外美史复习全部资料整理（背诵版）

外美史复习资料整理

第一章 原始美术

洞窟壁画：欧洲史前时期画于洞窟壁上的绘画作品，其中也包括泥塑和浮雕。表现内容以动物为主，手法生动而写实。代表者是法国的拉斯科洞窟和西班牙的阿尔塔米拉洞窟。

拉斯科洞窟：发现于1940年，绘制了打量的野牛，驯鹿和野马等原始动物，原始画家用粗壮而简练的黑线勾画出轮廓，并用红、褐、黑色渲染出动物的体积和结构。气势雄壮，富有动感，充满粗犷的原始气息，和野性的生命力。

阿尔塔米拉洞窟：发现于19世纪下半期，其测洞“公牛大厅”中最突出的是长达两米的《受伤的野牛》，刻画了野牛在受伤之后的蜷曲、挣扎，准确有力地表现了动物的结构和动态。与拉斯科洞窟不同的是，阿尔塔米拉洞窟壁画轮廓线比较细，而且有明暗向背的粗细浓淡变化，与色彩渲染结合紧密，通过动态表现动物身体的结构，明暗起伏更为丰富，甚至感情也更细腻，但却不如拉斯科洞窟壁画那样奔放有力。

母神雕像：在欧洲很多国家都出土了一大批圆雕和浮雕的女裸体雕像，这些雕像的共同特征是夸大女性的生理特点，突出表现女性的乳房、腹部、大腿等，体现出原始时期人们对母性生殖的崇拜，被人们称之为“原始的维纳斯”。代表作《威伦道夫的维纳斯》。

北欧岩画：分写实与抽象两大类风格。写实风格属于渔猎部落人的作品，表现了与实物同样大小的动物形象，以线刻为主，极为写实。抽象风格属于农牧民的作品，他们把动物简化为抽象的图形，最后演变成几何图形，反映出一定的抽象概括能力，孕育了工艺美术的萌芽。

拉文特岩画：是表现人类活动的情节性绘画。它们以人类狩猎为主要情节，以表现人物、动物的运动和速度为特点，把运动中的形象表现为剪影的效果或带状样式，以拉长的四肢和夸张的动作强调动态，表现狩猎场面中的紧张和活力。构图具有浓厚的情节性和生活气息，但忽略细节刻画，用色单纯。

济古拉特：苏美尔人最重要的塔庙建筑，建在几个用土垒起的大台基上，气势十分壮观，类似埃及和墨西哥金字塔。

苏美尔—阿卡德时期的雕塑：以男女神像为主，注重表现人物的内在精神，身体造型程式化，倾向于圆锥体或圆筒形，着重刻画头部和眼睛。代表：《阿卡德国王头像》，《纳拉姆辛浮雕石板》。绘画：《乌尔的旗帜》。工艺美术：《公山羊与圣树》。

汉谟拉比法典：汉谟拉比建立巴比伦王国并颁布法典，法典刻在磨光的玄武石碑上，上部为浮雕，下部为文字。浮雕刻画了太阳神沙马什向汉谟拉比授予法典的场面：太阳神正襟端坐，身材高大，正在向汉谟拉比授予权杖和法环，汉谟拉比肃然而立。太阳神的威严和汉谟拉比的谦恭形成有力的对比，整个场面充满了庄严肃穆的宗教气息。

