我与摄影

篇一：我的摄影观

我的摄

影观

（自说

自话）

? 促使我写这种虚头巴脑文字的是不断重复地跟许多摄影人的讨论，干脆把自己的思考写下来，

给自己留个纪念，也许多年以后自己回看，会感慨自己的变化。如果大家看了以后觉得有用，

那就更好。

一、怎么看照片

不要用眼睛看照片，而是用心去看照片。至少应该首先用心，然后用眼。

拿到一张照片，许多老师都从技术的角度去评价，大概的表述方式是：“如果往右一点就好了。”“片子曝光过了……”他们都在用眼睛看照片，无论他们的眼睛多么挑剔，都看不到照片的

精髓。

所以应该首先用心灵去感受，设法让自己的心与摄影师的心一起跳动，如果找到共鸣了，就可以首先给出心灵的评价，比如说说引起共鸣的东西，如果这种感受无法用语言表达，那么就简

单表述为：“震撼！”“太棒了！”哪怕用很流行的词“给力啊”。

如果实在找不到共鸣，那就主观地斥之为烂片吧，或者说看不懂，这是你的权力。与其它艺术一样，摄影创新和突破永远是摄影人的追求，创新可以成为好片的标准之一，但创新也是风险

很大的事情，也许会因为观众找不到共鸣而被归为垃圾。

如果还需要深入讨论，这个时候可以安装上你的眼睛了，说说构图、曝光、白平衡、景深、器

材、PS手法……

二、怎么学摄影

正如任何一门艺术一样，学习总是从基本功开始。画画你需要老老实实练素描，弹琴你需要老老实实弹枯燥的练习曲，摄影你需要练习构图、曝光、白平衡、景深控制、PS技术，甚至学习暗房技术。掌握了基本功以后，你开始临摹、模仿、最后开始走自己的路，创作自己想要的

东西……

可惜飞速发展的科技打破了这个规律。至少摄影是这样子的。自动化、智能化程度很高的相机，可塑性极强的RAW格式、加上万能的PS，每按一次快门，成功率大大提高，加上数码相机没有胶片成本，那就多按点快门吧，基本功这个东西被其他方式替代了。构图不好可以裁，

曝光不对可以PS补救，光比太大可以多张合成。

那么我主张：初学者完全可以跳过基本功的训练，直接学习摄影的精髓和核心部分：你想要什

么画面？你怎样去看世界？当你觉得你想要的画面实现得不够好，希望进一步提高实现想法的

能力和画面表达能力，再去补基本功的课吧。

注意，我这里讲的只是与时俱进的学习次序，不是主张放弃基本功的练习。没有基本功的摄影师不可能是优秀的摄影师，更不可能是大师。即使你是选择很前卫的风格，我希望你是主动做

出的选择，而不是因为基本功的缺失，让你拍不出唯美的东西。

三岁小孩貌似也可以画出很“毕加索”的抽象画，区别在于毕加索完全可以画出写实的作品，这从他的素描作品中就能看出，他具有非常扎实的写实绘画能力，抽象艺术是他主动的选择。

三、要什么样的器材？

观察世界的角度比摄影技术重要，能发现画面的眼睛比拍摄画面的相机重要。所以这个问题不是问题，器材不重要，就像武林高手用树枝就能当剑使。为了不至于说了等于白说，还是给买器材的人一点建议：尽量不要让器材限制想法的实现。比如你想拍一个背景虚化的照片，可是你的镜头光圈不够大，限制了你想法的实现，那就不好了。具体说来：1、初学不能没有单

反。2、财力范围内买贵的。3、财力范围内多花在镜头上，少花在机身上。

至于数码还是胶片？胶片相机对基本功的要求更高，每个人的学习摄影的过程中，玩胶片是有益处的。没用过胶片，人生是不完整的。不妨说武断一点，没用过胶片或者不会玩胶片的摄影

师不是优秀的摄影师。呵呵，不知道是否会得罪人。

但是最终选择什么样的相机来创作，不妨也武断一点说：只有老朽才顽固地用胶片。

四、你到底想要什么？

摄影是记录世界，还是表达内心？答案为both。按下快门的时候请记住，你放出了两种目光，一种目光投向这个世界，另一种目光投向你的内心。内心告诉你，你要什么，世界告诉

