色彩入门 - 图文

第一章、色彩基础知识

（一）工具与材料 （1）铅笔

是最常用的绘画工具，它主要用于草图设计及勾画轮廓。普通铅笔一般分为中性铅笔，硬性铅笔、软性铅笔三种。HB为中性， H-6H型号为“硬性”铅笔；B-6B型号为“软性”铅笔。铅笔杆上B、H标记是来表示铅笔芯的软硬和颜色深浅的，各种铅笔B、H的数值不同，起的效果不一；B数值越大，笔芯越粗、越软、颜色越深；H数值越大笔芯越细、越硬、颜色越浅。我们在练习和表现中常用的是HB型号的普通铅笔。

（2）毛笔

毛笔的种类很多，总的来说可以分为两大类：一是勾线笔，一般

笔头比较尖细，笔毛较硬、有弹性，常用叶筋笔、衣纹笔、小红毛等；另一类用于填色的笔，常用大、中、小号白云笔。

（3）绘图笔

主要指针管笔、勾线笔、签字笔、鸭嘴笔等。这类笔的特征在于笔头有不同的粗细，常见型号为0·1-1·0。我们在实际练习和表现中通常选择0·3、0·6、0·9型号的绘图笔。

（4）纸

A4和A3大小卡纸，水粉纸。

（6）硫酸纸

“塔图”练习，传统的专用绘图纸。

（7）圆规、橡皮、及相关辅助工具 有直尺、丁字尺、三角板、曲线、圆规或圆模板等。

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(二)关于色彩画的一些基础知识

1、 什么是色彩

色彩对于我们来说是日常生活中最常见、最熟悉的，从大自然中的天空、大地、山川、河流到我们日常生活中的衣、食、住、行，它无时不有，它无处不在，可以说是我们最习以为常的东西了。但是，如果认真地问起来，请你准确、科学地讲讲色彩是怎么回事?它是怎样形成的?可就不是每个人都能回答出来的了。

原来，色彩并不像许多人认为的那样，是物体天生所固有的，自然界中所有物体的颜色都是物体本身吸收和反射光波的结果。

当英国大科学家牛顿于1676年用一只三棱镜将太阳光分离出五颜六色的色彩光谱时，人们才第一次真正认清了色彩产生的原因；人们才知道白色阳光是由红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种光波组成的，见图（1）。当我们说：“这只杯子是红色的。”实际是杯子表面分子吸收了橙、黄、绿、青、蓝、紫等色光，而仅仅反射红颜色光波的结果。一个物体当它吸收了光波中的其它颜色，而唯独反射某一种颜色的光波时，这个物体就会呈现它反射出的颜色。全反射的呈现白色，而黑色则是对光波全吸收的结果。物体呈现颜色是光线照射的结果，光产生了色彩。光是色彩之母，展现在我们面前五彩缓纷的世界，实际上都是光的杰作。

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2、色彩的情感象征

大自然中不同的色彩变化，能使我低着头生不同的观感。人们在长期的社会生活与实践中，白色往往给人以纯洁、高雅的感觉；绿色象征生命、青春与和平；黄色、红色给人以华贵、热情、温暖的感觉；蓝色给人以宁静、清凉的感受；黑色则往往用业表现庄严、肃穆与深沉的情感。当然，这些象征性的具有丰富感情色彩的颜色观念也会随着民族传统、欣赏习惯、文化修养的不同而有不同的反映。如：黑色、白色在中国的许多地方是人们哀悼死者时所穿的丧服颜色；在欧美则被做为高雅、庄重的婚纱或礼服的颜色；在罗马，最有权威的教皇的礼服也是白色的；而在中国，黄色才是皇帝富贵与最高权威的象征；在许多原始部落，红色往往象征着天地之神。这些情感的产生，并不是色彩本身的功能，而是人们赋予色彩的某种文化特征。使某种颜色具备某些含义和象征，久而久之，这些因素又反过来影响着人们对色彩的感受，人们在观察色彩时往往是受着这些心理、文化因素的影响和左右，使人们产生不同的情感和不同的色彩感受。

色彩的这种情感，会使对颜色产生不同的好感。同时也给画家们利用色彩来表现不同的情绪和气氛提供了方便。世界著名大画家毕加索在运用色彩来表现情感方面就有“蓝色调时期”、“玫瑰色时期”、“黑人时期”等来体现自己的创作主题和表现风格。人们对于色彩的所谓冷暖的感受也是从这种色彩的情感象征中演变而来的。所以充分认识、理解和运用色彩的这种情感象征性，对于我们熟悉和掌握色彩的规律来进行绘画是十分重要的。

3、光源色与固有色

从物理学的角度来看，一切物体的颜色都是由于光线照射的结果。但人们在日常生活中还是习惯地把物体在正常日光下呈现的颜色叫做 “固有色”，以此同在有色光线照射下所产生的“光源色”相区别。

固有色：指物体在正常日光照射下所呈现出的固有的色彩。如红花、紫花、黄花等等色彩的区别。

光源色：指某种光线(太阳光、月光、灯光、蜡烛光等)照射到物体后所产生的色彩变化。

在日常生活中，同样一个物体，在不同的光线照射下会呈现不同的色彩变化。比如同是阳光，早晨、中午、傍晚的色彩也是不相同的，早晨偏黄色、玫瑰色；中午偏白色，而黄昏则偏桔红、桔黄色。

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阳光还因季节的不同，呈现出不同的色彩变化，夏天阳光直射，光线偏冷，而冬天阳光则偏暖。光源颜色越强烈，对固有色的影响也就越大，甚至可以改变固有色。比如一堵白墙，在中午阳光照射下呈现白色，在早晨的阳光下则呈淡黄色，在晚霞的照射下又呈惜红色，在月亮下则呈灰蓝色。所以光线的颜色直接影响物体固有色的变化，光源色在色彩写生中尤为重要。

4、固有色与环境色(条件色)

环境色指的是物体周围环境对固有色的影响。比如一朵白色的花，周围有绿色和红色的环境，那么在白花的上面，必然会受到周围环境颜色的影响。白花向阳的一面是白色的，而暗面和反光则受周围红色和绿色的影响，呈灰绿色和灰红色。这种在一定环境和条件下所产生的色彩变化，叫做环境色或条件色。

没有受过色彩训练的人，对物体的颜色往往偏重于它的固有色，而对周围环境、光源等因素的影响却视而不见。比如经常听到一些孩子在谈论颜色时说：花是红的，草地是绿的，天空是蓝的，雪是白的。这种对物体颜色笼统的认识，对于一般人来说是可以理解的，但对于学习绘画的人来说，则是不准确、不真实的认识，如不加以引导，久而久之，这种笼统抽象的色彩感觉，就会变成对物体色彩的固定认识，使人对物体颜色形成固定的概念。用这种固定的颜色概念去指导绘画，必然会使画面的色彩丧失真实生动的表现力。所以对于学习绘画的人来说，任何一种物体的颜色，我们都应把它放在它所处的环境中去观察、分析，有意识地去分辨同围环境对物体色彩的影响，从而使我们的观察能力逐 渐细腻、敏锐起来。

固有色、光源色、环境色是写生色彩中三个重要环节。真正理解和弄通它们之间的相互关系、相互作用，并能熟练准确地掌握它们之间的变化规律，那么你就能真正跨迸色彩的大门。

5、色彩的三要素 色相、色度、色性

色相：即色彩的相貌和特征。自然界中色彩的种类很多，色相指色彩的种类和名称。如:红、橙、黄、绿、青、蓝、紫等等颜色的种类变化就叫色相。见彩图 （1）

色度：指色彩的亮度或明度。颜色有深浅、明暗的变化。比如，深黄、申黄、\淡黄、柠檬黄等黄颜色在明度上就不一样，紫红、深红、致瑰红、大红、朱红、桔红等红颜色在亮度上也不尽相同。这些颜色在