金字塔：是埃及古王国法老的陵墓，具有巨大的体积和重量，给人以精神上的压力。金字塔

的外观对称、稳定，给人以坚不可摧的印象，象征着法老的威严地位，也说明了埃及人顽强的意志力。代表：吉萨金字塔群（哈夫拉，孟卡拉，胡夫金字塔）。

埃及雕刻程式：

1）姿势必须保持直立，双臂紧靠躯体，正面直对观众。 2）根据人物的地位尊卑定比例大小

3）人物着重刻画头部，其他部位十分简略

4）面部轮廓写实，又有理想化修饰，表情庄严，感情表现很少

5）雕像着色，眼睛瞄黑，有的眼睛用水晶，石英等材料镶嵌，以达到逼真的效果 代表作：狮身人面像，《拉荷切普王子与其妻坐像》，《老村长像》，《书吏凯伊》。

埃及浮雕及壁画的共同程式：

1） 正面律：表现为人物头部为正侧面，眼为正面，肩为正面，腰部以下为正侧面 2） 横带状排列结构，用水平线划分画面

3） 根据人物的地位尊卑安排比例大小和构图位置 4） 填充法，画面充实，不留空白

5） 固定的色彩程式，男子皮肤多为褐色，女子多为浅褐色和淡黄色，头发为蓝黑色，眼圈

为黑色

方尖碑：立于中王国时期陵墓庙宇享殿入口处两侧，是太阳光芒的象征，主体为正方形，顶端为尖锥形，它的造型像一把朝天的宝剑，上面刻有国王的名讳，封号。

荷马时代：古希腊美术的最早时期，根据《荷马史诗》的作者名字命名，是神话形成期，也是造型艺术的萌芽时期。这一时期的造型艺术作品是几何纹风格的陶瓶，造型简朴，大小不一，用于敬神和陪葬。其他陪葬用的小雕像也是几何形的，没有细节刻画，因此这一时期又被称为“集合风格时期”。

古风时期瓶画：先后出现三种风格：

1） 东方风格，收埃及、两河地区影响，多为兽首人身像和植物纹样等

2） 黑绘风格，出现于公元前6世纪初，是把主体人物涂成黑色，背景保持陶土的赭色，使

形象轮廓突出，有如剪影。代表作《阿喀琉斯与埃阿斯玩骰子》

3） 红绘风格，出现于公元前6世纪末，与黑绘风格相反，是在背景上涂以黑色，留下主体

部分的赭色，人物细部用线来描绘，这种风格主要流行于古典时期。

古风时期三大柱式：

1） 多利亚式：没有柱基，柱子直接立在建筑的台基上，柱身粗壮，由下往上逐渐缩小，中

间略为鼓出，好像人的肌肉在负重，产生一种紧张情况下稍微突起的效果，显示出承受压力时的坚忍，挺拔，严峻的气势。柱头简单，由方形柱冠和圆盘组成，没有任何装饰，柱身刻有垂直、平行的线凹槽。

2） 伊奥尼亚式：精巧、纤细、柔美，有柱基，柱身比较细长，上下变化不大，柱身凹槽也

更细密，更深。柱头带涡形卷，檐壁有浮雕饰带，整个感觉匀称轻快。

3） 科林斯式：是从伊奥尼亚式演变过来的，只是柱头更为华丽，像一个花篮，这种样式主

要流行于小亚细亚地区。

古风时期雕塑：开始出现大型圆雕和建筑装饰雕刻，但雕像仍处于正面的呆板，僵硬阶段，显然还受埃及程式化的影响，但又不及埃及雕刻成熟。人物直立像一根柱子，女性的衣纹刻成一根根平行线。为追求生动的表情，人物脸部都带有微笑，这种千篇一律的笑容被称为“古风的微笑”。人物通常着色，衣纹和头发刻画常具有装饰性特点。古风后期，艺术家竭力摆脱东方程式，创造新的形象，开始出现健美的青年男人体，后来被人称为“阿波罗”。代表作：《荷犊者》，《受伤的战士》。

古典时期雕塑：已完全摆脱古风时期的拘束和装饰性，产生了写实而理想的人体，达到了希腊雕刻艺术的鼎盛时期，出现了一大批优秀的雕刻家。这一时期，希腊雕刻形成了理想化的脸型：椭圆的脸，直鼻梁，平展的额头，端正的弧形眉，扁桃形的眼睛，嘴唇微微鼓起，下唇比上唇丰满，嘴角微微下垂，发髻刻成有组织的波纹，人物表情宁静而严肃。代表作：米隆的《掷铁饼者》，巴底农神庙浮雕《命运三女神》，波留克列特斯的《持矛者》，普拉克西特列斯的《赫尔墨斯与小酒神》，《尼多斯的阿芙罗狄忒》。

希腊化时期艺术：所谓希腊化，指随着希腊人东征，繁荣发达的希腊文明向小亚细亚，埃及，波斯及至印度河地区传播，这一时期的希腊艺术冲破了原来的区域性限制，走向更广阔的世界，影响广泛并同时融合了多地文化。这一时期的美术成就主要表现在雕塑。艺术形成了以不同地域为中心的各种风格。本土地区仍然保持着希腊古典传统，但在技巧上更加纯熟，在题材上也有很大的开拓。代表作有《萨莫色雷斯的胜利女神》，《米诺斯的阿芙洛狄忒》，小亚细亚帕加摩斯的《宙斯祭坛浮雕》，罗德岛的《拉奥孔》。

与古希腊艺术相比，古罗马艺术有哪些特点：

1） 古罗马艺术没有希腊艺术那样的浪漫主义和幻想成分，而是具有写实和叙事性的特征。 2） 罗马艺术风格不像希腊那样单纯，它的渊源复杂，既受了伊特鲁里亚影响，又吸收了希

