古代园林设计的顶峰时期，无论在理论上和实践上都有超出前代的辉煌创造。保存至今的园林尤以清代最多，设计成就也最高，代表了古典园林设计的高峰期水平。明末清初的计成在总结实践经验的基础上著成《园冶》一书。这是我国古代最系统的园林设计论著，在设计史和美学史上都有极其宝贵的价值。

2、中国古代的园林设计特点：首先，中国园林设计注重自然美，其次，中国园林设计十分强调曲折多变。园林风景设计上的复杂多变，同时达到了“体宜”的效果，而无丝毫杂乱无章之感。再者，中国园林设计崇尚意境。设计不止满足于对自然美景的仿造，更追求诗情画意境界的创造，借以寄托游园者的思想情怀。

中国园林设计以其曲折多变的造型和自然野逸的意趣在世界园林设计史上享有崇高的地位。中国园林被誉为世界园林之母，是中国古代设计文化的杰出代表之一。

四、家具设计

中国古代的家具设计有着非常悠久的历史。商周的青铜器中有不少雕饰精美的姐、禁之类的家具。春秋战国时期铜制和漆木家具的设计也达到了相当高的水平，这些遗存的早期家具造型古拙，装饰繁缛，通常运用漆、绘、雕等多种装饰手法，色彩华丽，纹饰丰富，雕饰精致，是具有很高艺术性、技巧性与实用性的设计佳作。

家具设计主要是随人们的生活方式、起居习惯的变化而逐步发展变化的。商、周至三国时期，跪坐使人们主要的起居方式，因而相应性形成了矮型的家具设计，席与床（塌）是当时室内陈设的最主要家具。汉代以后，垂足而坐的习惯逐渐增加。中国家具形式大变革的时期是唐到五代。隋唐时期，垂足而坐与席地而坐的习惯同时存在，出现了高矮型家具并用的局

面，总的趋势是由上层阶级带动民间向垂足而坐和高型家具过渡。这一时期的高型家具有各类桌、案、凳、椅和床。后世所用家具类型已基本具备。家具的造型简洁实用、朴素大方，结构趋于合理的简化，嵌细及各种装饰工艺被进一步应用到家具上。高型家具经五代至宋代己日趋定型化，并且衍化出了高几、琴桌和床上小炕桌等新的家具式样。宋代家具的结构与造型得到了很大的改进，为明清家具的发展奠定了良好的基础。

明代家具是科学性和艺术性的高度统一，种类繁多，用材考究，设计巧妙、制作精美，形成别具一格的设计特色，被称作“明式家具”。

明式家具的设计特色：1、注重结构美；2 、注重材质美；3 、注重造型美；4 、注重装饰美.明式家具不止是中国家具民族形式的典范和代表，在世界家具设计史上也独树一帜，自成体系，具有显赫的地位。

清代家具在结构和造型设计上基本继承了明式家具的传统，体重显得更加庞大厚重，出现了组合柜、可折叠与拆装桌椅等新式家具。而在装饰设计上为了追求富丽堂皇、华贵气派的效果，对家具进行不厌其烦的繁琐堆砌。清式家具以苏作、广作和京作为代表。被称为清代家具三大名作，造型与装饰设计各具地方特色，并且一直保持到现在。

四、陶瓷设计

瓷器和陶器的主要区别:胎质不同、用釉不同、火候不同。

从陶器发展到瓷器，经历了漫长的过渡阶段，那就是半瓷质陶器，瓷质陶器远在殷商时代己经出现，至汉代渐趋成熟．原始瓷器施有釉料，釉色青黄，故称“原始青瓷”。到了六朝，青瓷己经完全成熟取代了铜器和漆器的地位。

六朝的青瓷产地以浙江地区为中心，并且逐渐形成“南秀北雄”的不同风格，正式奠定了南北瓷器两大体系。六朝青瓷以青瓷鸡头壶和仰覆莲花尊最负盛名。

到了唐代，青瓷以南方浙江的“越窑”为代表，越窑的特点是，胎骨较薄，施釉均匀，釉色青翠莹润。白瓷以北方河北的“邢窑”为最佳，邢窑与越窑齐名，因而有“南青北白”之说。唐代瓷器装饰以花卉纹为主，装饰方法繁多。其中釉下彩是先在素胎上画彩，然后上釉，这是迈向彩绘装饰的开创性的一步。

唐代最具特色的陶瓷器还数被称为“唐三彩”的三彩釉陶器。它主要采用黄、绿、白三色釉料，利用铅釉易于流动的特点，造成淋漓变化、绚丽华滋的效果，深受人们的喜爱，还远销到阿拉伯地区和欧洲各