你，你有什么。

拍风光吗？请你闭上你的眼睛，想想什么会触动你的心灵？眩目的霞光？灵动的流水？无尽的星空？飘渺的薄雾？然后出发，找你要的景色，当霞光、流水、薄雾出现的时候，它们像电一

样触动你的神经，抓住它，别让它跑了，为此，你可能要追逐，也可能要守候。

拍人文吗？请迈开你的步伐，去看、听、去找，去感受，首先去了解世界，拍吧，别吝啬你的

快门，瞎拍也行。你会找到感动你的瞬间，那就是你要的。

拍纪实吗？请张开你的眼睛，看看我们的社会，然后做一个选择，选一个题，或者拍摄方向。这个选择就是你要的，在这个题目下去拍吧，告诉自己，只要符合你的选题，无论拍到啥都是

好片。

首先感动自己，才能打动别人。

五、要不要PS？

我觉得这点不用讨论了，PS早已成为数码摄影的重要组成部分，不要放弃那么强大的工具。即使是“胶片控”，也可以把照片扫描成数码以后再应用PS。对于非纪实类的摄影艺术创作，我个人是赞成PS的。有人说PS太多就是平面设计而不是摄影了，我也赞同。那么PS多少才可以接受？怎么PS才是摄影？对于这点，对不起，我给不出标准答案，你自己的答案就是你

想要的。

但有一点：我佩服不用PS实现的创新。

六、摄影的发展方向

1、胶片摄影的发展已经登峰造极，继续发展的空间已经很小，唯一可能的是胶片与数码的结合。现在电影机已经采取胶片和数码相结合的方式，在拍摄时同时在胶片和CCD上感光。从而实现胶片摄影的所见即所得。这样的技术在照片摄影当中是否有必要，是否有商业价值，这

些还需要讨论，如果答案是否定的，即使有成熟的技术也不会有这样的产品。

2、数码摄影绝对是主流，即使大画幅相机也越来越多使用数码后背。形式上当然是百花齐放的，但单反将逐渐被单电取代，单反当中那些原来为胶片设置的机构，比如反光镜、五棱镜、光学取景器、快门帘将消失，彻底转变为单电相机。当然单反作为一中“复古”的形式也不会消

失。

3、拍摄方式上，除了传统拍照的方式依然延续以外，会有一种全新的方式，那就是拍摄连续图像，其实就是拍视频，需要照片的话，就选取其中一帧作为照片。或者用软件把一段视频

（多帧）合成一张照片，从而模拟长时间曝光。

这种只拍视频不拍照片的方式目前是做不到的，主要是相机没有那么强大的数据处理能力和储存能力。现在即使是高清的摄像机，每一帧的精度了不起是1080*1080，相当于一百万像素的数码相机，连一个手机拍的照片都比这个精度高。即使相机的数据处理能力超强，可以让视频的每一帧都达到1000万像素，那么这段视频的文件量将超级巨大，16G的卡只能存不到2