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明暗、深浅上的不同变化，也就是色彩的又一重要特征——明度变化。

色彩的明度变化有许多种情况，一是不同色相之间拘叨度变化。如：白比黄亮、黄比橙亮、橙比红亮、红出紫亮、紫比黑亮;二是在某种颜色中加白色，亮度就会逐渐提高，加黑色亮度就会变暗，但同时它们的纯度 (颤色的饱和度)就会降低；三是相同的颜色，因光线照射的强弱不同也会产生不同的明暗变化。见彩图(2)。

色性：指的是色彩的冷暖属性。这是色彩变化的另一特性。，我们这里说的色彩的冷暖并不是说色彩之间真的有什么温度上的差别，而是指不同的颜色所给我们带来不同冷暖的一种心理感觉。比如:青色、蓝色就结叭以清掠的感觉；红色、黄色则给人以热烈、温暖的感受。这种冷暖的感觉，实际上是人们对现实生活经验的一种体验和联想，是一种心理情感的反映。色彩的冷暖既然是一种心理感觉，那么对于每种颜色，只有通过具体的感受，才能确$它们之间的冷暖关系。

冷暖关系只有在感觉、比较之中才能够确定。比如，红颜色，我们一般认为它是暖色，这只是一个笼统的概念。红颜色的种类变化很多，它们之间仍然有冷与暖的区别，紫红和深红比，紫红偏冷，深红偏暖；红和大红相比，深红偏冷，大红偏暖；红与朱红相比，大红偏冷，朱红偏暖；红与桔红相比，朱红偏冷，桔红偏暖。通过以上分析；我们就会发现这样一个有趣的现象：每种颜色，它本身都具备两种属性 冷和暖。那么在实际绘画中它到底能够表现出冷还是暖，就要看它和谁在一起比了。也就是说，要看它是处在什么样的色彩环境中，紫红色虽然在红颜色中偏冷色，但与青色、蓝色相比，它又是非常暖的颜色。

所以色彩的冷暖是相对的，是要在具体的环境中去具体分析比较才能确定的。切不可机械地把颜色分为一成不变的冷色和暖色。初学色彩的爱好者，要特别注意在目常生活中，去培养锻炼自己的色彩感受力;使你的色彩感觉变得越来越敏锐、越来越丰富精细。

6、色调

色调指的是一幅画中画面色彩的总体倾向，是大的色彩效果。在大自然中，我们经常见到这样一种现象:不同颜色的物体或被笼罩在一片金色的阳光之中；或被笼罩在一片轻纱薄雾似的、淡蓝色的月色之中；或被秋天迷人的金黄色所笼罩；或被统一在冬季银白色的世界之中。这种在不同颜色的物体上，笼罩着某一种色彩，使不同颜色的物体都带有同一色彩倾向，这样的色彩现象就是色调。

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色调变化是丰富多样的，概括起来，色调的形成受以下凡种因素的影响：

（1）光源：同样的物体如果在暖色光线照射下，物体就会统一在暖色调中；如果在冷色光线照射下，物体又会被统一在冷色调中。当光线带有某种特定的色彩时，整个物体就被笼罩在这种色彩之中。在戏剧舞台上，不同颜色的灯光对舞台色调的影响就是光线决定色调最明显的例子。

（2）固有色：物体固有色对色调也起着重要作用。也可以说固有色是决定色调最基本的因素。例如:一片山林在春天时呈现出一片嫩绿的色调；而秋天则呈现出一片迷人的金黄色调;冬天叶落草枯则呈现出一片灰褐色调。这些色调的变化，主要取决于物体本身固有色的变化。我们说某幅画是绿色调、蓝色调、紫色调或黄色调的，捎的就是组成画面物体的固有色，就是这些占画面主导地位的颜色决定了画面的色调。

（3）高调与低调：主要指色调中颜色的明度和亮度的对比。在对一幅画的色调进行构思设计时，同样是绿色调可以有高调和低调之分，同样是冷色调或暖色调也可以有高调和低调的区别。高调绘画的色彩亮度高，色彩之间的明度对比弱 (明暗反差小)，画面特点是清淡、高雅、明快。而低凋绘画在色彩上用色浓重、浑厚、亮度低，色彩的明暗对比强烈，画面特点深沉、结实，富于变化。色彩明暗对比的不同能够创造出芋富的色调变化。

以上这些因素，部直接影响着绘画中色调的形成与变化，在实际绘画过程中这些因素往往相互影响和作用，我们要学会利用它们各自的特点和优势，来为我们的绘画服务。光源、冷暖、固有色、明暗对比这些因素是我们学习掌握色调的中心间题。

7、装饰色彩与写生色彩的区别

我们知道，在绘画色彩方面，有截然不同的两种表现方式，它们之间既有相同之点，又有许多不同之处，这些差别逐渐演变出色彩学上的两大学科；一是装饰色彩学，另一是写生色彩学。下面就它们的区别与特点简单作一介绍。

（1）装饰色彩

装饰色彩以固有色为基础，研究色彩的平面性与装饰性。装饰色彩一般排除自然界中光源色与环境色的影响，把自然界中的色彩关系综合、概括、抽象出来，利用色彩的浓淡、冷暖，明暗、互补等对比手法

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进行色彩的艺术创造。装饰色彩可以不再是物体本身的自然颜色，而是人们根据审美斋要，对色彩进行多种艺术处理和加工，装饰色彩是人们对自然色彩的再创造，是人们主观赋予物体的一种抽象色彩，是人们对色彩欣赏的一种需要。见彩图(17)C、D。人们在生活中可以从大量的日用品、工业品、工艺品、现代建 筑等等备个领域中充分领略装饰色彩的无穷魁力。

装饰色彩更多的应用在图案设计、装饰壁画、工艺美术、国画、民间艺术、建筑设计、服装设计、家具日用品等众多方面，可以说在人们生活的所有领域里，它几乎无所不在，与人类的衣、食、住、行息息相关。因此，人们对于装饰色彩最为熟悉，在现代文明中成长起来的人，最早接柱的并不是大自然，而是房屋建筑、家具、玩具等生活日用品，人们的色感最初也是通过 最早接触的这些物品的色彩而培养出来的。所以人们对于固有色与装饰色有着某种最为敏感的直觉，并逐渐发展成为自己的色彩审美情趣和标准，并在不知不觉中形成了许多色彩观念。这些因素既给人们以后学习写生色彩打下了一些色彩基础，但同时也是许多人在写生色彩训练时，摆脱不掉固有色与装饰杖念色影响的重要 原因。

（2）写生色彩

写生色彩与装饰色彩不同，它是从客观真实的角度来观察、分析和再现色彩关系的。它不仅仅研究物体的固有色，而是整体的表现物体在光线照射下的所有色彩关系。写生色彩是把物体的固有色、光源色、环境色做为一个不可分割的整体来研究、来表现的。

因此，评价一幅写生色彩的绘画作品，主要是看它是否准确、真实，生动地表现出对象的色彩关系。从色彩学的角度来说，写生色彩更多的偏重于再现客观自然的真实色彩关系。而装饰色彩则更多的偏重于表现色彩的抽象装饰效果。一个是客观真实的再现，一个是主观审美需要的表现。这两种截然不同的追求，便造就了截然不同的艺术形式与风格。所以不能用装饰色彩的标准来衡量写生色彩绘画作品，同样也不能用写生色彩的标准来评论装饰色彩的效果。二者有不同的标准和规则，千万不能混为一谈。做为画家，在自己的绘画实践中，借鉴融和二者的某些特点，追求刨造某种独特的表现形式，则是容许的，也是十分必要的。