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地。制作地点主要在长安和洛阳两地。

青瓷以汝窑、官窑、钧窑、耀州窑和龙泉窑成就最高。

宋瓷在造型与装饰设计上都有许多独创性的成就，其中尤以梅瓶的造型最具鲜明的时代特色。元代瓷器：景德镇成为全国的制瓷中心。元瓷的突出成就，是烧成了青花和釉里红瓷器。元代青花瓷器，被称为“白地蓝花瓷”，属釉下彩绘，多为白地蓝花，色调清新明丽，风格纯朴雅致，与民间蓝印花布形同双壁，深受广大人民喜爱。釉里红是继青花以后，景德镇瓷匠创造的姐妹品种，属于釉下彩瓷，先用铜红料在胎上绘画纹饰，再盖以透明釉，高温烧成后形成红色花纹，有如凝脂般的华丽效果。元代陶瓷在造型设计上，一般很大，胎骨厚重，粗犷有力。

明瓷的成就，主要表现在青花瓷、五彩和单色釉方面。青花瓷是主要的产瓷品种，以宣德年间所产最佳。明瓷的装饰手法，彩绘已成为主流，标志着中国陶瓷已由“青瓷时代”进入了“彩瓷时代”。

清朝时期的康熙、雍正和乾隆三代，中国陶瓷生产达到了历史的顶峰，景德镇仍为全国瓷器的中心。康熙朝还创造了极为名贵的珐琅彩瓷器，后人称“古月轩”。青瓷在制作水平上远远超越了前代，而在设计意匠上，青瓷欠缺较高的美学境界。

中国古代瓷器设计以其精巧多姿的造型、绚丽多彩的纹饰和缤纷的色彩，在世界古代设计史上占据了无可替代的重要位置。

五、纺织品与服装设计

染织设计在传统的基础上，有了飞跃的发展。长沙马王堆汉墓出土的大量丝织品，证明我国在公元1世纪前已经拥有了相当复杂的提花机。汉代丝织品的花纹设计，主要有云气纹、动物纹、花卉纹、几何纹和吉祥文字，其中以云气纹和吉祥文字最具特色。

六朝的丝织品以四川生产的蜀锦最为著名，六朝是中国装饰纹样设计由动物纹为主向植物纹为主的过渡时期。

到了唐代，在名目繁多的丝织品中，以唐锦最为出色，唐锦是以纬线起花，称“纬锦”，区别于汉魏六朝以经线起花的“经锦”，唐锦的花纹设计以联珠纹最具代表性。

宋代因为丝织品的国内外需求都很庞大，丝织业较唐代更为发达，称宋锦，纹样设计成就最为突出的是绛丝。

棉织是在元代发展起来的一种新兴工艺，棉纺织家黄道婆作出了重大的贡献，松江成为全国最大的棉纺织品。丝织品中以一种名叫“纳石失”的夹金织物

最具特色，称织金。

明代织锦称明锦，主要品种有库缎、织金银和妆花三类。明锦图案设计由团花、折枝、缠枝、几何纹等，其中缠枝为明锦代表特色。刺绣以“顾绣”最为有名。

清代的丝织、刺绣、印染均非常发达。丝织有南京的云锦、苏杭的宋锦和四川的蜀锦为最佳。

总的来说，中国古代男子服饰设计的基本风格是庄重和实用，中国女子服饰设计则充满绚丽流动的色调。

六、工具设计 1 、农业工具

耕作工具：犁、来招、江东犁、曲辕犁 播种工具：褛车

排灌工具：汉代“辘护提水”、翻车、筒车 加工工具：磨、碾、雄、扇车、罗等 2 、纺织工具：纺机、织机、罗织机等 3 、交通工具：车、船的设计。 七、兵器设计

中国兵器大致经历了石兵器、铜兵器、铁兵器和火兵器的四个发展阶段。

进入奴隶社会，中国古代兵器进入青铜兵器时代，越王勾践剑。汉代进入铁兵器时代，铁兵器是冷兵器的成熟阶段。大约10 世纪的北宋初期，中国进入了火兵器与冷兵器并用的时代，早期的火兵器主要用于燃烧、发烟、放毒，锁着火药质量的提高，促进了火药兵器设计的发展，逐步过渡到利用火药的爆炸性能为主。公元1132 年，南宋的陈规设计了突火枪，是世界上最早的管形火器。18 世纪以后，注重利用新技术的西方兵器设计迅速超越了固步自封的中国清朝兵器。

