世界知名平面设计师简介及作品评析

世界知名平面设计师简介及作品评析

福田繁雄（1932-2009）

1932年生于日本，1951 毕业于岩手县立福冈高等学校，1956年毕业于东京国家艺术大学，1967 ibm画廊个展（纽约），1997 日本通产省设计功劳奖--紫绶勋章，1998 东京艺术大学美术馆评委，现任日本平面设计协会主席、国际平面设计联盟（agi）会员、东京艺术大学兼职教授、日本图形创造协会主席、国际广告研究设计中心名誉主任,2009年1月11日晚上10：30时于东京因脑溢血过世。

福田繁雄被誉为“五位一体的视觉创意大师”，即：多才多艺的全能设计人、变幻莫测的视觉魔术师、推陈出新的方法实践家、热情机智的人道关怀者、幽默灵巧的老顽童。福田繁雄履历:

国际著名设计大师

国际平面设计师联盟agi会员

日本大师创造协会主席

国际图形设计协会会员

设计艺术研究中心名誉主任

福田繁雄教授是世界三大平面设计师之一(福田繁雄教授与岗特兰堡（德）、切瓦斯特（美）并称“世界三大平面设计师")，他的设计理念及设计作品享誉世界，对二十世纪后半叶的设计界产生了深远的影响，在现行的每一平面设计教材中几乎都能发现他的作品。福田繁雄的设计作品在美国、欧洲及日本等地广为展出，荣获多种褒奖，其中包括华沙国际招贴画双年展金奖、第九届日本艺术节奖、21届奥运会国际纪念币设计竞赛一等奖、美国国际招贴画展览奖等。多次获国际性大奖，

包括： 1972年华沙国际海报展金奖；

1976年教育部新人艺术促进奖

1985年莫斯科国际海报展金奖；

1995 年 联合国教科文组织的海报展大奖；

1995 年 赫尔辛基国际海报展大奖等。

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他创作的大量招贴画使他饮誉全世界，成了国际上最引人注目、最具有个性特征的平面设计家。福田的每一种新观念都是他不断探索，尝试不同可能性的方法的结晶。他总是弃旧图新，并系统地将各种创意、革新加以融会贯通。每一批作品都反映出他主观想象力的飞跃以及他控制和营造作品的匠心。他在看似荒谬的视觉形象中透射出一种理性的秩序感和连续性。

福田繁雄既深谙日本传统，又掌握现代感知心理学。他的作品紧扣主题、富于幻想、令人着迷，同时又极其简洁，具有一种嬉戏般的幽默感，并善于用视幻觉来创造一种怪异的情趣。由于他在设计理念及实践上的卓越成就，福田繁雄教授被西方设计界誉为“平面设计教父”。

福田繁雄先生曾经指出：“设计中不能有多余”。从这个观点中不难看出他的设计理念与中国传统美学讲究的“恰倒好处”有某一个共通的契合点。

福田先生的每一种新观念都是他不断探索，尝试不同可能性的方法的结晶

获奖包括:布尔诺国际平面艺术双年展银奖、华沙国际招贴广告双年展金奖、莫斯科国际广告招贴双年展第一名;每日产业设计奖、艺术新人奖、每日艺术奖.作品参展有:国民文化祭、艺术文化振兴基金会广告宣传、海洋与岛屿博览会宣传招贴,富山博览会宣传招贴、1993年巴黎举办的"日本节""设计-世界展"、法国革命200周年纪念活动宣传,'92地球顶峰国际招贴邀请展。

原研哉（Kenyahara，1958- ）

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中生代国际级平面设计大师、日本设计中心的代表、武藏野美术大学教授，品（MUJI）艺术总监。设计领域泛于长野冬季奥运开、闭幕式节的节目纪念册和2005年爱知县万国博览会的文宣设计中，展现了深植日本文化的设计理念。在银座松屋百货更新设计中，横跨空间到平面实践整体设计的方向。在梅田医院指示标志设计画中，则表现出触觉在视觉传达中的可能性。