初学色彩的美术爱好者，应把重点放在写生色彩的学习训练上，写生色彩可以全面培养与提高我们的色彩素质和能力，并且可以使我们从

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更高层次上去观察、理解、欣赏装饰色彩。

写生色彩追求的是在画面中表现出物体在一定光线下和在特定环境中色彩之间的综合效果。光与色是主要的研究对象，所以人们把这种写生绘画叫做“外光画派”。外光画派突破了传统古典画派的束缚，把绘画从画室中解放出来。它强调光线对于色彩的影响，追求从大自然中获取色彩的第一感受，大大丰富了色彩理论与色彩绘画的表现力，也可以说，是\外光画派\真正创立了写生色彩学。

8、原色、间色、复色

现代光学向人们展示了太阳光是由赤、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种颜色的光组成的。我们可以通过三棱镜或雨后彩虹亲眼观察到这种现象。在阳光的作用下，大自然中的色彩变化是丰富多彩的，人们在这丰富的色彩变化当中，逐渐认识和了解了颜色之间的相互关系，并根据它们各自的特点和性质，总结出色彩的变化规律，并把颜色概括为:原色、间色和复色三大类。

（1）原色

也叫“三原色”或“三基色”。即红、黄、蓝三种基本颜色。自然界中的色彩种类繁多，变化丰富，但这三种颜色却是最基本的原色。原色是其他颜色调配不出来的。而用原色加上白色和黑色，则可以调配出其他任何一种颜色。

（2）间色

又叫“二次色”。它是由三原色调配出来的颜色。红与黄调配出橙色；黄与蓝调配出绿色;红与蓝调配出紫色，橙、绿、紫三种颜色又叫“三间色”。在调配时，由于原色在份量多少上有所不同，所以能产生丰富的间色变化。见彩图(4)。

（3）复色

也叫“复合色”。复色是用原色与间色相调或用间色与间色相调而成的“三次色”。复色是最丰富的色彩家族，干变万化，丰富异常，复色包括了除原色和间色以外的所有颜色。见彩图（3）。

9、互补色、邻近色与同类色

颜色之间的互补关系(对比关系)与邻近关系是学习色彩的又一重要问题。色彩学上称间色与三原色之间的关系为互补关系。意思是指某一间色与另一原色之间互相补足三原色成分。例如，绿色是由黄加蓝而成，红色则是绿的互补色；橙色是由红加黄而成，蓝色则补足了三原色；紫

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色是由红加蓝而成，黄色则是紫的互补色。如果将互补色并列在一起，则

互补的两种颜色对比最强烈、最醒目、最鲜明：红与绿、橙与蓝、黄与紫是三对最基本的互补色。在色轮中颜色相对应的颜色是互补色，它们之间的色彩对比最强烈。

而邻近色则正好相反，邻近色之间往往是你中有我，我中有你。比如:朱红与桔黄，朱红以红为主，里面略有少量黄色;桔黄以黄为主，里面有少许红色，虽然它们在色相上有很大差别，但在视觉上却比较接近。在色轮中，凡在60度范围之内的颜色都属邻近色的范围。见彩图 (1)。

同类色则比邻近色更加接近，它主要指在同一色相中不同的续色变化。例如，红颜色中有紫红、深红、攻瑰红·大红、朱红、桔红等等种类，黄颜色中又有深黄、土黄、中黄、桔黄、淡黄、柠檬黄等等区别。这些同类色变化多样，千姿百态，在色彩训练中，如果我们能够根据需要调配出更多、更丰富的同类色，那我们的色彩表现力就会越来越强。如果你能熟练地区别和调配出几十种不同的绿色，那么在风景写生时你就能随心所欲地表现出大自然中不同绿色的变化，而不会只用一种单调的绿色去画。表现其它物体也是如此。一个人掌握的词汇越多、越芋富，那么他的语言表达能力也就越强、越精彩，绘画也是同样，所以熟练地掌握同类色的变化，并能随心所欲地调配出来，对于丰富我们的色彩表现力是十分重要的学习内容。

（三）正确的观察方法是学习色彩的关键

1、 什么是正确的观察方法

我们知道，正确而敏锐的色彩观察力，是画好色彩画的关键。正确的观察是准确表现的前题。当我们去画风景写生或面对一组静物时，呈现在我们面前的是许许多多具有不同色彩变化的物体，要想准确、真实地把它们描绘出来，正确的观察和分析就是第一位的了。

那么应该怎样去观察呢?

首先，我们应把所要画的所有物体的整体郡包括在我们的视线里，同时去看，连同它们周围的环境、背景、光线等因素一块去分析，不要把注意力陷在某一物体或某广局部上。特别耍排除对物体本身颜色的固有概念，要去具体观察被画物体在当时的光线和环境下所产生的具体色彩变化，感受物体环境的总体色调与气氛，确定画面总体的色彩对比与大的冷暖关系，

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在画某一物体的颜色时，要把它放在整体申去分析。也就是要把它放在它所处的环境中，同周围物体的颜色相比较，准确地把握住它的色彩关系。

这时任何孤立的固有色、概念色对画面的色彩效果都是有害的。画家的任务就是要正确地观察和表现物体在光线与环境等因素影响下能产生的丰富变化。

任何一种物体的颜色，都会随着光线、季节、环境的变化而变化。比如一棵树，早晨在晨光的照射下，\沫浴在淡黄和玫瑰色之中;晚霞时又被金黄、桔红色所笼罩;夜幕之中又呈现墨绿和青紫色。一棵树在春天时，叶子淡黄嫩绿，夏天又会变成深暗的墨绿，秋天则逐渐变黄发红，冬天树叶枯干变成灰褐色，这些变化都是自然界中，光线、季节、时间、环境对色彩的影响。再如，一个穿白衬衫的人，当红光照射上面时，白衣服就会呈现红色，蓝光照射时，又会呈现蓝色，不同颜色的光线，或不同颜色的环境，都会改变和影响它的颜色。一种颜色是受多种客观因素的影响的，我们在画画时，就要把这些因素考虑进去，分析、研究物体颜色所受到的各种影响，不能只凭经验笼统地对物体进行简单的、僵硬的概括，这样我们才能更准确、更真实地把握住色彩的变化。

以上就是绘画中有关色彩方面的正确的观察方法。在这众多因素和影响中，我们可以用一句活把它们概括起来:\整体观察，同时比较\。

2、色彩观察应注意的问题 在实际绘画过程中，初学色彩的美术爱好者应该特别注意以下几个问题：

（1）大色调

在绘画过程中，大色调对于画面效果来说是至关茧要的。画中主要物体的色彩倾向和主体光源的颜色决定着画面的大色调。

在整体观察比较时，我们会发现，主体光源和主要物体的颜色会影响和改变其他物体的色彩，而这一点初学者在局部观察时是不容易发现的。局部观察和局部表现是初学者把握不住整体色调的主要原因。

（2）大明暗

指画面中主要物体色彩之间的明暗对比。色彩的明度和亮度变化，在绘画中起着非常重要的作用。初学者在开始作画时，往往忽视这一问题，特别是素描基础不好的人，更容易在这方面出问题。画面色彩如果没有明度变化，没有深浅对比，那整个画面不是漆黑一团，就是灰白一片。

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在绘画初期，开始铺色时就要非常重视色彩的明度对比，要十分肯定地确定色彩之间的明暗对比。甚至应比物体实际的对比更加强烈一些。因为，随着逐渐深入，画面的层次会逐渐增多，色彩之间的对比也就会被逐渐减弱，正好与实际对比一致。