腊，埃及，两河地区文化的影响。

3） 希腊艺术主要用于敬神，围绕神庙和祭祀，纪念活动进行创作，带有理性化的色彩。罗

马人的艺术大多是以给帝王歌颂功德，满足罗马贵族奢侈的生活需要为目的的。 4） 希腊雕塑强调的是共性和民族精神，而罗马人要求的是个性特征鲜明的肖像。

5） 在建筑方面，罗马人取得了独特的成就，他们在技术和结构上都比希腊的建筑艺术有所

进步，在建筑类型上也比希腊更丰富。 总之，希腊艺术是理想主义的，简朴的，强调共性的，典雅精致的；罗马艺术是实用主义的，享乐的，强调个性的，宏伟壮丽的。

米诺斯的阿芙洛狄忒：希腊化时期雕塑，造型具有古典的理想美，它融合了希腊古典雕刻中优美与崇高两种风格，既有菲迪亚斯的庄严崇高，又有普拉克西特列斯的优美抒情，它以其空间的体积感和女人体的柔美而具有永恒的魅力。

第二章 中世纪美术

巴西里卡：罗马一种常见的公共建筑，平面呈长方形，中廊较宽，两旁有列柱分割过廊，平时供市民集会使用。由于基督教没有建筑传统，只好借用这种建筑形式，并在一端加上祭坛，并饰以宗教题材绘画，这种形式为后来的西方基督教堂的样式定了基调。代表建筑：圣彼得大教堂。

拜占庭艺术：是欧洲中世纪以东罗马帝国首都拜占庭为中心发展起来的基督教艺术。在拜占庭艺术中可以明显看到古希腊罗马传统的强大影响。其建筑运用拱券，穹顶，以彩色琉璃砖做装饰，内部有金色的镶嵌画。其绘画主要是非写实性的抽象艺术式样，如抑制对空间各深度的表现，热衷于线条与色彩的运用等。主要继承罗马风格，早期教堂主要沿用罗马陵墓圆形或多边形的平面结构和万神庙式的圆穹顶，穹顶结构被加以变化，形成由大小不同的穹顶连续构成开阔高大的内部空间的特殊形式。到了中后期，四边侧翼相等的希腊十字式平面取代了圆形，多边形形式，成为了教堂布局的主要模式，穹顶被沿用下来，成为控制内部空间和外部形象的主要因素。

圣索菲亚教堂：拜占庭艺术中最辉煌的成就之一，建于532年至537年，在构思和技巧上受罗马万神庙的影响很大。主要部分是一个巨大的半圆穹顶，东西两头连接着两个小的半圆穹顶，每个半圆左右两端又接上更小的半圆穹，南北两边则是圆拱形的墙体，下面由两层列柱和厚实的墙体支撑，列柱后面又有侧廊，这样就形成了一个高大宽阔的，气势磅礴而又节奏分明的内部空间。（它的平面结构，窗间壁柱外的飞梁仍有巴西里卡的特征。圆顶是在四个拱门之上，上面整个圆顶的重量都经过四个拱柱传达到四个角的方块柱上，而拱门下面的墙并没有负担重量的功能。）

罗马式美术：10世纪以后，西欧经济水平提高，封建制度稳固；作为社会精神支柱的教会势力也与贵族力量并行发展，特别是修道院制度更为完善；十字军东征和大规模的传道活动扩充了教会的势力和影响；对圣人遗物的崇拜，掀起了各地朝拜的热潮。经济的发展和宗教的狂热使新的修道院和教堂层出不穷，为了追求更加壮观的效果，这些建筑普遍采用类似古罗马的拱顶和梁柱结合体系，并大量采用希腊罗马时代的“纪念碑”式雕刻来装饰教堂，因此这个时代的风格被称为“罗马式”。

罗马式教堂：相比之前的教堂数量更多，更巨大，华丽，在外部墙面上有许多建筑装饰品和雕塑。罗马式教堂是从巴西里卡演变过来的，并开始用石头屋顶代替过去的木顶。为了支持石头屋顶的重量，在结构上广泛运用拱券，创造出用复杂的骨架体系建筑拱顶的办法。同时，丁字形的巴西利卡式发展成为拉丁十字，以满足复杂的宗教仪式容纳更多教徒的需要。在封建割据的情况下，罗马式教堂也具有封建城堡的特点，石墙很厚，窗户小，距离地面搞，教堂前后往往配置碉堡似的塔楼，后来塔楼逐渐固定在西面正门的两侧，成为罗马式建筑的标志之一。代表建筑：英国杜勒姆教堂。