八、漆器设计

战国时期漆工艺开始发展起来。春秋战国时期楚都江陵如今出土过众多精美的漆器。汉代漆器制作方法有木胎、竹胎和夹胎等，增加了大件物品。魏晋时期由于佛教盛行，漆器制造流行夹经工艺。金漆和雕漆是宋元漆发展的最高成就，张成、杨茂是卓越的漆器设计家。明清的雕漆与宋代有显著的不同，工艺上有更大的发展。

所谓中国风格，是“指17世纪和18世界西方室内设计、家具、陶器、纺织品和园林设计风格。”是由“17世纪初英国、意大利等国的工匠开始自由仿效从中国进口的橱柜、瓷器和刺绣品的装饰式样”而逐渐形成的设计风格。

复习题

1．试论中国古代设计中造型趣味的变迁。

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2．试论实用性在中国古代设计中所处的地位。 3．试论中国古代设计的鲜明特征。

第四章 设计源流之二（西方

部分）

说明：因本章部分为很多学校的考察重点，仅限于课本知识已远远不够，因此，本章笔记又结合其他设计书目进行了相关知识点的补充，故打破了本书原来的章节顺序。

第一节西方古代设计

一、旧石器时代的设计：

石制工具、骨制工具和弓箭的发明。洞穴艺术代表着旧石器时期原始人类的主要艺术和设计成果。 丰富多彩的原始洞穴壁画更是代表着原始艺术设计的高度成就。

二、新石器时代的艺术

建筑的出现是新石器时代的重要文明成果之一，由于农业时代的生活比较稳定，人们有可能建造固定的住房，于是村落开始形成。

陶器的发明是人类社会发展史上的最伟大的创造之一。制陶技术最早出现在农业经济比较发达的西亚地区，早期的陶器以实用陶器为主，，器形简单，品种单一，制作粗糙，而随之进入新石器时代的中晚期，陶器的品种和样式都发生了很大的变化，器形日趋复杂，只走也比较精致，多以自然界中的植物和动物为原型，装饰纹样不仅具有植物和动物的纹样，而且将

动物形象作几何化的处理。

三、两河流域的艺术

地中海东岸和亚洲的西睡并行的幼发拉底河与底格里斯河流域，是最早进入奴隶制文明高度发达的地区之一，古代希腊人把这一地区称之为美索不达米亚，先后出现苏美尔、古巴比伦、亚述、新巴比伦王国以及波斯帝国。

两河流域地处东西交通的要塞，使得该地区的居民和外族之间的文化艺术上的交流十分频繁。因此，两河流域的设计艺术具有极强的融合性，即综合了各民族的特点，又具有自己独特的民族风格。

两河流域艺术的目的是为宗教和王权服务的．设计的内容都是限于说明神和国王的权威，具有相当严肃的形式感，普通人的个性描写在两河流域的艺术中儿乎看不到。装饰己经在建筑和造型设计领域出现，但其风格与整体的艺术风格一样，也是十分庄严和雄壮有力的。1 、苏美尔― 阿卡德时期的艺术与设计

苏美尔人修建的砖制塔庙“白庙”;

苏美尔的雕刻艺术注重于表现虔诚的宗教崇拜，所以大多数都是宗教祭祀用品；苏美尔人的工艺设计成就斐然，出现了世界上最早的青铜制品。

阿卡德人的建筑多是神庙，雕刻技术比苏美尔人有了显著的提高。

2 、古巴比伦时期的艺术与设计

宫廷建筑在巴比伦时期得到了辉煌的发展，琉璃砖镶嵌装饰被广泛地应用于建筑之中，极大丰富了建筑的饰面技术，形成了一套完整的建筑装饰技法。

古巴比伦现存的雕刻作品非常少，最著名的当属汉漠拉比法典碑，上面刻有人类历史上最早的成文法典。

3 、亚述时期的艺术与设计

亚述帝国的建筑吸取了古巴比伦和古埃及的经验，皇帝喜欢大兴土木，建造规模宏大的宫殿，最著名的宫殿是萨尔贡而是王宫和阿苏尔巴尼帕宫殿。前者外墙上装饰着大面积的浅浮雕，是艺术史上最早的叙事浮雕。

4 、新巴比伦时期的艺术与设计 设计成果依然充分体现在建筑上，赫赫有名的“空中花园”就建在这里，这座类似于塔楼的阳台式建筑以其工程伟大而被誉为“世界七大奇观”之一。

5 、古代波斯的艺术与设计

标志着波斯建筑艺术顶峰的是从公元前518 年即开始兴建的波利斯宫殿建筑群，经历了半个多世纪才宣告完成。此外，波斯的雕刻设计和工艺设计都十分发达，尤其是金属工艺品对中国古代瓷器造型有相当