能够准确把握描绘对象之间的大色块的明暗对比X系，是提高色彩观察、表现力的重要一环。

（3）大冷暖

指画面中物体颜色之间大的冷暖关系。画面中色彩的冷暖对比问题，对于初学者来说是比较难掌握的。某种颜色，如果不把它放在整体环境中去观察分析，是很难确定它的冷暖关系的。例如:一组水果静物，有杏、梨、苹果、李子、红枣等许多品种，如果孤立地去看，便很难分出它们的冷暖关系；总体来看，它们的颜色都是偏红、偏黄的暖色，要想确定它们之间的冷暖关系，就必须把它们放在一起去观察比较。通过分析，我们就可以发现:在青否和黄梨之间，梨的颜色要比杏暖一些;苹果红中带黄，则比带一点绿味的黄梨暖一些；李子虽然也是红色，但李子的红色中带有一些紫色，所以也比苹果冷一些;红枣虽然也是红色，但它是一种深暗的暖红，所以比李子、苹果都要暖一些。通过这样的分析和比较，我们就能比较正确地确定它们之间的冷暖关系。

在实际绘画中，除了要能够准确地分辨出具体物体之间色彩的冷暖差别之外，更重要的是要把握住画面总体色彩大的冷暖对比关系。在风景画中，天、地、物之间大的冷暖关系;静物画、人物画中的主体与背景之间的冷暖关系；同一物体由于前后距离不同，也会有冷暖关系上的变化。把握住这些大的冷暖关系，比局部冷暖变化更为重要，因为它关系到画面的整体关系与大效果。

大色调、大明暗、大冷暖，是色彩绘画训练过程中，最为重要的三个方面，我们只有从这些方面去观察、分析被画物体色彩之间的特点，才能准确地把握住色彩的各种变化。

(四)色彩画简介

色彩画的种类很多，根据所用的工具、颜料和不同的绘画方法，大体可分为水彩画、水粉画和油画三大类。现分别简单介绍如下。

1、水彩画

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水彩画是以水和透明颜料来进行绘画的。甩水来调合颜色并画在一种特制的水彩纸上。水彩画充分发挥了水和颜色的干、湿、浓、淡及颜色清纯、透明的特点。画面满洒、轻快、湿润、流畅，并能够创造出其它画种所不易表现的水气雨意、轻纱薄雾、晶莹剔透、扑朔迷离等效果，是许多画家所喜爱的一种绘画形式。如英国、瑞典、澳大利亚的许多著名水彩画家及我国的许多著名水彩画家，他们所画的水彩风景、静物、人像等杰作给我们充分展示了水彩画的艺术魁力。

水彩画的工具简单、方便。笔分狼毫、羊毫、兼毫等多种。根据绘画需要可选用大、中、小不同型号的笔。一般大面积滔染的时候，用羊毫甚至用板刷，刻画细部用兼毫或狼毫。

水彩画中一般不用或很少用白色。高光亮面等淡色是利用白纸本身来表现的。水彩颜料在调合时也不要种类太多，同时调入多种颜料往往容易破坏水彩画的透明效果，还容易把画面搞脏。

水彩画的画法分干画法和湿画法。干画法指的是要待第一遍颜色干了以后，再画第二遍颜色。湿画法是水彩画的主要技法，利用水分的多少、干湿，创造各种不同的效果。水分和干湿程度的掌握是水彩画的关键。有时需要水分充裕，利用水的流动衔接两块颜色，使它们相互渗化、不留衔接的痕迹；有时要在第一遍颜色没干时，就罩上第二遍颜色，两种颜色混合后形成一种新的色彩；有时要趁画面半湿半干时画上第二遍颜色，形成丰富的变化。

除了以上方法外，还可以运用一些特殊技法来表现一些特殊效果，如用刀刮出高光或用蜡把要留白的地方填上，可以得到埋想的亮面效果。再有演染时在画面上撒一些盐粒，盐的吸水性可使画面中的水分产生变化，出现深浅不同的特殊效果。除此之外还有水洗、沉淀、流色等等许多方法。总之，要根据画面的需要来确定使用的具体方法。一幅画往往要运用多种表现手法，包括干、湿画法的并用，才能创造出理想丰富的效果。

但是初学者要注意以下儿个问题:一是水彩画中水分的干、湿较难掌握。干、湿的程度不一，画出来的效果就不一样。需要反复练习，通过大量的实践熟悉水性和纸性，才能逐渐掌握干、湿画法。二是要注意水彩画法的步骤。因为水彩画所用颜色是透明的，颜色遮盖力很差，特别是浅色无法遮盖深色，一旦画上去了，就很难修改去掉，所以水彩画二般是先画浅色，由浅入深地逐渐往上加，最后画最深的颜色。如果确实

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画坏了，那么只能用水把画错了的地方洗掉。但这样很难不留下颜色和水的痕迹，而且也容易把画面搞脏，破坏水彩画所恃有的清新秀丽的效果。所以水彩画儿乎是不能改的，画之前一定要把你所想表现的效果和所用的手法及具体步骤想清楚，真正做到胸有成竹，最后才能挥洒自如，一气呵成。

熟练掌握水彩画技法是学习水彩画的关键。许多初学色彩画的青年朋友，他们对于表现色彩充满了激情，但往往被色彩画中的备种技法所辖制，特别是水彩画的干、湿技法和色彩的透明特性，都使他们望而却步。再有水彩画由于水色在画面上的干湿、浓淡、流动等技法的运用，需耍较长的绘画的时间。干、湿画法交替运用时要等画面干透。由于水的影响。画板也要以平放为E，画特殊流动效果时画板还要根据需要来回倾斜移动。这就决定了水彩画的画幅不宜过大。所有这些，给画家带来了很多限制，造成许多不便。也影刊，画家的创作激情\这也是近些年来水彩画不太发展的重要原因之一。但随着艺术形式的不断发展和相互影响借鉴。在保持水彩画独特艺术效果的同时，许多画家正在探索能够克服这一画种画法的不足的方法，并创造出更多、更好的表现形式。

正像所有艺术形式一样，一个画种既有它独特的与众不同的风格。也会有由于画种在工具、材料、画法上的局限所带来的弱点和不足，许多画家正是在掌握这些特点和不足的同时，探索创造出新的表现形式。

2、油画

油画是以油料做为调合稀释剂并以油性颜色来进行绘画的历史悠久的画种。由于它在颜料、工具方面有更大的适应性和其它画种所不能达到的更强的表现力，使油画成为一种最为完美成熟的艺术形式。历史上无数艺术大师给我们留下了许多精美的油画杰作，通过这些作品我们可以亲身感受油画艺术无与伦比的艺术魅力。

油画一般画在涂有底色。绷在内框的亚麻布上，也可以画在纸板、木板。甚至墙面上。油画的画幅大小不受限制，小不过尺。大可，二 \姜有限毫和棕毫两类，分圆头和扁头二种。国内市场常见的有1号一12号大小不等的棕毫笔。油画颜料的种类甚多。但常用的不过二十几种。画家一股都根据自己的需要和习惯选择固定的某些颜色来使用。一般常用的有如下几种：钛白、泞檬黄、中黄、桔黄、朱红、大红、紫红、玫瑰红、土红、赭石、生褐、生褐、翠绿、中绿、粉绿、钻蓝、群青、普蓝、黑色。其它一些颜色可根据画面色调的需要选用。在大多数情况下。

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画家在画一幅作品时，用的最多的只有十几种颜色，有的甚至更少，只用五、六种颜色。画面色彩的芋富。不是括。两颜色越多越好，而是指画面色彩之间的层次丰富、对比细腻，变化微妙，画面色彩的丰富与否。 取决于画家的色彩感受和运用色彩的能力，而不取决于颜色的多少，所以许多绘画大师技艺越精，用色越少，以致于在他们的调色盘上常常兵有证、六种颜色，但画面颜色却非常丰富。他们可以用极少的几种颜色调配出丰富的色彩变化。初学者由于调配颜色的能力差，只好借助于多用颜色来使色彩变比丰富起来。可是如果颜色之间没有内在的联系和变化，用色多了。画面不但不会丰富，反而会越来越花，越来越乱，最后只能像一个大调色盘。所以田色与调色是学习色彩的关键。