他以一双无视外部世界飞速发展变化的眼睛面对“日常生活”，以谦虚但同时尖锐的目光寻找其设计被需要的所在，并将自己精确地安置在他的意图能够被赋予生命的地方。当我们的日常生活正在越来越陷入自身窠臼之时，他敏锐地感知到了设计的征候和迹象，并且自觉自主地挑战其中的未知领域。他的设计作品显现出来的不落陈规的清新，在于他找到了设计被需求的空间并在其中进行设计。在这样的态度下，他拓展了设计的视野和范畴，在他所经历之处，崭新的地平线不停地被发现和拓展。

原研哉在做的，是在修正现存的设计概念，将设计推向一个更高的层次。原研哉的过人之处，是在于他精准的洞察力，他往往能够透彻地消化身边环境带来的讯息，再将这些无形的讯息转化为大众所能明白的、看得见的影像，这一种能力不是一般的设计师所拥有的。

这包装主要目的不在直接的商业功能，而在建立第一高品质的企业理念，向消费者传递这种产品与一般同类产品不同的定位。两个瓶子的造形都非常精美，以琥珀的素材突显名酒的厚重感，金色招纸营造尊贵的风格，亦可增强礼品市场的吸引力。承作总监为清野嘉平

深泽直人（Naoto Fukasawa）

日本著名产品设计师，家用电器和日用杂物设计品牌“±0”的创始人。他曾为多家知名公司诸如苹果、爱普生进行过品牌设计，其作品在欧洲和美国赢得过几十余设计大奖。他的设计主张是：用最少的元素（上下公差为±0） 来展示产品的全部功能

设计理念——无意识设计

深泽直人将自己的设计理念概括为“无意识设计”。“无意识设计”（Without Thought）又称为“直觉设计”，是深泽直人首次提出的一种设计理念，即：“将无意识的行动转化为可见之物”。比如，经常做饭的人一般都知道，煮米饭时放一些辅料可以使做出的米饭达到意想不到的口味，比如放醋可以使煮出的米饭更加松软、香嫩，即使大部分人知道这个常识，但是因为一时疏忽仍会有忘记添加辅料的时候。因此我们需要做一种设计，就是在煮米饭时的一个无意

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识动作中自动添加相应辅料，而这种设计就称为“无意识设计”。设计是为了满足人的一种生活需求，而非改变，设计是方便人的生活方式，而非复杂。因此，好的设计必须以人为本，注重人的生活细节，方便人的生活习惯，使设计让生活更美好。特别是在工业设计高度发达的今天，很多设计师力图否定约定俗成的设计，用自己的思想创造一种新的生活方式，这样就无形中加重了人们的“适应负担”，“无意识设计”并不是一种全新的设计，而是关注一些别人没有意识到的细节，把这些细节放大，注入到原有的产品中，这种改变有时比创造一种新的产品更伟大。

“无意识”并不是真的没有意识去参与，而是我们知道自己需要某些东西，但还没意识到自己到底想要什么，而深泽关注的，正是我们所忽略的有关“无意识”的种种生活细节。深泽用一个简单的道理向我们阐释了他设计的思想根源：在发短信的时候，一般人会选择沿着给盲人专用的道路走，他可以不用眼睛看而不走错。也就是说，这条黄色的、平时提供给盲人使用的路，又体现了它的新价值。而人走路并不仅仅是儿时学会的一种行为，而是你在走路的时候要看你的脚往哪儿踩，也就是在寻找你的脚踩的一种价值。所以，上述发短信时循着盲道而行，就是一种寻找价值的连续的行为，而当人、物与环境达到完美和谐的时候，我们说这种行为就找到了一种无意识的有价值的行为