加洛林文艺复兴：是发生在公元8世纪前后欧洲中世纪历史上的一次重要社会文化现象，也被称为是“欧洲的第一次觉醒”。法兰克国王查理曼经历数十年战争，把西欧大部分地区统一起来，建立了加洛林王朝，在罗马接受册封，成为西罗马覆灭后300余年西欧第一个皇帝。查理曼的理想是恢复昔日罗马的繁盛，在文化上恢复罗马的传统，同时也希望借此恢复罗马帝国的封号。他召集了一批文人学者在首都阿琛收集整理古籍，让艺术家仿造古典样式进行

创作，以宫廷为中心形成了复兴古典文化的潮流，历史上称之为“加洛林文艺复兴”。

哥特式建筑的特点： 1） 平面一般是十字架形 2） 高耸的塔楼多为尖笋状

3） 斜柱加固支撑较薄墙面，形成特殊的外墙结构

4） 薄壳般的穹顶正中开有三个大门，中间的大门为主要通道，内部轻盈，裸露的棱线飞肋

骨架形成穹窿空间

5） 高大宽敞的内部空间，彩色玻璃窗扩大到整面墙，具有良好的采光性能

6） 窗户多为植物的叶片式，窗户上的图案由彩色玻璃镶嵌而成，内容多为圣经故事 7） 以蛮族的粗犷奔放，灵巧，上升的力量体现教会的神圣精神。 代表建筑：巴黎圣母院，圣德尼教堂，夏特尔大教堂，科隆大教堂

以圣德尼教堂为例论述哥特式建筑与罗马式的区别：

1） 后者有着结实而厚重的墙壁，而前者具有轻盈，纤细的结构 2） 后者建有沉重的拱顶，其稳定性取决于足够厚度的墙壁，以支撑各种各样的压力和应力。

前者采用尖券和肋拱来减轻拱顶的重量，比半圆形的拱顶更为稳固，并能够跨越各种形状的开间。

3） 罗马式建筑中，窗户总是很小，而哥特式的窗户尺寸大大增加，允许空前规模地采用彩

色玻璃面

4） 圣德尼教堂的平面遵循了带有呈放射状分布的后堂回廊式型制，礼拜堂不再像早先那样

呈独立的单元，而是除去礼拜堂间的墙壁，造成一种统一的空间效果。昏暗的罗马室内被宽敞，开放，充满各色光线的结构所取代

巴黎圣母院：建于1163年，是最著名的哥特式教堂。受圣德尼教堂影响。在平面布局中它强调的是长度轴心，中堂的若干布局保留了罗马式的特点，但大气窗上的窗户，室内的采光和所有的形体瘦长的造型等等都创造了一种显著的哥特风格。教堂内部所有细节都充满着上升的直线，具有哥特风格特有的一“向上高升”的感觉。下层以廊柱和尖拱构成，中层是带侧廊的隔层，上面为明亮的玻璃窗，三层之间以细长的石柱相连，最后集于肋穹中心，各层皆以尖拱相互呼应，统一。其西面工程以中间圆形玫瑰窗为中心向四周放射状的分布着门洞，窗户和未完的塔楼，达到了整体上的完美均衡。

哥特式现实主义：12到15世纪，由于苏热（路易七世的掌玺官）对圣德尼教堂修建过程中雕塑的重视，使这一时期的雕塑呈现出越来越脱离建筑结构而走向独立的倾向。其表现手法也越来越写实，自觉的模仿自然形象，特别是追求感情的表现，形成所谓的“哥特式现实主义”。

彩色玻璃镶嵌画：在罗马式时期已开始使用，但窗户较小未起装饰作用，哥特式时期窗面大幅增加，于是玻璃画成为哥特式艺术不可分割的一部分。哥特式的彩染玻璃画并不是由一整块玻璃组成，由于中世纪玻璃制造工艺较原始，小块玻璃的尺寸受限制，艺术家不能直接在玻璃上画画，而是像镶嵌画一样，用不规则的碎片玻璃经过剪裁后嵌在轮廓线中。小块玻璃是通过在熔炉内添加不同材料而呈现出不同颜色。

早表现农民和下层人民生活的画家之一，其铜版画《农民和他的妻子》、《三个农民在谈话》、《农民舞蹈》等，都从不同角度描绘了劳动人民。他的版画不但数量多、技艺完美而且蕴藏着丰富的哲理。如《骑士、死神和魔鬼》、《书斋中的圣哲罗姆》和《忧郁1》。