油画所用的工具还有调色油(一般使用亚麻油，市场有售)、松节油、速干油、上光油、调色刀、画箱、画架等等。初学者恨据自己的实际情况可简可繁。有些工具如画框、画箱、画架可以自己动手制作。

下面简单介绍一下在画布、纸板、木板上做底子的方法： 首先把布 (亚麻布或包装布、小帆布都可)绷在内框上，要绷平绷紧，用小钉子把布固定在内框的外面。把骨胶按1:10比例加水，用火加热，烛成胶液 (胶粒耍全部溶化)，然后用板刷均匀地涂在布上，形成一层胶底。待干后，在原来的胶液中加入适量的立德粉 (一种白色粉面，在化工商店有售)再刷一遍，待干透，即可使用。也可以用油漆加入适量立德粉在第一遍胶底上涂一遍。油画板、油画纸的作法与油画布相同，只是在涂第二遍时，要趁涂料末干时，用胶滚在上面滚出纹路来，也可用纱网印出布纹。目的是使表面不要太光滑，以免影响着色效果。

如想得到有底色的画布或画纸，则可以在制作涂料时加入所需要的颜色。胶粉底可加广告色，油粉底则要加油色。在有底色的画布或画纸上作画是许多画家经常使用的一种方法。它能使画面很自然地统一在底色的色调之中，给画家提供了进行艺术创造的天然环境，可以出现许多意想不到的效果。但初学者在开始学习色彩阶段不宜在色底上做画。

油画画法：油画做为一个历史悠久的画种，经过不同时代、不同流派、不同风格的演变，创造的画法是多种多样的。不同的画法带有不同时代审美情趣和画家个人风格的印迹。也可以说每个画家都有自己的表现风格，都有自己独特的绘画技巧和方法。所以，油画的画法，从蛋清画 (油画早期阶段)时期的宗教壁画一直到近现代各流派的油画，如古典派、浪漫派、印象派、点彩派、立体派、写实派、超级写实派、超现实

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派及表现主义等等，可说是多种多样。油画已成为一个包罗万象的大干艺术世界，它的画法也是干奇百怪、丰富多彩的，甚至每天都有标新立异的新的风格和画法出现。油画艺术发展到了现阶段，己很难就它的画法做某种统一的介绍了。

我们现在恨据初学者的特点，就油画的一般写实画法给大家做个简单介绍：首先用炭条 (如有把握，也可直接用单色油画色)画素描稿，确定所画物体的比例、结构、透视等大关系。长期作业，索描稿要画得细致一些，风景写生和短期作业可直接用油画色来画。

素描稿画好后，用定画液固定，此后便可用松节油调稀油画颜色，从暗面开始画(暗面颜色要薄、尽量不用或少用白色)。接着开始铺大关系，以明暗交界线和主要物体为重点，依次铺出灰面、亮面和背景。确定物体之间的色彩对比、明暗对比、冷暖对比、虚实强弱对比等大关系。铺色阶段必须把握住画面的整体效果;首先创造出画面的总体气氛。

偏重于古典油画画法的，在铺色阶段基本以单色素描为主，逐渐加入颜色变化，有时还需要待干后用稀薄的透明颜色层层罩染，以使画面色彩逐渐丰富起来。而现代油画则强调色彩关系。从广开始，就要把物体之间的色彩差别、冷暖变化鲜明而准确地表现出来，画面自始至终都充满明快的色彩变化。

在整体效果和大关系的基础之上，再逐步深入、精雕细刻，使画面渐趋完美，使物体的立体感、空间感、质感得到充分的体现。在深入阶段，要特别注意形体结构与色彩的统一，要注意远近虚实、主次粗细的对比，要注意在随时调整中去深入。

另外还要注意以下几个问题:一是在铺颜色时开始要薄，亮面、灰面可逐渐加厚，能创造一种笔触的肌理效果和薄厚相宜的物理效果。二是在长期作业时，如油色表面已经干了，结了一层薄的膜，则要等彻底干透后才能继续作画，否则会出现吸油和变色等严重后果。如当颜色处于半干不干而又必须画时，可用调色刀把表面干层刮掉后再继续画。三是油画用笔要根据画面物体大小来选用。一般不要用小笔来画大物体或大面积的色彩。又因颜色在笔上不易清洗干净，所以画笔应根据所画物体分类使用。暗面、亮面、灰面或经常用的某几种颜色都需单用，不可在相差很大的色彩之间用一文笔调来调去，以免把颜色弄脏。油画笔在调色时需要把笔上原有的颜色用纸或布擦掉，但笔毛中多少总要残留一些原来的颜色，使调色受到影响。所以在调色时原来调暗颜色的最好还调

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暗类颜色，原来调亮颜色的还用来调亮类颜色，以保证调出理想颜色而不把颜色搞脏，特别是有些非常纯净的颜色，如果笔毛上面夹杂其它颜色，就很难再用它画出纯净漂亮的颜色了。油画笔在画完后，要用松节油湖洗一下，然后用肥皂把它洗干净。最后用旧报纸把笔头卷包起来，留待下次画时再用。如两、三天之内接着画，可以把笔泡在有水的瓶子里，画时把水擦干就能接着使用。但不要时间太长以免颜色干在笔上，不好清洗，也影响笔的寿命。

再有就是油画的装框问题，油画外框对画起着锦上添花的作用。俗话说：“国画装禄，油画装框，三分画，七分装。”足见最后装饰对画面效果是非常重要的。

油画外框种类很多，作画者可根据需要自己动手制作。外框的形式要和画的内容风格相适应。古典风格的比较适合于宽边雕花外E，使画面更加华贵；现代风格的则应用简洁的不同宽窄的条边木框或金属边框，这可以使画面更具有现代感和形式感。有些画家还标新立异，直接用带树皮的原木或钢材做外框，使画面更具有古拙、朴实的自然美。有些很好的画，由于外框没有配好，使画面效果受到很大影响。总之外框也是画的一部分，也要十分重视，使我们的审美范围从画面中开扩出来。

油画以它巨大的艺术魁力，吸引着无数热爱绘画艺术的人们。 3、水粉画

水粉画与水彩画不同，虽然它也是用水来调合颜料，但它的颜色却是不透明的，有着像油画一样的遮盖力。所以它既有一些水彩画的特点，又具有油画的某些表现效果，是一种较易于初学色彩者学习的绘画形式。

水粉画的颜料具有较强的遮盖力，也易于修改。水分可多可少，涂色可厚可薄，随画随干。画幅大小也不受限制，画法与油画十分接近。它兼有水彩和油画的某些优点，所以水粉画的表现力和适应力是很强的。从建筑设计图到宣传广告，从商品装演设计到书籍装帧，从工艺装饰到主题绘画创作等等，几乎所有的绘画领域，都有水粉画的用武之地。水粉画如此广阔的社会应用功能是水彩和油画难以办到的。

水粉画具有的这些优点，使得它特别受到初学者的欢迎。由于它克服了水彩画相油画的许多缺点，便于学习，便于掌握，因而也是现在最为流行和普及的一种绘画方式。

水粉画的画法有多种，每种方法都有各自的优点，初学者可根据绘

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画需要和目的有计划地去练习和选用。

（1）先暗后亮法。从暗面开始画起，首先画背光面的颜色，把暗面阴影的颜色铺出来，然后依次画出灰面和亮面的层次。此种画法与油画画法接近，宜于在较短时间内画出整体效果，便于把握画面的明暗对比关系，便于比较画面中不同物体之间的各种关系。先画出暗面，物体的立体感、空间感和透视关系也比较容易刨造出来。有暗面做为基础，也给灰面和亮面提供了较大的绘画余地。此种画法是最常用的一种方法。