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的影响。

四、古代埃及艺术与设计

埃及设计文化的一大特点是明确的秩序感，它的形成与埃及社会高度的组织化、系统化的劳动生活密切相关。艺术家们力图通过设计再现一种永恒的理想和秩序，他们并不着力于传达个人的情感，而是一如既往地遵循着固定的格式和规范，重视描绘事物永恒的形象，力图通过造物设计来表现整个社会所追求的严明、规整、宏伟以及对神灵狂热的崇拜，追求长盛不衰的风范。此外，埃及工艺设计善于把形象的真实性和灵活自如的装饰化手法巧妙结合起来，达到理想化的境界。埃及的壁画和雕刻特别繁荣，雕像的题材范围很广，代表着埃及艺术设计现实主义的一面。雕刻的题材一般分为三种类型：王的权威和力量的视觉化，理想中的个性精神，现实主义的肖像作品。具体地说，一类是法老像，一类是贵族、官吏以及普通劳动者的雕像。浮雕和壁画构成了埃及墓葬艺术的重要组成部分，两者在艺术形式上十分相似，其造型和艺术特点多方面地表现着埃及人的审美理想和现实生活。

金字塔是埃及设计艺术发展史士的高峰，反映出了埃及人达到的数学和几何学的成就以及他们非凡的艺术才华。在设计上追求简洁、宏大、稳定和崇高的效果，用宏伟的气势、单纯朴实的造型象征着国王至高无上的权威，反映出为了永恒而进行建造的初始愿望。其中吉萨金字塔和巨大的狮身人面像是埃及古代文明的精华。

埃及建筑艺术与古代希腊一样，是以列柱承托屋顶的承柱式为基础的。神庙在埃及得到了完善的发展，布局也体现了埃及人尊重秩序的世界观，他们将设计的着眼点放在内部特殊的空间构造上。

五、爱琴文明及爱琴艺术

地中海的东北部，巴尔干半岛和小亚细亚之间的一片海域，希腊人称之为“爱琴海”。公元前2500 年前后，他们先后进入早期的奴隶制国家，后来这一带形成的文化传统和文明成果称之为“爱琴文明”。爱琴文明包括克里特文明和迈锡尼文明两大部分。

1 、克里特艺术与设计

克里特岛是爱琴海南端最大的一个岛，也是爱琴文化的中心。本世纪初，有学者在克里特岛上发明了著名的米诺斯王宫，这是克里特时代最重要的艺术设计遗存。

在克里特艺术的繁荣时期，造型艺术得到了长足的发展，其中尤以小型雕塑为最，克里特人似乎对大型的纪念雕像不感兴趣，其雕像大多是小型的、有彩

釉的持蛇女神的雕像。爱琴世界雕刻艺术最显著的特点就是喜用精雕细琢的装饰型。

此外，克里特人还以极其漂亮的首饰和金银器见长。

2 、迈锡尼的艺术与设计

迈锡尼艺术是古希腊艺术的前身。迈锡尼的皇家陵墓极为完善的技术成就令世人叹为观止。

六、古代希腊艺术

希腊艺术和设计可以说是人类艺术史上的第一个顶峰。它自成一格，独具特色，给人类艺术设计的发展提供了极为宝贵的而丰富的遗产。希腊艺术的繁荣有其特定的社会历史条件、民族特点和自然条件。希腊艺术既带有高度的现实主义色彩，又极具浪漫和幻想的特征。这两种特质的融合使得希腊艺术极具魅力。它神秘而又威严，典雅而又庄重，带给人无穷的美的享受。

作为奴隶社会艺术发展顶峰的希腊艺术，其主要成就在于它表现人的精神力量，肯定人的思想、感情和活动，颂扬人的坚强意志。和埃及、两河流域的古代文明相比，希腊人更重视“人”的本位作用。在人本位思想指导下，希腊古典造型艺术贯穿了两个要素，就是“自然”和“理想”，表现理想化的自然，便是希腊艺术的核心。

无论是建筑、雕刻、绘画和工艺美术等领域，都遵循着质朴、合理、端庄、协调的原则。希腊的建筑是开朗而和谐的，雕刻是充满活力和勇于展现人的精神气质的，绘画是富于世俗的生活情趣的。按照希腊艺术的发展历程，史学家把它分为四个时期：

1 、荷马时代― 萌芽期

荷马时代的文化与艺术，带有一定的原始简陋性和粗犷意味，并且都与巫术宗教紧密相连。因此荷马时期希腊的造型艺术与建筑，尽管其社会基础来自于人民，可是，既没有达到表现包罗万象的人民生活，也没有达到艺术上新的发展境界。主要艺术成就是陶器的装饰纹样由抽象逐渐向具象过渡，几何纹样逐渐消失，取而代之的是更加具有现实意义的具象场面。2 、古风时代― 成长阶段