《伊森海姆祭坛画》：格吕内瓦尔德的这幅画的绘画语言和造型符号整体是根据它基本的意义安排的。他的作品拒绝了意大利文艺复兴的美学观，忠实于民族的传统和哥特式绘画的传统——坚硬线条和断续破裂的棱角，这种抗拒外来影响的态度，表达了1525年帝国会议对罗马教会的抗拒精神。哥特式艺术与文艺复兴艺术的冲突传达了意大利文艺复兴与德国宗教改革的冲突。因此，《伊森海姆祭坛画》成为16世纪德国艺术的瑰宝之一。

多瑙河画派：16世纪德国的一个风景画派。这个画派并不是学院意义上的画派，确切地应称之为“多瑙”风格，标志着风景画的一种风格。丢勒在第一次意大利旅行期间画过大量水彩风景；老克拉纳赫在维也纳时代，也曾以抒情情调描绘过风景，他们都为多瑙河画派的形成进行过实践与准备。代表画家：阿尔布雷希特·阿尔特多费尔，沃尔夫·胡贝尔。

荷尔拜因：又叫小汉斯·荷尔拜因。1519年加入巴塞尔的画家公会，创作了大量壁画、肖像画、祭坛画与书籍插图。在瑞士时与一些人文主义学者过从甚密，为他们绘制了肖像画。1526年成为英国国王的宫廷画家。他是那个时代北欧最伟大的肖像画家，其作品表现了描绘对象的高贵、静穆与专注。

西班牙文艺复兴时期美术：14至15世纪时西班牙文艺复兴的早期。早期文艺复兴美术主要产生于沿地中海的一些经济比较发达的地区，当时最主要的两个画派是加泰罗尼亚画派和瓦伦西亚画派。西班牙文艺复兴美术产生的原因：

1） 国内的条件，长达数百年的反抗阿拉伯人的斗争逐渐取得胜利，提供了环境 2） 国外的条件，意大利和尼德兰文艺复兴对西班牙产生了影响 西班牙文艺复兴美术的特点是：不同于意大利，它缺乏雄厚的人文主义思想。西班牙的王权、贵族和教会的势力太大，资本主义发展却又先天不足，人文主义思想无法扎根。由于宗教裁判所的干预，美术中很少有裸体形象，特别是对女性裸体的描绘。从绘画方面看，由于受艺术品订货人所支配，令创作题材集中于两个方面：一是歌颂国王、贵族和帝国历史；二是描绘宗教故事。

莫拉雷斯：是西班牙最早的以为样式主义艺术家，由于他的作品有着神秘主义的色彩，所以人们送给她一个绰号叫“神人”。他创作了一系列宗教画，如《圣母子像》等。在这些作品中，人物的比例稍嫌夸张，苍白和拉长的圣母玛利亚脸上总是带着中世纪禁欲主义的表情。不仅圣母是这样，连她怀中的圣婴也经常表现出郁郁寡欢的样子。

格列柯：他的作品中经常反映出苦闷、沉思、怀疑、骚动不安的情调，这与他所处的时代、社会有关。格列柯是一个很有才能的画家，也是一个在思想上充满矛盾的画家。他不满意西班牙的上层社会，但又无法从贵族的圈子里走出去和下层人民接触。他用一双悲剧性的眼睛注视着现实，正如美术史论家芬克斯坦所说：“在埃尔·格列柯看来，周围的整个世界在崩溃”。他笔下的人物和风景常常是变形的，这正是他当时心境的反映。格列柯的肖像画也非常有价值，他是位传神写真的能手，擅于深入细致地刻画人物的心灵世界，很注重描绘人物的眼和手。代表作：《奥尔加斯伯爵的下葬》，《尼·德·格瓦拉》。

16世纪与17世纪之交的其他地方画家：现实主义的艺术开始发展起来，代表艺术家有： 1） 里巴尔达：瓦伦西亚画派的画家，是后来“黄金时期”著名画家里贝拉的老师，也是西