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手表是生活中再平常不过的小物件，但是关于手表的设计样式可谓层出不穷，应有尽有。其实手表的基本功能就是显示时间，而可延伸的功能有搭配衣服，代表身份等。在现实生活中我们之中大部分人会为买一块手表而费尽心思，要不然就是不够稳重、要不然是太过呆板、抑或是华而不实，而深泽是如何设计手表的呢？如图所示的手表，12格时间刻度简化为结构形体中的12边形顶点，表盘留白，只剩下干净利落的时针和分针，这比功能主义多了一份细腻和温和式的简洁，在简洁中又不失高雅，是契合了功能的简洁，是简洁的更高层次

基奥斯蒂·瓦利斯（1933年－）

基奥斯蒂·瓦利斯，生于芬兰的约恩苏市，芬兰著名的平面设计家，代表作品芬兰航空公司徽标等在世界各国的航空公司标志中，北欧芬兰航空公司的徽标，一定会给你留下一个这样的印象：蓝天下，一只鸟在飞翔。当你向芬兰人询问其中的内涵时，他们一定会告诉您，那是一位姓氏中包含着"鸟"之含义的设计大师的杰作。这位大师就是芬兰著名的平面设计家基奥斯蒂·瓦利斯（Kyosti Varis）。 1933年，瓦利斯生于芬兰的约恩苏市，年轻的瓦利斯在一家印刷公司工作时，就梦想着有一天成为字体设计师。为了能够提高自己的艺术修养，他遍览设计大师们的作品，埃里克·布鲁恩、拉伊莫·莱梅拉等大师们的海报和平面设计佳作，成为他学习平面设计艺术的楷模。1957年，瓦利斯终于实现了自己的第一个梦想，成为一名字体设计师。

此后10多年中，他一直担任一家设计公司的美术指导和设计师；

1969年至1985年，他自己经营了一家设计公司；

1985年开始与埃萨·奥贾拉合作，创办了瓦利斯暨奥贾拉·奥伊设计公司，专门从事企业形象设计；

1974年，刚过不惑之年的瓦利斯成为国际平面设计联盟的一名会员；

1983年，因其在平面设计领域内所做出的卓越成就，芬兰总统授予他名誉教授的称号。

1963年，年仅30岁的瓦利斯，获得了他设计生涯中的第一个年度最佳海报奖，直到90年代，他先后24次获得此项大奖。1968年在波兰举行的华沙海报双年展上，

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荣获设计银奖，1970年又在布尔诺双年展上，获得了设计金奖和全场大奖。此后，他的作品为他赢得了拉提海报双年展大奖、里佐里广告比赛大奖等许多奖项。

在几十年的设计生涯中，瓦利斯设计了无数的招贴、海报、企业标志、商品包装和广告，并拍摄了数部电视节目，他也因在作品中所表现出的创新精神和独特性，而荣获了多达150多项奖项 瓦利斯认为，无论是商标设计，还是海报招贴，它们如同绘画一样，是一种需要创新精神的艺术品，在视觉上要给观者一种心灵的愉悦感，要达到一种能够为观者所理喻的意念。正是基于这种设计理念，瓦利斯在他的设计中并不拘泥于高超的设计技巧，而是去寻求一种创意，一种给人以思索、震撼人的心灵世界的意象。而不同的处理手法，也带给了人们不同的感受：精致雅趣，平衡对称，简洁明快，风趣幽默。

我们在这里能够看到他运用不同的技巧创作的作品，从而能够从中体会出他的设计风格。阅读他的设计作品，我们无需太多的语言去描述，只要静静地看，就会有越来越浓厚的回味。

设计理念

我们中国人常讲，文如其人，字如其人；今天，我们可以说，设计如其人。瓦利斯的设计是他那种与众不同的儒雅幽默性格的折射，这其中不仅蕴含着他对设计语言的诠释，更多地是他对芬兰文化和北欧文化的理解。而对我们来讲，是需要去细细地品味设计与文化的关系。