古风时代的艺术，以它非同一般的独创性而引人入胜，取得了独特的艺术成就。希腊建筑中著名的柱式系统，主要有多利克柱式、‘爱奥尼克柱式和科林斯柱式，充分体现了三种不同的艺术风格和美学思想。古风时代确立了前两种柱式，为古代建筑进一步的发展奠定了基础? 希腊的建筑物是巡实主义风格新的典范，神庙是古希腊建筑中最重要的组成部分。

古风时期的雕刻主要集中在两种类型上：裸体年

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轻男子和着衣的女子。面部均作微笑状，统称为“古风的微笑”。后期，人物姿势逐渐变得自然而具有动感，表情也富有生动的神采。陶器彩绘的“红绘式”逐渐取代“黑绘式”。在一些套器彩绘上，一些艺术家己经开始探索透视技法。

3 、古典时代― 顶峰期

这一时期是希腊艺术的繁荣期，其中以建筑和雕刻对后世影响最为深刻。与埃及建筑相比，古代希腊在营造建筑群方面尤为突出。在雅典城里，城市国家市民精神和信仰代表― 神庙被建立在卫城的中央，在卫城的建筑群里，它具有威严的君临一切的气势，其中主要建筑是供奉雅典娜女神的巴底农神庙。这一时期科林斯柱式出现，成为古典建筑中的三种程式法则。

古典初期的雕像开始注意通过人生动的形体美来展现性格，产生了写实而理想的人体。这一时期己经摆脱了古风时期的拘束，赋予雕像以强烈的生活气息，最优秀的雕刻家有三位：米隆、菲迪亚斯、波留克列特斯。古典后期的雕刻开始侧重个性的刻画，放弃了初期那种冷漠的神圣纯洁。

4 、希腊时代

希腊时代建筑的主要特征是古典严谨而庄重的风格受到排斥，而富有装饰趣味的新型建筑物大量出现。建筑在注重实用性的功能基础上比以往增加了装饰的成分，精致的爱奥尼克柱式取代多立克柱式而广为流行。神庙失去往日的辉煌，公共城市建筑繁荣，其中最著名的城市是具有文艺复兴时期建筑特点的亚历山大里亚。

希腊时代的雕刻家对反映妇女的题材大感兴趣，出现了众多的裸体女像，表现出丰富多彩的世俗生活画面。另外，在希腊雕塑史上还有一个脍炙人口的作品《 垂死的战士》。七、古罗马艺术

罗马帝国时代艺术设计的最大特点就是尽可能的宏大雄伟，通过艺术的威慑力来衬托皇帝的威力和力量，突出皇帝至高无上的权利和神圣不可侵犯的威严，充满了宏伟和坚毅的力量，这在罗马的建筑、雕刻和造物艺术中成为一条贯穿一致的基本原则。

1 、罗马艺术的基础― 埃特罗里亚艺术

罗马的宗教仪式沿用埃特罗利人的方式，其艺术的基本立足点是拉丁民族的写实风格，即埃特罗里亚人开创的艺术传统。罗马的建筑是埃特罗里亚人的弯隆和希腊柱式的完美结合，罗马的雕刻在希腊的古典规范中注入了埃特罗里亚式的强烈个性，所以，对埃特罗里亚艺术的了解对研究罗马艺术是十分必要的。

埃特罗里亚的建筑的发展对罗马建筑起了重要积极的作用。目前保存惟一完整的遗物是坟墓，是由在

地面上圆形的大丘和地下弯隆构成的筒形墓室组成，善于运用拱券式砌造技巧，且技术相当成熟，后来的罗马建筑正是发扬了这种技术而形成自己的体系的。

此外，埃特罗里亚的神庙、雕像和青铜的加工都达到了很高的水平。

2 、繁荣的帝国艺术

罗马建筑在公元前2 世纪起表现自己的特点，填料技术产生，建筑呈现出越来越复杂的形状，拱、弯、弯窿顶成为罗马建筑中广泛使用的三种形式。

罗马帝国的民间住宅也别具一格。一般具有两方面的功能：一是实用性，而是通过布局和装饰来体现主人的身份。

罗马帝国的城市规划己非常先进，从公元2 世纪起，罗马人就开始进行浩大的城建工程。

公共设施的建设得到重视，公共浴池和剧场在罗马出现，竞技场是罗马时代特有的产物，用于演出杂技和进行残酷的角斗表演。科洛西姆竞技场和哈德良万神殿是罗马建筑的杰出代表。为了纪念战争的胜利、炫耀罗马的武力征服，罗马还修建了大量的纪念性建筑物，主要有两种形式：凯旋门和纪念柱。