分钟这样的视频，所以目前无法实现应用。

但我相信，技术发展下去，数据计算和储存两个技术性问题有朝一日都可以解决，这样，相片

的拍摄方式将改变，以后大家只拍视频不拍照片了，呵呵。

篇二：摄影

数码摄影入门：摄影的基本知识 在的位置：首页> 摄影知识

中广网 2006-12-06

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数码摄影入门：摄影的基本知识

万丈高楼平地起，学习任何一门学问都要先由基本做起。要拍好照片，一定要先掌握基本的摄影知识。

一、正确持机方法

在拍摄的基本知识中，最重要的就是要拿稳相机。无论其它的摄影要素和技术掌握得有多好，只要拍摄的一瞬震动，照片的质量一定会因影像模糊而大大降低。

虽然可以用三脚架来减低震动的可能性，但更多的时候是以手持相机拍摄为主，而且在“决定性的瞬间”内，不允许摄影者再花时间去放置三脚架并固定照相机。

数码照相机相对于传统照相机而言，它对拍摄稳定性的要求更高。这是因为，电子元件存储信息需要一段额外间，通常称为“时滞”。

1、持机的正确姿势

无论是站立、坐下还是跪下，持机的正确姿势都应该是：

（1）、右手紧握相机一侧的握手位，食指轻触快门键，以备随时拍摄。

（2）、以左手手掌托住机身底部，用拇指和食指握住相机来稳定镜头。

（3）、两手上臂紧贴身体，尽量保持自然下垂的状态并向身体靠拢。千万不要耸起双肩。因为长时间用耸起双姿势拍摄，双肩关节会出现疲劳感，更难稳定相机。

（4）垂直握持相机拍摄时，一般左手在下，右手在上，也要注意左臂紧贴身体。

2、站立或坐下摄影时的注意事项

（1）、站立摄影时，双脚宜微张，或以前后步方式站立，以便将整个身体的重量平放到双脚上。如果能借助一

定的物体作为依靠，例如背靠树干或墙壁等，则效果更佳。

（2）、坐下摄影稳定性已经很高，但仍可借外物进一步稳定身体。以椅子的靠背或桌子作依靠是不错的选择。

3、跪下摄影时的注意事项

跪下摄影时左脚应该弓起，右脚跪地，托起机身底部的左手则支撑在弓起的左脚上。一般情况下，跪姿拍摄较定身体，最好也能借助固定物体作依靠，如树、墙等。

4、相机带的重要作用

将相机带套在手腕上，握在虎口中绕两圈再拉紧，以拇指穿过带圈后再握紧相机，使相机和右手合二为一，不以减轻手的颤动，而且可以在不小心松手时将相机拉住，不至于掉到地上而损坏。

二、光线的运用

照片是光与影的艺术产品，将光线称为摄影的灵魂一点也不为过。要拍摄好照片，就不能不掌握光线这个关键素。

1、光线的性质

（1）直射光

在晴朗的天气里，阳光没有经过任何遮挡直接射到被摄者身上，受光的一面就会产生明亮的影调，不直接受光面则会形成明显的阴影，这种光线称为“直射光”。在“直射光”下，受光面及不受光面会有非常明显的反差，容易产生立体感。

当太阳被薄云遮挡，阳光仍会穿透白云扩散，这时所产生的照明反差将会降低，非常适宜于人像摄影。

（2）散射光

在阴天，阳光被云层所遮挡，不能直接射向被摄对象，只能透过中间介质或经反射照射到被摄对象上，光会产射作用，这类光线称为“散射光”。由于散射光所形成的受光面及阴影面不明显，明暗反差也较弱，光影的变较柔顺，因此产生的效果比较平淡柔和。

“直射光”会产生反差较强的光线，致使阴影较浓厚，调子变化较少，所拍出的影像线条及影调较硬。而“散”会产生反差较弱的光线，故阴影较淡，调子变化较丰富，会得出较软的柔和的影像线条及影调。所以摄影者据不同的情况选择适合的光线。

2、光线投射的不同方向

拍摄同一个景物，运用不同方向投射来的光线会产生不同的效果。

（1）顺光

从照相机背后而来，正面投向被摄对象的光线叫做“顺光”。“顺光”照明的特点是：被摄对象绝大部分都直光，阴影面积不大，对象的影调比较明朗。这种光线形成的明暗反差较弱，对象的立体感主要不能靠照明光线出来，而是由本身的起伏表现出来。因此立体感较弱。

（2）前侧光

从照相机左后方或右后方投向被摄对象的光线叫做“前侧光”。受光的对象大部分都会受光，产生的亮面大，影调也较明亮，对象不受光而产生阴影的面积也不会太大，但已可以表现出对象的明暗分布和立体形态。这类既可保留比较明快的影调，又可以展现被摄对象的立体形态。

（3）侧光

来自照相机左侧或右侧的光线叫做“侧光”。它会使被摄对象的一半受光，而另一半则处于阴影中，有利于表象的起伏状态。

由于“侧光”照明使对象的阴影面积增大，因此画面的影调不亮不暗，明暗参半，不及由“顺光”和“前侧光”的那样明快，但亦不会太阴沉。立体形态表现会较好。

（4）侧逆光

来自照相机的左前方或右前方的光线叫做“侧逆光”。它令对象产生小部分受光面和大部分的阴影面，所以影较阴沉。这种照明方法在对象上产生的立体感会比“顺光”的好一些，但仍然偏弱。

（5）逆光

“逆光”是由被摄对象背后射来，正面射向照相机的光线。被摄对象绝大部分处在阴影之中。因光线的对比较所以立体感也较弱，影调比较阴沉。可是，“逆光”可以用来勾画物体的侧影和轮廓，还可以突现物体的质感状，清楚地展示对象的线条。在明朗的天气下使用“逆光”更会创造出一种强烈的反差。