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西摩 切瓦斯特（Seymour Chwast，1931～） 西摩 切瓦斯特是美国观念形象设计的代表人物之一，他的设计理念及其设计作品所取得的成就，对当代平面设计界都产生了深远的影响。切瓦斯特是除德国的岗特 兰堡、日本的福田繁雄之外的现代世界平面设计大师之一，国际平面设计师联盟AGI、AIGA会员。1931年切瓦斯特出生于美国纽约，早在7岁时他就展现出对艺术的热爱和天赋，尤其喜欢插图绘画。1947年（16岁）便在《十七岁》的杂志上发表了他最早的插图作品。1948年（17岁）毕业于纽约林肯中学，随后进入美国库柏州立艺术学院（Cooper Union）学习插图和平面设计。

1953年（22岁）切瓦斯特与爱德华 索勒（Edward Sorel，1929～）、雷诺兹 鲁芬斯（Reynolds Ruffins，1930～）共同出版了《图钉年鉴》(The Push Pin Almanac)，这是他们在1954年（23岁）成立著名的“图钉设计事务所”（The Push Pin Studio）注2之前，用于推销三人插图作品的小册子，旨在推广他们前卫的设计理念，[2]（P.132）他们热衷于折衷主义版式设计的插图设计，并发起了一场与瑞士理性主义风格相对应的装饰风格运动。[2]（P.134）“图钉”设计集团中的每个人都有非常鲜明的风格，切瓦斯特关注的并不只限于作品的本身，还注重个人风格的表达，并结合平面设计的视觉传达功能，实现作品的个人价值。“图钉”设计集团形成的这种自由的、综合的、统一的和艺术的风格被称为“图钉风格”（Push Pin Style），并得到世界的广泛流传和模仿，对美国战后的平面设计界产生了重要的影响。1970年（39岁），切瓦斯特被邀请参加巴黎卢浮宫装饰艺术博物馆举办的、为时两个月的、主题为“图钉风格”的回顾展，得到了法国艺术界的高度肯定。之后，这个展览在巴西、日本、欧洲等地继续展出，奠定了他及“图钉”设计集团在国际上的地位。他的设计作品被永久收藏于纽约现代艺术博物馆、库柏休伊特史密森学会博物馆、美国国会图书馆、古腾堡博物馆和以色列博物馆等。

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西摩 切瓦斯特的设计创作与当时他的生活背景有着密切的关系。受二战的影响，世界各国均受到不同程度的创伤，使远离战火的美国因为免受战争破坏而迅速发展。战后的美国占有着天时地利，经济达到新的高峰，并促进了设计的繁荣，美国设计基本沿着两个不同的路径发展：第一个是国际主义的大企业行为，它代表资本主义的、主流的发展方向；另一个发展方向是独立的设计事务所的迅速增加。在当时设计运动繁多的背景下，切瓦斯特开始丢弃工业化的刻板的设计面貌，重视画面感性思维的投入及注重表达个人观念，重视把艺术表现引入到平面设计中去，达到艺术性和功能性同时兼顾的效果。

《消除口臭》（End Bad Breath）是切瓦斯特在1968年（37岁）设计的反战海报，反对美国在越南战争（1959年～1975年）中对河内进行轰炸。这幅海报以浓郁的色彩、简洁的标语、漫画的形式来表现反战主题，只要我们仔细观察便会发现海报里男子口中描绘的正是飞机轰炸的战争场面，而标语“End Bad Breath”中的“Bad Breath”在英文中是“口臭”的意思，以“消除口臭”来影射“反对战争”，传递热爱和平的愿望。海报以标志美国的“星条旗”为背景，以此来讽刺美国对越南的无理干涉，并激发美国民众考虑受战争侵袭的越南人民的感受，从中可看得出切瓦斯特作为一名艺术家其热爱民主、和平的人文主义情怀

佐藤晃一（さとう こういち、1944-）

佐藤晃一1944年出生于日本群马县高崎市，1969年毕业于东京艺术大学视觉艺术设计专业，毕业后进入日本著名的化妆品公司--资生堂公司广告宣传部，两年后离开资生堂，成为独立的自由设计师。1982年至1987年在东京艺术大学设计专业任客座讲师，现为社团法人日本平面设计家理事，多摩美术大学教授，东京ADC会员。