班牙最早的卡拉瓦乔主义艺术的代表之一。他在描绘宗教故事和宗教人物时尽量从生活的角度出发，使之具有世俗化的特色，如《圣布鲁诺》，《使徒彼得》，《福音的传道者路加》

2） 老法·埃尔连拉：塞维利亚画派的重要代表。除了绘制一些宗教题材画如《伟大的圣瓦

西里》等，还直接取材于现世生活。创作了一批反映市井街头的风俗画，他的艺术曾给苏巴朗和委拉斯贵支以积极的影响，如《盲歌手》

3） 巴切柯：塞维利亚画派画家，艺术理论家，出版有《绘画艺术》，代表作《圣第雅各勋

章的骑士》），柯单（静物画家，卡拉瓦乔的追随者，擅长描绘日常生活中的静物，作品真实、宁静、自然、和谐，有着一种几何图形的美，柔和的自然光散布其间，构成微妙的色彩对比，如《野味蔬果静物》

枫丹白露画派：是16世纪活跃在法国宫廷的美术流派。在造型上注重线性韵味，追求技巧完美，具有浓厚的贵族化气息。在宫殿的庭院和室内装饰方面，受样式主义风格影响，表现与意大利文艺复兴理想迥然不同的风格，对北欧各国的发展有一定的影响。特点是：艺术为王宫服务，因而带有华丽与歌功颂德的特色。当然，他们还有更为积极的一面，这就是为法国培养了艺术人才，促进了法国与意大利艺术的交流。代表画家及作品：罗索，普利马蒂乔《百合花装饰的大象》，《巴尔奈斯》。老古赞《潘多拉魔瓶前的夏娃》，小古赞《最后的审判》。

第四章 17、18世纪欧洲美术

意大利17、18世纪的美术：这一时期的美术处在一个历史的转折期，有着承前启后的作用，继承了文艺复兴时期美术的某些传统，又开辟了一个新的时代，多姿多彩，并对后来的欧洲美术有着深刻的影响。学院派美术影响了古典主义艺术的发展；巴洛克艺术影响了洛可可和浪漫主义艺术；而卡拉瓦乔的艺术不仅在当时影响了欧洲各国的现实主义艺术，还对18世纪的市民艺术、19世纪的批判现实主义艺术都产生了深远的影响。这一时期艺术家的队伍更加分化，不同的艺术思想和流派间的竞争与摩擦更加激烈。

学院派美术：欧洲最早的美术学院是意大利的博洛尼亚学院，创始人是卡拉奇兄弟。学院产生的原因一是为了继承先辈大师的艺术传统，总结先人的经验，并在此基础上培养新的艺术人才；二是企图把年轻的艺术家引向所谓正路，是他们不受样式主义美术和卡拉瓦乔主义美术的干扰。学院派的主张是力求订出一些法则，使人们遵循，如强调绘画中最高的标准是：米开朗基罗的人体、拉斐尔的素描、柯罗乔的典雅与风韵、威尼斯画派的色彩等等。所以说学院派的艺术从一开始就有折衷主义的特色。由于过分强调法则，所以学院派的画家比较保守，缺乏创新精神。他们作品的题材也比较狭窄，大都是描绘宗教或神话，而对世俗生活的题材往往不感兴趣。在技法上比较偏重于素描而轻视色彩，以上这些特点都为古典主义美术的发展奠定了基调。

卡拉奇兄弟：博洛尼亚学院的创始人，其中的阿尼巴·卡拉奇是最为出名的一个，他善作大型壁画，也作祭坛画和架上画。他为罗马法尔内塞宫所作的天顶画尤为出色，风格很近似米开朗基罗，构图宏大，人物生物。《酒神巴库斯和阿里阿德涅》，《美惠女神为维纳斯梳妆打扮》，

其他学院派画家：

1） 格·列尼：博洛尼亚学院派的重要后继者之一。他的画素描严谨、色调明快且富有抒情

特色。他的作品很受一些上层人士的欢迎。代表作：《曙光女神》，《欧罗巴被劫》。 2） 圭尔奇诺：他是学院派中最具有豪放特色的画家，其画风雄浑凝重，笔触宽大流畅，人

体具有雕塑感，受威尼斯画派的影响，卡拉瓦乔的艺术也曾给他以一定的影响。代表作：《曙光女神》，《圣克拉拉》，《狄安娜沐浴》，《巫女》。 3） 多名尼基诺：拉斐尔画风的追随者。代表作《圣哲罗姆的最后圣餐》，《抱独角兽的妇人》。 4） 乔凡尼·朗佛朗可：崇尚古典主义的画风，作品庄重典雅。在艺术上主要受柯罗乔等人