（2）先亮后暗法。此种画法与水彩画有许多相同之处，从亮面画起，逐渐加深。多用来画一些高调作品，在色彩变化上要求很高，变化要很微妙。如处理不好，会使画面色彩显得没有力量，粉气、轻飘。

（3）先铺色块法。此种画法是先把画面中较主要的大色块铺出来，然后再画暗面，逐步塑造。此画法的特点是能很快地把握住整体色调变化，对训练色感十分有益。恃别在风景写生中经常运用此法。但此方法难度较大，特别是没有经验的初学者，开始很难把握画面的整体效果和大关系。往往容易使画面形成颜色的堆砌，色彩花、乱，缺乏立体感、空间感。

水粉画的画法还有很多，特别是近年来一些新工具、新技术的采用，使水粉画的画法更加丰富多彩。如:喧染法、并置法、喷涂法、拓印法等等，所有方法都有各自的特殊的效果。这里就不做详细介绍了。但是初学者一定要记住，所有方法都是为画服务的。在实际绘画过程中，这些不同的方法往往又因需要而交替使用，所以对于画法，不要机械地去学去用，要根据绘画需要灵活掌握。尽管方法上有许多不同，但基本法则都是初学者应该严格遵循的。

4、绘画的基本法则

从整体开始:这是众多画法都必须遵循的基本方法，初学者尤其要注意这一点。构图时根据对象的色调倾向和冷暖关系，用锗石、熟褐或群青、钻蓝起稿。初学者也可用铅笔打个草稿，要把比例、结构、透视等关系画准。起稿时，首先要考虑画面构图安排和整体效果的处理;构图不仅仅是如何安排景物的问题，构图与构思是需要同时考虑的。在构图时画者对于景物的特征，所要表现的总体气氛，色调的处理，画面的主次、强弱、虚实关系，色彩的冷暖处理等等这些大关系都应感受到。\并在起稿构图阶段把对客观景物的这种感受孕育积聚起来，通过构图，使这

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种感觉和感受逐渐扩大强烈起来。这种强烈的绘画激情要体现在铺大色调的过程中，并用这种激情来统帅整个绘画过程。这种绘画感受和激清的心理过程的培养往往被许多人所忽视。特别是初学者往往只急于掌握具体画法和步骤，忽略了对所画物体本身的感受，机杖地按照程序去画，没有分析，没有想法，更谈不上绘画的激情和冲动。对绘画对象没有感情，没有艺术上的理解和想法，只是机械地按照步骤去做，这样画出来的东西是没有生命的，既打动不了自己，也感染不了别人。更为有害的是，只注重于步骤和方法的训练，而不注意从一开始就培养锻炼自己的艺术感受力，技能技巧可能很熟练;但在艺术修养和审美水平上却得不到提高，画到一定程度就很难再有所提高了。所以对于初学者特别是初学色彩的人来说，从一开始，就应把基本方法技能技巧的训练，同绘画艺术感受力的训练，同时进行，技巧和修养相互促进，才能使我们的学习训练取得更大收获。

铺大关系：这一步是色彩绘画的关键阶段。画家的艺术感觉和想法要通过这一阶段表现出来。特别要强调感觉，强调大关系，强调整体效果。铺大关系要注意以下几个问题：

（1）大色调己把握住色彩的总体倾向，根据感觉很快地铺出主要物体的色彩。用色开始时可以有些强调和夸张，要注意光源对主要物体颜色的影响。铺大关系时要注重画面中各种色彩之间相互影响的交响效果，从而表现出丰富的色调变化。初学者应经常进行短期的铺调子练习，时间在30分钟左有，风景、静物都可以。，在形体结构方面可以放松一些，重点在对色彩的观察、分析、比较中，提高我们的色彩感觉和把握整体效果的能力。见彩图 (4)。

（2）大冷暖。在铺大关系时，另一重要因素就是色彩的冷暖问题。色彩的冷暖变化是人们的一种心理感觉，又是一种色彩变化规律。冷暖关系直接关系到画面的色彩效果。确定物体的冷暖关系，首先要分析光源的冷暖，一般来说太阳光较暖，天光较冷;日光灯较冷，而白炽灯较暖。物体受光面的冷暖与光线的冷暖一致。如光源暖，亮面就偏暖，反之，光源冷，亮面就偏冷。在亮面与暗面色彩的冷暖变化中，冷暖变化又呈现一种互补的关系。亮面偏暖，暗面就偏冷，反之一样。如在夕阳照射下，亮面偏暖为金黄色，而暗面则呈现偏冷的蓝紫色。这种色彩中的互补变化，也是冷暖变化的一个规律。

再有，同一颜色的物体，由于距离远近不同，也会产生不同的冷暖

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变化。比如有两面红旗，一面在你面前，另一面在50米以外，虽然是同样颜色，但我们同时观察，它们的冷暖却大不一样。前面的很暖，而后而的就偏冷。同一色彩近暖远冷是色彩冷暖变化酌又一规律。

那么在不同颜色之间如何确定冷暖关系呢?除了上面我们所讲的光源；远近等因素对冷暖产生的影响之外，确定不同颜色之间的冷暖关系主要是取决于物体自身色相的冷暖差异。也就是说，物体本身颜色越接近黄、红就越偏暖色，离蓝、青色越近就越偏冷色。处在这冷暖两极中间的一切颜色，各自都有微妙的冷暖变化，在实际绘画中切不可把冷暖色简单地理解为暖色即红、黄，冷色即蓝、青。在接近的色彩中或在类似颜色的物体中，能够准确分辨出色彩的冷暖关系和变化，才是我们所要解决的真正难题。

（3）大明暗。色彩的明暗变化是色彩造型的重要手段。在铺大调子时，在观察色调、确定冷暖关系的同时，就应十分注意色彩之间大的明暗对比关系。一幅成功的色彩画，除了要有讲究的色彩之外，正确的素描关系，也是十分重要的。有一些初学者错误地认为，画色彩只要颜色漂亮就行，素描差一点也没什么关系。结果我们在这种画面中所看到的，只是一些缺乏关系、缺乏条理、混乱不堪、互不相干的颜色。所以在铺大关系时，在确定色调关系和冷暖关系时，同时确定明暗关系是必不可少的。也就是说，在铺颜色时，每一笔既应有色彩关系、冷暖关系，又应有明暗变化。在铺调子的最初阶段，画物体的明暗关系同确定色彩关系、冷暖关系一样，部是十分重要的。大的色调关系、大的冷暖关系、大的明暗关系这三个大的方面是画色彩所要解决的主要问题，特别是在铺大关系的初期阶段就更显得十分重要。这三个大方面的关系处理好了，画面的整体效果和大关系也就画出来了，并且给继续深入打下了良好的基础。

（4）调整深入。一幅色彩画在铺完大关系以后马上就进入调整深入阶段，调整是关键。调整与深入的目的是使色彩效果更丰富和谐，结构更准确结实，画面更加深入、细致、生动。调整本身就是一种深入。

调整深入要注意以下几个方面：

分主次：画中物体不能面面俱到、没有重点，要有主有次。主要物体是中心，对画面效果起着主导作用，要下大气力做为重点来刻划，次要的物体就要有意识地放松一点，有粗有细，相互衬托，使画面形成一种主次、粗细对比的关系。