在雕塑方面，帝国时代的最具代表性的作品当属肖像雕刻。罗马的肖像雕刻的风格与希腊相比有很大的不同。希腊的肖像雕刻重视共性的表现，力图在雕刻中歌颂某种共同的精神和力量，而罗马的雕刻则注重突出个性，展现个人的魅力和力量。3 世纪以后，肖像雕刻失去了古典式的细腻和自然的写实风格，变成象征某种特定精神的符号。

罗马的浮雕雕刻和肖像雕刻一样也很发达，往往被做成高浮雕，与凯旋门、纪念柱、祭坛等纪念性的建筑物结合在一起，发挥强大的宣传功能，题材也始终是描述具体时刻发生的具体事件。

第二节 中世纪的艺术

公元467 年西罗马帝国的灭亡，标志着欧洲奴隶社会的结束，封建制度的逐步确立。欧洲中世纪从公元5 世纪到公元15 世纪，以中世纪西罗马帝国的衰落作为开始，终结在意大利文艺复兴之前，其盛期发生在11 世纪末到15 世纪末。

这一时期的设计受到宗教的广泛影响，伴随着政治上的稳定也出现了一次短暂的兴盛期，一种平面化、装饰化的风格主宰了中世纪的艺术设计，宣告了一种新的设计传统的诞生。由于宗教的绝对统治，使得欧洲中世纪的宗教建筑得到了极大的发展，体现了中世

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纪艺术的最高水平。

一、早期的基督教艺术与拜占庭艺术 1 、早期的基督教艺术

早期的基督教艺术采用了比较直观的艺术表达形式，还没有形成成熟的风格，往往借助于传统的形象来传达基督教义，表达基督教的精神。比较典型的是地下墓室、教堂建筑及其内部的镶嵌画和石棺雕刻。教堂建筑的典型代表是“巴西利卡”式样。

2 、拜占庭艺术

拜占庭将基督教艺术和宫廷艺术相结合，创造了一种独具特色的新的风格。在设计上它既继承了基督教艺术的某些非写实性的特征，又保留了一些希腊的古典传统，同时还从东方艺术中吸取营养，成为希腊、罗马、东方三大文明的相会点。

拜占庭艺术设计的基本特征是喜用抽象的语言形式，热衷于线条和色彩的运用，巧妙地体现光与色的变幻；抑制对三度空间的表现，而采用图案化的平面造型手法，体现人物与背景间韵律感。同时也吸取了希腊艺术中和谐、对称、均衡等原则。

拜占庭的建筑是砖的建筑，这使得从外部看，建筑物带有一种粗朴的趣味‘早期差不多都采取了早期基督教的巴西利卡式构造，但不久就发展了一种新的风格，建筑设计中开始把巴西利卡式和弯顶集中式结构结合起来，出现了带弯顶的长方形会堂形制。希腊的十字式是拜占庭最具特色的创造，成为后来拜占庭建筑最明显的特点。

镶嵌画、壁画在拜占庭时期得到了不可思议的发展，几乎在所有拜占庭时期的重要建筑内，都留下了它的杰作。镶嵌画区别于早期基督教艺术中的镶嵌画，获得了独立的发展，金色成为镶嵌画的主旋律，塑造了一种金碧辉煌的艺术效果，昭示出基督形象的不可侵犯的神圣感。圣像画是拜占庭独创的艺术形式。

二、罗马式艺术

罗马式艺术是整个中世纪非写实设计风格的高峰，它经历了一系列惊人的发展，出现了许多带有地方性特色的设计形式。法国、西班牙和英国产生了罗马式最典型的样式，而在意大利，罗马式被称之为“新拉丁”。罗马式艺术设计在总体上是为了宣泄一种宗教激情，具有强烈的表现性，主要以教堂建筑为中心，在教堂艺术上结合了其他的造型设计，形成了金碧辉煌的建筑、造型和装饰诸形式。

1 、建筑设计

罗马式艺术设计的主要成果体现在建筑设计上，不论是在宏伟或是和谐方面，罗马式建筑的结构总是朴素和克制的。

罗马式教堂全力发展了长方形的布局，长方形会堂和拉丁十字形平面的结合是教堂建筑的典型模式。拱顶是其最具独创性和特色的地方，拱顶主宰着建筑物的整个结构，保证了各个部分的统一。在法国的罗马式建筑中，涌现出了众多的建筑流派，风格之多在建筑史上堪称举世无双。英国的罗马式教堂以诺曼底风格为其特点，在n 世纪得到了迅速的发展。2 、雕刻设计

罗马式的雕刻成为建筑纯粹的装饰节奏，在罗马式设计中起着画龙点睛的作用。它没有深刻的宗教含义，其人像脸部之所以闪耀着精神生活的光辉，是由于哥特式天才已正在那儿苏醒。