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佐藤晃一的设计作品有着明显的民族风格。他不但继承了日本文化中肃静、悠远、清雅、柔和的民族风格，还将这种风格更近一步地推向完美和充实，提炼了日本文化中最精要的精神内涵。民族的才是世界的，佐藤晃一的设计作品以民族风格为中心，得到了国际设计界的认同，使他多次受到美国各大学邀请，举办日本文化和设计讲演。同时获得了包括布尔诺图形设计奖、华沙招贴海报奖、捷克海报设计奖、莫斯科招贴设计奖等众多的大奖。

佐藤晃一是双脚踏在日本传统文化的延长线上，继田中一光等老一代平面设计师

之后走上设计舞台的新一代平面设计师。

70年代的日本，工业化高速发展，使得大批的、各具特性的新素材诞生，素材的特性对艺术造型来说在任何时候都具有意义，素材的特征又使得相应的技术和技巧得以产生。印刷技术从活版开始转向胶版，使微妙色阶调的渐变表现成为可能，佐藤晃一的成名作《新音乐媒体》即产生于此时。在色彩、形体与光三者的关系中寻求平衡，既不完全归入西方古典的光线照射法，也不归入东方传统的几乎抛尽光源，只求色彩与体积的表现法，而是把装饰色彩、变形形体和折中了古典派和印象派的光表现在色渐变手法中融为一体。

法，也不归入东方传统的几乎抛尽光源， 在色彩、形体与光三者的关系中寻求平衡，既不完全归入西方古典的光线照射

只求色彩与体积的表现法，而是把装饰色彩、变形形体和折中了古典派与印象派的光表现在色渐变手法中融为一体。在色渐变的隐隐约约依然清晰肯定的形体、弱化了的明暗和相对强化了的色彩，构成了佐藤晃一作品的基本特征，三者融而合一，自然和谐，开出了一块融合东西方的新天地。

威廉·荷加斯在《美的分析》中说过：最好的色彩美有赖于多样性的、正确而且巧妙的统一。佐藤晃一作品的色彩可以说大都具有这一品质，造成分离感和张力，具有戏剧性。未来派画家曾在有名的《未来派宣言》中，特别提出过补色主义的口号。

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佐藤晃一用补色对比，却往往又不用它作基调或主调，而且作为和声种的一组高音，作为大统调中的一个局部统调出现，因此，他总是把补色对比和灰调统一起来，形成色渐变，造成既有冲突的因素，又有过渡与统调，既有分离的张力，亦有色彩的组合排列与细微刻划。

佐藤晃一作品设计表现有很多跳跃的地方，像日本的一种短诗--俳句，语法、字句、节奏凝练而跳跃的含蓄，在没有着笔的空白处，会感到非常的魅力。那是纯日本、纯感性的世界，这种超越理智的艺术世界，无疑是直接继承了王朝文学的精神。设计师使用的语言、节奏和设计师在作品中所体现的章法节奏，应该是一致的，佐藤晃一也不例外。

他的作品是用纯净的日本语法节奏构成的，没有那种努力而不通脱的翻译文本的腔调，西洋设计语法底子深藏不露。如同翻译小说，好的翻译本，人们会接受，象傅雷翻译的巴尔扎克，汝龙翻译的契珂夫，李健吾翻译的福楼拜，而过分有翻译腔调的，人们就会受不了。钱钟书写的《围城》，他英文节奏在，魅力当然就在了。

日本文化早年直接受中国的影响，俳句亦可以说是中国古诗词中词的另一种演变形式。诗词表现首先重韵律，有平声和仄声之分，平声长仄声短，相辅相成，形成节奏，使语言有精神，节奏具有直接的感染力与说服力，倘若整句全是平声或全是仄声，节奏就乱了。在中国京剧表演中打单皮的若打错了节奏，台上翻跳的武生甚至会跌死，设计表现中其实也有如此的险境。