（6）顶光

光线由被摄对象上方而来的谓之“顶光”。日正当中的太阳光便是一个好例子。“顶光”常会在被摄对象上造大的阴影，若用于人像摄影，则人脸部的鼻下、眼眶、颚下等处会形成浓黑的阴影。

（7）底光

“底光”的光源位于被摄物的下方。这种光线在日常生活经验中较少见，故有怪异和戏剧性的效果，在一般摄

合应用较少。

3、光线的反差

“反差”指的是被摄对象上“最亮”与“最暗”的色调关系。所谓“反差强”，是指光线在主体身上呈现的最位与最暗部位的差别大，而且由最亮到最暗的转换过程中变化非常剧烈，对比度非常强烈。相对的，“反差弱”，最亮部位与最暗部位的差别不太大，由最亮到最暗的转换过程中变化非常柔顺，令色调很丰富。

三、摄影的构图

构图是在照片有限的空间内处理人、景、物的关系，并将三者安排在画面中最佳的位置以形成画面特定结构的。

构图最主要的目的是如何强调及突出主题景物，同时把繁琐的、次要的东西恰当地安排为陪衬。好的构图令照起来均匀、稳定、舒服、有规律，而且可以引导视线到主题点。构图不当，会出现杂乱、左右不平衡、头重脚因主题过多反而变成没有视觉焦点等问题。

1、构图注意事项

要获得好的摄影构图，一定要注意以下几点：

（1）照片不应太过单调，否则照片会显得呆板。但也不应太复杂，否则会令人觉得混乱。

（2）要选择适合的背景。好的背景不但有助于衬托主题及突出主角，亦会丰富照片的内容，增添画面的色彩。

（3）要了解人、景、物三者在照片中的关系，并适当地安排它们，以有效地表达主题，避免喧宾夺主的情况。

（4）要考虑各个景物色彩上的对比。鲜明的对比有助于突出主题，但若颜色混乱则会产生相反的效果。

（5）要掌握光线的照射角度以及所产生的明暗阴影，它们都会影响照片的色彩和效果。

（6）要多利用照明、透视、重叠和影纹的层次变化，这将有助于在平面的照片内增加立体感。

2、以不同的拍摄角度造出不同的构图

大多数拍摄对象都是立体的，它们呈现出许多面。有正面、侧面、背面、顶面及底面。同一个对象，拍摄的方度不同亦会令画面展现出多种多样的构图效果。所以在拍摄之前应选取不同的方位、角度对物体作观察及比较，找出一个最佳、最可表达主题、最生动的视点，以找到最合适的构图。

（1）正面拍摄。

正面拍摄是一种最常用的摄影角度。正面拍摄可以产生庄严、平稳的构图效果。但平稳的线条、对称的结构也缺乏透视感而显得呆板。而且很多时候会因为对象的受光情况相似而不能突显对象应有的立体感。

（2）侧面拍摄。

用斜侧的摄影角度，画面上原来的并行线条变成了斜线，具有纵深感，能将人的视线引向深处，增强立体感。线跟随斜线延伸，也会使画面变得生动。随斜侧方位的角度变化，其透视效果也会出现有趣的改变。

（3）仰视拍摄。

仰视拍摄指的是向斜上方的角度进行摄影，多用于拍摄高大的景物。这种拍摄角度既可以拍到高大景物的全景，以形成垂直地面的线条向上汇聚的透视感觉。还可以突出对象的高耸特性，增加压逼感。

（4）俯视拍摄。

俯视拍摄就是从上向下进行拍摄。在高处作俯视的拍摄可以将大范围的景物都拍下来，所以在广角的风景摄影经常应用到。在人像摄影中使用俯视拍摄方法，可以为主角带来一种纤秀的效果。

3、构图的“三分法”

“三分法”是由希腊的数学家提出来的。摄影者将其运用在照片的构图上，往往可以拍出很多和谐悦目的照片。做法是：用两条直线和两条横线将画面平均分为9个同样大小的方格。拍摄时将主题放在直线和横线的交叉点

“三分法”可以应用在任何人物和景物的摄影上。

4、背景与前景的选择

背景或前景与主题在色彩、形状、线条、质感、明暗上的不同会造成反差，形成对比，有突出主题之用。

（1）简单柔和的背景。

简单的背景不会抢去主题的地位，有利于突出主题。但过于简单及单调的背景却会使照片过于呆板。

（2）避免杂乱的背景。

杂乱的背景会使照片看起来非常混乱，更甚者会令人辨别不出主题是什么。

（3）避免前景有太多的人和物。

如果前景有太多的人和物，将难以突出主体，会严重破坏照片的整体效果。

篇三：我的摄影故事(1) (3) (1)