三、哥特式建筑

哥特式艺术大约在12 世纪末产生于法国巴黎周围地区，在不到半个世纪内迅速风靡了欧洲大陆。

哥特式艺术是纯粹的创造力，结构、线条、装饰、灵感在这里都获得了崭新狗体现，突破了以往任何时期的形式范例，摆脱了罗马式艺术陈旧形式的束缚。哥特式艺术最成熟和最完善的体现是哥特式建筑艺术。哥特式建筑以其垂直向上的动势，形象地表现了一切朝向上帝的宗教精神，线条轻快的尖形拱门，造型挺拔的小尖塔，强化了升腾的感觉，同时也体现出了神的至高无上，从一个侧面反映出当时教会势力在封建社会中无比强大。在装饰上设计上也十分讲究，其中玫瑰窗最具特色，闪烁着神秘的光，造成种种幻觉和虚渺的气氛，赋予了一种神性的浪漫。

哥特式建筑首先在法国大发展，13 世纪扩展到了全欧洲。总的来说，哥特式是通过向垂直方向的推挤，而不是像罗马式那样向水平方向的伸展，来求得革新的，从而打破了罗马式的静态的体快，创造了哥特式的动感的旋律。

从巧世纪30 年代起，意大莉早期文艺复兴艺术中诞生了众多的艺术流派，各种艺术思潮相互渗透、相互影响，同时也相互展开斗争，这一时期以佛罗伦萨的艺术家们为代表，开拓了一条带动文艺复兴艺术积极发展的主要路线。

用科学态度来对待艺术领域的问题，是意大利文艺复兴时期艺术最明显的特征。艺术家们继承和发扬了古典艺术的优良传统，着眼于探求自然中的“美”，不是机械地去摹仿古人。布鲁涅列斯奇是文艺复兴早期最著名的多才多艺、学识渊博的巨匠，它开创了文艺复兴时代建筑的新风格，因此，艺术史上称它为近代建筑的革新家和奠基人，最杰出的贡献是建造佛罗伦萨圣玛利亚大教堂的圆屋顶，被人称为欧洲建筑史上的建筑的奇迹。

意大利文艺复兴的雕刻史上最为人称道的雕塑家之一是多纳太罗，他是近代现实主义雕刻的奠基人，其风格预示着米开朗琪罗精神的到来，最有名的作品有《 圣乔治》和《 大卫》 。3 、意大利盛期文艺复兴时期艺术

15 世纪末至16 世纪初，意大利的文艺复兴运动进入了全盛时期，，这一时期是整个文艺复兴伟大文化的最高潮。

意大利文艺复兴的纪念碑上铭刻着三个光芒四射的名字：达? 芬奇、米开朗基罗和拉菲尔。达? 芬奇的作品：《 岩间圣母》 、《 最后的晚餐》 、《 蒙娜丽莎》等；米开朗琪罗既是一位优秀的建筑家，更是一位天才的雕塑家。建筑上最伟大的作品是罗马卜皮托尔广场的布局。雕塑作品有《夜》 、《 垂死的奴隶》 、《 大卫》 等。拉菲尔被誉为“绘画之神”。他的作品平易亲切、纯真优美、庄重自然、丰富博大，洋溢着温情的韧性。其代表作《 西斯廷圣母》以其庄严博大的境界打动了人们的心灵。

第四节 风格主义

风格主义流行于盛期文艺复兴后后、巴洛克时代之前，后来扩展到整个欧洲。风格主义与人文主义理想背道而驰，脱离真实的现实而沉迷于主观感受世界，使主观主义的感受在艺术里处于首要地位，最终退化为追求新奇的矫揉造作的形象上的空虚。它并不是一个地区范围内风格协调统一的运动，而是由一些艺术家独自进行的个人的实验，他们在探索的过程中，不自觉地借鉴了所有复杂、含混、冷涩、不平衡、反自然主义的语汇，以期记录下变化的时代。

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第三节 意大利文艺复兴时期

的艺术

1 、意大利文艺复兴艺术的萌芽

14 世纪的意大利旋起了一场波澜壮阔的文艺复兴运动，“复兴”是指古希腊与古罗马艺术与文化的“再生”。艺术设计在文艺复兴时代确立了现实主义与人文主义的原则，为文艺复兴时代艺术性将来临的高潮做了准备。