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重虚实：艺术的魁力在于含蓄。画面中的虚实关系，正是体现了这一美学原理。中国画里就有气韵生动、奇峰藏秀、虚实掩映、妙趣无穷等论述。西方绘画中说的意境、气氛和韵味都是指的这个问题。虚实关系处理好了，能够使画面产生一种含蓄的美，存在丰富的变化，微妙的对比。在实际绘画过程中，要根据对象的虚实关系，有意识地去强调虚实对比，使虚实的变化更加强烈。在许多绘画中，我们经常可以看到这样的处理，暗面或某些阴影中的物体虚得几乎与背景混然一体。虚实关系的这种夸张的处理使画面形成一种强烈的强弱对比，亮面更实，更加突出;暗面更弱，更加丰富。平铺直叙、面面俱到，使人一览无余，往往没有回味的余地，而虚虚实实，有强有弱，有藏有露则给人一种变化无穷的艺术感染力。所以我们要特别重视并学会虚实关系的处理。

同中求异，异中求同:在调整深入时，对于相同的颜色要找出它们之间的差别及不同的变化，要在不同的颜色之间去发现它们的联系。在同一环境中每个物体的颜色都不是孤立的，都会受到光线和环境的影响。要注意去发现它们之间的联系，找出它们之间的差别，对于调整深入是十分重要的。这种比较和分析，对于提高我们分辨色彩的能力，丰富我们的色彩感受力，郡是十分有益的。

调整深入，细致刻化:除了大效果的色调练习和短期作业以外，在调整色彩关系的过程中，要逐步深入、细致刻化。要表现出物体的立体感、空间感和质感。主要物体要画得非常细致。有些初学者往往认为画面上大关系正确，整体效果好就行了，没有必要画得那么细致。其实这是一种误解。大关系正确，整体效果好是十分必要的，是初学者要首先掌握的。但我们强调大关系、整体效果，不是不要局部，不是不去深入，相反是为了更好地画局部，更准确地表现物体。整体效果是为局部深入奠定基础，为深入提供条件的。一幅作品，不能只停留在大效果上，要有耐人琢磨，精雕细刻的地方，也就是俗话说的要“耐看”，要做到画面具体、深入而不花、不乱，画面浑然天成而又深入不空。这就要做到，整体与局部的完美统一。深入的过程也就是反复比较、调整关系的过 程。

深入的能力要通过大量的绘画练习和严格的训练才能逐步提高。绘画不只需要感觉和激情，也需要工匠似的耐心和毅力。

完成阶段：一幅画在将近结束时，要求画者十分清醒，耍从深入阶段中解脱出来。回到最初的创作激情之中。能够保持这种最初的绘画灵

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感是十分重要的。从旁观者的角度来审视你的作品，一切局部效果都要服从整体关系，要从画面的整体艺术气氛和效果上去调整，去收拾，去整埋，加强不够的，减弱太跳的。局部即使再精采，如果破坏和影响整钵效果，也要把它改回整体中去。这时总的艺术想法，总体气氛，总体感觉和效果才是第一位的。画者的艺术修养和审美追求对于画面的最后效果起着非常重要的作用。法国著名雕刻大师罗丹在他雕塑 《巴尔扎克》像时，为了突出人物的主体而毅然去掉雕像非常精彩的双手，就是一个非常具有说明力的例子。

（五）构图知识

1、什么是构图

当我们面对所画物体，开始作画时，首先遇到的就是怎样正确构图，画面如何安排的问题。

物体画多大，空间留多少，上下、左石、高矮、疏密怎样安排4协调、自然，具有美感等等，这些就是我们所说的构图问题。

构图，在中国画中称为 \章法\，又叫\经营位置\。一幅优秀作品，不仅耍在内容、技巧、风格美感上是出类拔苹的，而且在构图方面也应有新颖的独到之处，才能称得上是埋想的作品。所以古今中外几乎所有绘画大师郡非常重视对于构图的研究。如法国著名浪漫主义绘画大师席里柯，他的最著名的《美杜萨之筏》一画，在创作过程中就反复进行了大量的构图尝试，几易其稿，甚至还亲自实地考察访问当事人，并根据当事人的回忆做了木筏和泥人模型，反复进行构图的探索与研究，最后终于确定出最能表达画家意图的理想构图，使《美杜萨之筏》一画成为他的代表作。由此可见，一幅优秀作品的涎生，构图起着决定的作用。构图能力是一个画家审美情趣和艺术修养的综合体现。

2、构图的一般规律

构图，做为绘画的一个垂要组成部分，有着它自身的变化规律。我们知道构图时，要涉及形体、结构、大小、高矮、长短比例;明暗、色彩对比、疏密变化和空间透视等多种绘画因素，画家根据自己的刨作意图，运用这些因素组织安排一个体现自己理想的画面。下面我们就来具体分析一下画家是依据什么来安排组织画面与构图的。

（1）对称与均衡

无论是自然界还是人类社会，对称现象是普通存在的，举一个最简

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单的例子，如对生的树叶见图 (2)。从图申清楚的看到以叶茎为中心，在它的两边对生着同样的叶片。这是一种典型的对称形式。对称的东西给人稳定、和谐、庄重的感党。见图(3)人类很早就从自然界的启示中萌发出了付称意识。并逐渐形成人类早期的一种基本美感。这一点从人类初期的文化中得到亢介的证明。中古代器皿造型和图案装饰都是对称美的体现。古今中外。许多宫鼓庙宇、楼台亭阁，不管形式上有多少变化。对称的格局总是占着主导地位。就以古都北京的紫禁城来说，它的建筑风格就充分体现了对称的特点，甚至连整个都城的总体设计和建筑名称都体现出对称思想格局。如：天安门，地安门；东华门，西华门；天坛，地坛；日坛、月坛等等。这种对称的安排，比比皆是\从这些现象中，可以充分说明，对称意识在人们的审美意识和欣赏过程中占有对称虽然以它庄重、和谐、稳定的特点形成了人们审美意识和欣赏过程中占有多么重要的地位。

图（2） 对称的树叶

图（4） 呈均衡形的树叶

图（3） 古代的彩陶纹图案

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对称虽然以它庄重、和谐、稳定的特点形成了人们审美意识中的一个基本因素。但同时也表现出它的一个最大的弱点——单调、呆板、缺乏变化和生气。人类永不满足的追求。促使人们去探索新的变化形式，从而在对称的基础，上，逐渐形成了一种均衡意识。 均衡。是一种以对称为基础的变化。人们从自然界中也得到了许多启示，比如：互生的树叶见图 (4)。就是一种典型的均衡形式。从图中我们可以看到它既保持了对称的稳定、和谐，又比对称富于变化。均衡打破了份量上僵 图(3) 古代的彩陶纹图案死的对称关系，追求的是一种视觉上物体之间力的平衡。比如三个物体，中间放一个，两边相等，距离各放一个，就形成了一种对称构图，画面显得单调，重复，缺少变化。见图 (5)A。

如把这三个物体重新组合一下，如图(5)B所示的那样，使画面形成一种均衡效果，就显得自然，活泼，富于变化。在变化时要注意，物体 不能在一条直线上排成一队，以免显得死板或偏离画面中心。

图(5)C中的物体之间虽有变化，但偏离了画面中心，构图就显得不舒服。

图(5)D中的物体，虽然在距离上有所变化，但由于它们同处在一条直线上，同样给人一种不舒服的感觉。

在构图过程中，画面过于对称，显得死板，没有生气。变化不和谐，则显得杂乱，琐碎，没有规律。所以一幅完美的构图，既要变化，又需要统一。

（2）变化与统一

当我们已经掌握了对称与均衡的基本法则以后，要想在有限的画面中，创造出丰富多样的构图，就需要进行不断的探索与创新。没有刨新，艺术的生命就要僵化和停顿。规则有限，而变化却是无穷的。构图的规律也不是一成不变的金科玉律，它需要在创新和变化中得到不断的发展。

构图变化的因素很多，初学者可以根据这些因素，去变化刨造出许多新颖、丰富的构图。构图的变化，概括起来，大体有以下儿种：

A、大小变化:在构图时，画面上的物体要注意有大小变化，要有主有次。如果画面中物体都是同样大小，就会出现一种并列、重复、死板的效果见图(6)A、B。大小有所变化，画面就显得轻松，活泼，看起来