我的摄影故事My Photo Story

我出生在上海，记得六年级时学校组织去加拿大游学，加拿大湛蓝的天空和纯净的白云给我留下了非常深刻的印象，是上海所无法比拟的。那时的我多么渴望能带一片蓝天回上海，好在随队老师的卡片机记录了我与小伙伴在那里的每一个瞬间，使得我回来后可以拿出照片来回顾。小小的卡片机让我第一次对摄影有了兴趣。

2010年我去美国念高中，开始接触系统的摄影学习。从卡片机到数码单反、从抽象到肖像、运动等不同的题材、从暗房到Photoshop的处理技术，学习的过程使我从单纯的兴趣转变为热爱。与国内随处可见的发烧级摄影器材不同，在美国，老师希望我更多使用普通相机，从构图学起，多拍一些细节，学会突出重点。老师建议我要大胆去尝试不同的拍摄手法，更积极的鼓励我要敢于冒险、打破常规去拍摄，走入生活、学会观察。超市、教堂、街头和美术馆都曾是我学习的课堂，而我也渐渐认识到好的作品不仅仅只有好看的图片，还需要有主题的构思，有情节有故事，甚至蕴含着哲学、人文与价值观的探究。从此，人类与自然的关系常常成为我摄影的主题。

这些照片大部分摄于2011-2013年间，拍摄地为中国、美国和加拿大。作为一名高中生，我想站在高中生的独特视角来展现大千世界的声相百态。我将部分照片转成了黑白，因为我想弱化照片中色彩的比重，更加注重照片本身以及构思，黑白照片更能突出照片中的对比度以及线条，并给人以足够的想象空间和视觉冲击力。我对抽象摄影很感兴趣，不仅因为抽象摄影题材丰富、随手可及，更重要的是这些照片更能体现我创作时的灵感，充分发挥出我与众不同的想象力。比如在作品“惑”中，弹簧是人类工业废弃物，而枯枝是自然界的正常循环，当中的裂痕代表了人类工业发展与自然生态已经产生了裂痕，人类接下来该怎么办？摄影不仅让我的世界变得更加丰富多彩，也提升了我的审美情趣和价值观，更让我开始关注细节，思考工业进步过程中人与自然的关系。

I was born in Shanghai. Photography has been my hobby since my trip to Canada in the sixth grade. The vast and majestic landscapes really draw me into the world of photography. Since I was living in

Shanghai where pollution was already a serious issue, I wanted to capture the great nature of Canada in my pictures and take them back to China, to remind me how beautiful the earth can be. The little camera reminded me the moments I had and invited my interest in photography.

When I came to US in 2010, I started to learn photography systematically. From film camera to digital SLR; from abstraction, night photography to portraits, sports and settings; from darkroom photography to Photoshop, the process of learning photography transformed my interest to a love. To take good photos, I need to think outside of the (black) box. I love to explore, so supermarkets, churches, schools, and museums all became my classroom. I once read that, “What makes a good photographer is experiencing life and the world around you and having a story to share with people through your photos.” I venture through streams to create my own images. Gradually, I also realized that a good image does not only need to be visually appealing, but also need to have themes, stories and even philosophical ideas. Therefore, the relationship between human and nature has constantly been a theme in my pictures.

Most of the pictures shown were shot in China, Canada and America from 2011 to 2013. As a high

school student, I want to address the majestic nature from a high school student’s view. I like black-and- white photography, I work to reduce the prevalence of color in order to emphasize the structure and the conception behind the image. Compared to color photos, black and white photos underscore the contrast and lines & shapes of the image and leave room for imagination.

I like landscape and abstract photography the most, not only these pictures are very accessible, but also these themes reflect my inspiration while also give full play to my imagination. For example, in my creation “pondering”, spring is industrial waste, while deadwood is part of the natural cycle. The gap represents our rapid industrialization, which has created a fissure with nature. What should we do next? That is for you to think. Photography is about providing insights that make people think differently and exposing a view that others usually don’t consider.

本文来源：https://www.bwwdw.com/article/nshb.html