2 、意大利早期文艺复兴时期的艺术

第五节 欧洲巴洛克和洛可可

艺术

近代中期的欧洲艺术史开始于17 世纪初，上承以意大利为中心的文艺复兴时期，延续至18 世纪末，共约200 年，在欧洲几个主要国家经历了巴洛克艺术、古典主义艺术、洛可可艺术和其他艺术风格或流派的发展高峰。其中，巴洛克艺术发源于意大利，古典主义艺术和洛可可艺术则在法国特别兴盛。

1 、巴洛克设计艺术

巴洛克设计突破了古典艺术的常规，一反文艺复兴时期形成的追求高度写实与和谐端庄的人文主义传统，以鲜明饱满的色彩和扭曲动荡的曲线，而追求华丽、夸张、怪诞和壮观的表面效果。通过光线变化和形体的动感来塑造一种精神气氛，从而把现实生活和激情幻想结合在一起，创造出一种、凉心动魄的戏剧性趣味。

建筑设计在形式上刻意追求反常出奇、标新立异的效果，外观自由奔放，线条曲折多变，建筑的构图节奏不稳定，常常不规则地跳跃。在装饰上多采用曲线，使用扭曲多变的纹样形式，成为复杂迂回的形状，喜用大量的色彩绚丽的壁画和姿势夸张的雕像，多以历史和神话故事为题材。主要建筑师是波罗米尼和贝尼尼。

巴洛克雕塑设计是附属在巴洛克建筑之上的，在雕刻方面，艺术大师贝尼尼的成就最为耀眼。作品有《 大卫》 和《 圣德列萨的神谜》 。

工艺设计方面，主要体现家具设甘方面。家具设计的特色是热衷于运用新材料和新技术，整体制作喜欢用华丽的装饰，极具流动感。玻璃器皿和瓷器的设计和制作工艺也得到了发展.

2 、古典主义

在欧洲艺术史上，古典主义指的是以古希腊和古罗马艺术为典范的艺术，一般具有明晰、严谨、想象和谐的特点，歌颂理想主义，气魄宏大，多以神话、圣经和历史事迹为题材。面对巴洛克焕发的巨大魅力，法国人更愿意继承文艺复兴的传统，到16 世纪的古典大师那里寻找灵感，追求庄严、雄伟并且符合规范的艺术理想，在理想的智慧和原则的指导之下，创造伟大的作品。

17 世纪，法国的古典主义是君主专制政权下的产物，得到王权的支持、倡导和钟爱，打上了深深的官

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方烙印。

古典主义的建筑风格以水平、垂直、明晰、理性为基础，向巴洛克的曲线造型发起了挑战，带有古典倾向最具代表性的建筑作品是残废军人宫和卢浮宫的立面。17 世纪90 年代，西方最辉煌、最庞大的宫殿建筑群― 凡尔赛宫开始建造，是法国最伟大的古典名胜，成为欧洲王宫建筑的典范。

3 、洛可可艺术

“洛可可艺术“主要盛行于法国路易十五时代，大量采用曲线型的贝壳纹样，雅致、精细、轻盈、活泼，结构巧妙，给人一种意趣盎然的感受。洛可可最初是在室内的装饰设计中出现，后来扩展到了雕刻和绘画领域，在法国，它雄踞了整个建筑和家具领域。洛可可轻盈、精美的风格十分适合居住面积不大的现代公寓，因此，最漂亮的洛可可建筑都出现在私人公馆中，大量使用曲线形的花草、贝壳、漩涡纹样。此外，洛可可艺术的特殊贡献是引发了意大利舞台设计的变革。

工艺方面，设计家从大自然中吸取灵感，把动植物某些生长的规律和外在形态的某些特点作为装饰的因素加以发展，并应用到一切小工艺品中。室内装饰器物的设计最为典型地体现了洛可可风格。

洛可可雕塑作为建筑物的装饰物的功能也特别明显，法尔康奈是18 世纪法国最著名的雕塑家，著名代表作是《浴女》 。

第六节 新古典主义和浪漫主

义

1 、新古典主义

新古典主义是从18 世纪下半期至19 世纪上半期封建社会向资本主义社会过渡的时期，在欧洲各国兴起的艺术流派，它起源于法国，是对18 世纪流行于封建宫廷的洛可可艺术的强有力的反抗。

新古典主义对古代希腊、罗马艺术非常热衷与向往，以回归希腊― 罗马艺术形式为特点，提倡博爱自由的理想和古代艺禾的严肃高尚的形象，提倡严重、严谨、单纯、简洁、明确的形式和严格的选择题材，提倡构图的完整和均衡。

18 世纪60 年代至19 世纪末，欧美盛行着古典的建筑式样。建筑吸收了古典艺术的传统，在设计上表现出罗马建筑的严谨雄伟和希腊设计优雅精妙的结合。洛可可繁多的装饰不见了，取而代之的是简洁庄

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