的影响，擅长作带有幻觉意义的天顶画。代表作：圣真纳罗礼拜堂天顶画，《皇帝的葬礼》等。

卡拉瓦乔：与样式主义艺术和学院派艺术相对立的是现实主义艺术，代表人物是米开朗基罗·达·卡拉瓦乔。卡拉瓦乔的艺术具有鲜明的民主主义思想色彩，他早期的重要作品有《包水果篮的孩子》，《酒神巴库斯》，《逃往埃及途中》，《弹曼陀铃的姑娘》，《女卜者》，《水果篮》等。作品都有着浓郁的生活气息。静物画在17世纪是不被重视的题材，而卡拉瓦乔却把它放在重要地位。卡拉瓦乔对生活的大胆探索引起了保守派的不满，而他的艺术的真正价值也正在这里。卡拉瓦乔从生活到艺术都是一个叛逆者和革新者，他对宗教画的理解是应该把流浪汉、农民、渔夫的形象引进神圣的教堂。这种把宗教题材世俗化的观点在当时无疑是有进步意义的。在绘画技术上的革新：对光、色、空间、运动的研究；开放式构图，人物多处于前景，画面上的人物与观众结合在一起已产生交流，不规则构图且宏大；光和色的结合成为

一个整体，从而产生真实鲜明的艺术效果，并且突出画面的平面。

卡拉瓦乔主义：追求艺术的真实性，反复强调要很好的模仿自然。不为传统所局限，主张勇敢的面对未来，敢于真实的反映自己的时代，不加粉饰地去描绘现世生活。对之后的很多画家都有很大的影响。

为什么卡拉瓦乔的画常常会引起争议：一是他把目光对准下层，专门画那些被侮辱、被损害者的形象；二是他对自己所处的社会抱有批判和怀疑的态度，而他的这种怀疑与批判被一些人看作是叛逆的表现，所以人们把他看作是“不合群的人”。

如何评价卡拉瓦乔的艺术：概括地看，他的艺术可贵之处首先在于追求艺术的真实性，反复强调要很好地模仿自然。他和古典主义绘画传统的分歧就在这里。他认为：对于艺术家来说，仅仅表现自然实物就足够了。这绝不意味着他否定传统，他对文艺复兴时期大师的作品是非常尊重的，但是他不为传统所局限，他不愿意总是回头看，而是主张勇敢地面对未来，敢于真实地反映自己的时代，不加粉饰地去描绘现世生活。正像有人这样认为：用不着强调卡拉瓦乔把普通人的生活带到了祭坛，他正是把这种普通人的生活与那些显贵的假慈悲相抗衡，他常常把一些下层人描绘成圣徒、圣母子和圣哲的样子。在下层人身上发现美和智慧，这是他的基本信条。这不是处于好奇或是开玩笑，而是由于他具有与古典主义完全对立的美学思想。

卡拉瓦乔的追随者：

1） 欧·真蒂莱斯琪：其作品重视光暗对比。代表作《逃往埃及路上的休息》，《达那厄》。 2） 阿·真蒂莱斯琪：她喜欢描绘一些英雄妇女的题材，代表作《朱迪斯与荷洛芬斯》 3） 列·斯巴达：他的艺术风格很接近卡拉瓦乔，有人经常把他的画误认为是卡拉瓦乔的作

品。代表作《圣彼得受难图》。

4） 巴·曼夫列迪：他学习卡拉瓦乔几乎可以乱真，作品中的人物粗犷有力，富有雕塑感。

代表作《弹鲁特琴的青年》，《四季》，《圣彼得否认基督》，《女卜者》等。

5） 卡洛·萨拉塞尼：画风注重光暗的强烈对比，人物质朴写实。代表作《圣母之死》，《圣

且契利亚和天使》。

6） 马·普列基：那不勒斯画派的画家，擅长湿壁画和架上画，在艺术上既接受卡拉瓦乔艺

术的感染，又有学院派艺术的倾向。代表作《音乐会》，《牧人来访》。

其他地方画派： 1） 热那亚画派：代表是别·斯特劳资，他善于画一些带有世俗风味的宗教题材画和风俗画，

受卡拉瓦乔影响，把宗教题材当作日常生活来描绘。其光线的运用和人物的半身构图手法非常近似卡拉瓦乔的作品。代表作《托比特的痊愈》，《女演奏家》，《吹号的人》等。 2） 曼图亚画派：代表是多·菲奇，曾接替鲁本斯成为曼图亚的宫廷画家，在艺术上仰慕卡

拉瓦乔、鲁本斯和叶勒斯海莫。代表作《演员肖像》，《遗失银币的寓言》，《犹豫》等。 3） 那不勒斯画派：代表是萨·洛撒，他善于作风景画、肖像画、历史画，在创作上往往带