后现代的声色光影里，一切该消解的都已经消解，一切该发生的都已经发生，面对的未来世界是可预见的窄小，古典传统与流行时尚的经验合而为一，又不断地分裂为似真似幻的片断映像，佐藤晃一无疑是掌握这其间二律逆反关系的，这乃使他的视野超越了顾影自怜的局限。

对形式的极致讲究反映了要表达的所谓的内容，强化内容的形式，正是最终要讲述的内容。形式的日益翻新，并不一定表现活泼的新思想与新精神，设计师没有能力去创造他们所在的环境，他们只能创造贴身的梦境，各人就住在各人的梦里，作品里的梦境才是他们真正的故乡。

冈特·兰勃（1958- ）

冈特·兰勃，国际公认的欧洲“视觉诗人”的代表人物。对当代的视觉设计产生过十分重要的影响。冈特·兰勃生长在梅克伦堡的乡村，这段成长经历深深影响着他作品中的媒体使用和艺术内容的表达方式，他的作品背后隐含了更多的体力劳动和传统的手工艺。在作品里他关注的是主题的物质性。他总是赋予这些主题更多的意义，每一幅招贴都给观赏者以想象的空间，透过那些隐喻的物体联想实际事物。

在平面设计领域里，招贴设计通常被视为是衡量一个图形设计师艺术水平高低的重要方面，它最能表现设计师的个人风格特点。文化招贴则类似于艺术创作，占据着设计皇冠的位置。设计师可以充分表达个人的独特想法，呈现招贴的独特面貌。兰勃的招贴设计作品是创新的。他一直积极避免单调的风格样式，不断对自我已形成的风格进行挑战，开拓崭新的视觉表达形式。20世纪60年代的作品以绘画图形招贴为主，注重画面整体设计意念的把握，

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尽可能摆脱纯绘画艺术中直观的写实表现。80年代的摄影图形招贴是兰堡的又一个顶峰时期，他善于用摄影手段表现梦幻与现实的关系，实现物体、照片和抽象概念间的综合艺术效果。他经常在作品中采用摄影手段，并利用拼贴、分解、重组以及喷笔加工的处理，把现实主义的摄影手段变成了有着抽象涵义的平面设计作品。如他所说：“与其说我把摄影作为一种媒介，不如说是摄影发现了我，变化的时代需要在形式表达上有一个相应的变化——至少那是我当时的想法。” 图形招贴的兴起是与一些世界著名的设计家名字联系在一起的。由于冈特·兰勃的努力，才有了德国的照片拼贴风格。90年代，当一批设计师陶醉于摄影招贴时，兰堡的思维又一次起了变化，单纯、简洁、明了、注重视觉力度成为他追求的新风格。

冈特·兰勃认为，图形设计师是这样的一些职业工作者，它们通过形态的变化将某种社会事物浓缩成一种视觉符号，标记和代码，从而使之成为一种具有政治、经济、宗教和文化运动价值的东西，并以此来表现任何主体。

兰勃的代表作品很多，在他为法兰克福的出版商菲舍·维拉格（Ｓ.Ｆischer Ｖerlag）设计的书籍海报中，一只拿着书本的手悬空着，而这本书的封面设计同时也是这只手，在给予观者视觉的错觉之外，兰勃更希望用视觉背后的隐喻来打动观众。他认为设计不仅仅是创意和制作，而是一种观念的表达，而他却更倾向于用富有诗意的暗喻来表达。另一本由他设计的《德国戛赫尼S.菲舍尔出版社招贴》，表现书与人密不可分的一种关系，创意甚为精彩：书的扉页和书的背景布满了由近及远密密麻麻的人群，他的创意亦体现了这样一种理念：书是出版社的主要产品，它始于人而结于人，从群众中来又到群众中去。

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