有浪漫主义的气息。他在风景画中喜欢点缀一些人物，这些人物大都是一些海盗。其实这些强盗中不少是当时意大利破了产的农民。画家在描绘这些流浪汉或强盗时，总是带着同情或赞美的态度。代表作《男子肖像》，《赛勒湾》，《浪子》，《战斗》《有桥的风景》，《岩岸上的海盗》等。

巴洛克美术的风格特点： 1） 它有豪华的特色，由于服务对象主要是上层人物和贵族，故而力求豪华。巴洛克的建筑、

绘画、雕刻以及工艺品都显得十分壮观、豪华。为了表现这种奢侈的风格，他们在建筑和雕刻上不惜使用贵重材料，如各色的大理石、宝石、青铜、金子等。

2） 它具有浓郁了狼们注意色彩，强调非理性的无穷幻想与幻觉，极力打破和谐与平静。巴

洛克的雕刻和绘画都充满了紧张的喜剧气氛。 3） 它富有激情，巴洛克的美术作品总是充满强烈的感情色彩，反映了作者内心的感情世界：

悲伤、欢乐、神秘、恐惧等。

4） 它具有运动感，在内容上是充满激情的，而它的外在形式则强调运动感。运动可是说是

巴洛克艺术的灵魂。

5） 它的表现语言具有综合性。巴洛克美术十分强调综合的特点，而且有多种综合的形式，

一种是建筑和雕刻、绘画的综合；一种是建筑物本身各个部分的综合。巴洛克的建筑物是开放式的。

6） 它具有浓厚的宗教色彩。巴洛克艺术与天主教有密切的关系，在作品的题材方面，一般

多表现一些殉教、幻觉的故事和情节。巴洛克美术并未放弃神话题材，不过宗教题材还是占有主要地位。

贝尼尼：是意大利巴洛克风格中最著名的雕刻家、建筑家、画家。他一生为好几代教皇服务，并都能博得当权者的欢心。贝尼尼可谓是个艺术全才，特别是在雕刻方面，丰富了雕刻的手段，技艺娴熟，善于表现光和运动。他的局限性主要表现在：由于身居高位，在艺术创作上日益脱离生活，这在后期表现尤为明显。贝尼尼的艺术不仅继承了文艺复兴人文主义的精神与传统，也继承了希腊艺术的传统，他是米开朗基罗之后、罗丹之前最有才能的雕刻家之一。他在创作上很有标新立异和突破传统的勇气。他有为宗教服务的一面，是一个虔诚的宗教徒，但是在艺术创作上，他又往往表现出强烈的世俗情结。代表作品有：雕塑《普鲁东抢劫珀耳塞福涅》（为主教所作，这件作品充满了戏剧气氛，生动地表现了冥王和少女的对抗。对抗是激烈的，在对抗中表现了力量和运动，也很富有空间感），《阿波罗和达芙妮》（这件作品表现了两个处在运动中的人体，给人以轻盈、优美、乘风向上和如梦如幻的感觉），圣彼得大教堂的青铜华盖，《圣德列萨祭坛雕塑》，《四河》喷泉等。建筑《圣安德列·阿里·克维里纳列教堂》。

意大利巴洛克建筑：在世界建筑史上占有重要的地位。一些巴洛克的建筑家大胆地突破文艺复兴时期古典主义的建筑原则，努力运用新的手法和新的语言，他们可以说是建筑领域里的浪漫主义的代表。代表建筑有：罗马的耶稣会教堂（最早的巴洛克建筑之一），马诺丹的代表作圣苏珊娜教堂，罗马圣马利亚·德拉·芭齐教堂，圣卡罗教堂，迈特依府邸等。

18世纪的意大利美术：各流派艺术出现了衰落的倾向，这时只有威尼斯画派还继续保持了一定的繁荣。流派繁复，主要有晚期的巴洛克、古典主义、洛可可和卡拉瓦乔主义等。代表画家有：

1） 左·马·克列斯比：博洛尼亚画派，善于表现光线的变化，在艺术创作上很重视刻画人

物的内心，画上的人物常常带有浓郁的生活气息。代表作《抓跳蚤的女人》。

2） 贾·弗·齐焙尔：专门描写下层人民的生活，他笔下的人物和生活环境完全是写实的，

具有质朴的乡土风味，代表作《皮鞋匠》，《纺织女》等。

3） 阿·芒雅斯柯：热那亚画派的画家。他的艺术具有一种浪漫主义和戏剧性的色彩，受晚

期巴洛克风格的影响，他大多画一些骚动不安的局面或一些疾风暴雨式的风景，在这些

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