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也比较舒服。

B、高矮变化：除了大小变化以外，物体的高矮变化也十分重要。画面中物体有高有矮，给人一种起伏，错落之感，就像一首乐曲起伏的节奏和旋律，给人一种优美的享受。反之，如果只是一个音高，一种节奏，就会使人感觉平淡、乏味。如图(7)上大小虽有变化，但高矮接近，就不舒服;图(7)下在高矮、大小方面都有变化，就比较合适。

C、疏密变化：疏密处理在构图中是十分重要的。中国画在章法论述中就有：“疏可跑马，密不透风”之说。意思是说，在构图时画面要有疏密对比，稀疏的地方可以跑开骏马，密集的地方连风都吹不进去。这是一种夸张的形容，但非常形象地说明了疏密的对比关系。

如果在构图时，不讲疏密关系。洋洋洒洒，满纸遍布，那将给人一种没有中心，没有重点，杂乱无章的感觉，反之，构图过于紧密，物体部聚在一起。又会给人一种拥塞，压迫、不舒服的感觉，如图8 A、B。所以构图一定要注意物体的疏密变化和对比，既不能过疏 (过疏显得塞)，也不能过密(过密显得堵)，要有疏有密，疏密得当，如图 (8)C。

疏密变化得当，可以创造出许多有趣、有强烈艺术感染力的画面。见图 (9)。

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A B

图（6） A 物体大、小一样，缺乏变化。

B 物体大、小有变化，看起来就比较舒服自然。

D深浅变化：构图中的深浅变化主要指的是画面中总体的黑、白、灰的布局安排。这对于一张画的整体效果来说是至关重要的。特别应注意白饥 一是画面中的物体要有黑白灰色调的对比，这种明暗对比可以是所画物体本身固有色的深浅变化，也可以是经过光线照射所产生的明暗变化。最好是两者兼而有之。枷果画面在深浅上没有差别和对比(或对比极小)，画面不是漆黑一团。就是苍白无力。我们所说画面太黑、太灰、太飘、没有份量。都是这一类问题。

二是要注意黑、白、灰的分布既不能太集中，也不要太分散。耍注意对比衬托的和谐与统一。画面中的黑白变化要考虑总体布局、物体的主次关系和明暗之间的相互衬托等多种因素，主动合理地进行黑、白组合与分布，能使画面产生丰富的明暗变化和多彩的艺术效果。见图 (10)。

E、颜色变化：在色彩画构图中，除了上面说的儿个问题之外，颜

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色的选择，布置与处埋占有十分重要的地位，颜色的搭配对于一幅画的成败起着关键作用。这里有儿个原则是需要十分注意的。一是大谐调，小对比。大谐调指的是大的色彩关系要谐调，要成调子，备物体之间、物体与背景之间在色调上要和谐。不能五颜六色，杂乱无亭，画面色彩关系要整体协调。小对北指的是在大协调的整体色彩关系中。宴有小面稗的色彩对比，使画面在整体协调的同时产韭二些鲜艳明快色彩活泼的小对她。万绿丛中一点红\，就非常准确形象地说明了这个道埋。二是色彩的明亮度上要有变化。颜色在亮度上要有变化，才能使画面有变化、有份量。这个间题在前面的深浅变化中已经讲过了。三是注意色彩的冷暖塔配，如果色彩在明度颜色上比较接近，那么可以通过冷暖变化，把它们区别出来。

总之，不管是大小变化，高矮变化，疏密变化，还是黑白变化， 共同之点乱迂，揖调一种对比关系。这些对比使画面产生了富多彩的变化，而这些变化的协调与和谐，就是构图所要求的统一关系。

变化与统一是构图的基本要求。只有变化而无统一，画面就会杂乱无章，无节奏，无韵律，不能使人产生美感，只有统一而无变化，画面又会单调乏味，缺少艺术感染力。所以，我们在构图时，既要注意变化多样，又要注意和谐统一。

构图新颖、自然、协调，与画中内容形成一个有机的整体，富于变化与艺术魅力，是构图的最终的目的。

3、构图中常见的一些问题

（1）画面己\式过空，一幅画，不能没有空间。如果画面堆砌的东西太多，太大，物体充满画面，没有适当的空隙，就会使人感觉拥塞、沉闷，透不过气来。

反之，如果画面过空，物体太小、太少，又给人--种空荡、伶清、渺小的感觉。构图时留出适当的空间，不但能避免过满或过空的弊病。而且。还能产生许多奇特的艺术效果，

（2）构图过偏或过正。画面中两个对角线交又点是画面的中心。构图一般忌讳画面太正。四平八稳，使画面太对称，应稍稍偏离一点。围绕着中心去布局，形成一种均衡活跃的构图，但也不宜过偏，太偏。

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A B

C

图（8）A 物体过于集中

B 物体过于分散

C 疏密适当

图（9）疏密变化可以创造出许多有趣的构图

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画面就失去了平衡，轻重失调。

（3）构图过聚或过散。这实际仍然是一个疏密问题。加果画面中物怀都聚在一起，形成一团;或者都散开，互无联系，那么画面就存在明显的缺点。画面有聚有散，有疏有密，才可使人感说到在和谐中有变化，在变化中有统一。

培养提高我们的构图能力，对于初学绘画的同学来说是十分重要的。我们应该在大量的写生练习中去研究，理解，掌握构图的基本原则。在练习时，可在不同角度和不同位置上进行反复的构图尝试，从中选出最佳构图。通过这种训练，能够迅速提高我们的构图能力。见图（11）。

图（10）构图时合理组织和利用黑、白、灰关系，可使画面产生丰富的艺术效果和变化。图A、B、C是三种不同的明暗分布与处理。 28

4、常见的几种构图形式

（1）水平式构图。这种构图，给人以平静、开阔、舒适的感觉。水擎式构图，常用来表现宽阔、平坦、宁静的场面。见图 (12)。

（2）垂直式构图。给人以高大、雄伟、挺拔的感觉。常用来表现高大雄伟的场面。见图 (13)。

（3）斜线式构图。给人以不隐定的运动感。倾斜的物怀打破了水平构图的平静感，使画面变得活跃，不隐定。常用来表现急速运动的场面。见图 (14)。

（4）三角形构图。由于这种构图的外形像埃及酌金字塔。所以叉叫\金字塔式构图\。从外形上看。三角形构图像一座山。给人以一种稳定和坚实感。三角形构图的变化最为平富，所以是绘画中最常用的一种构图。见图 (15)。

图（11） 用相同的物体中以变化出多种不同的构图

图（12） 水平式构图

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（5）曲线式构图。这种构图富于变化。轻松流畅。一波三折，别有情趣。是在风景画中最为常用的一种构图形式。见图（16）。

（6）V型构图。与三角形构图相反，是一种倒三角形。这种构图，给人一种不稳定、危险、动荡的感觉。常用来表现恐怖、苦难和神秘的场面。见图（17）。

（7）放谢式构图。这种构图给人以较强的动感和向外扩张感，放谢中心较为突出，常用来表现放谢物体和快速运动的场面。见图（18）。

（8）圆形构图。给人以轻松、柔和、圆满的感觉。常用来表现欢快、喜庆的场面。在圆形构图中，视觉注意力是相等的，人的注意力易被整体气氛吸引，如圆形构图出现某种缺口时，视觉中心就会被吸引到缺口处，画家常用这一点来突出自己所要表达的形象。见图（19）。

构图，是绘画的一个重要组成部分，以上我们介绍的几种构图，只是构图变化中很少的一部分。构图的变化多种多样，无穷无尽。每一种构图方法，在画家手中又可以变化许多种式样来。在许多情况下，画家们往往根据画面需要，同时运用多种构图方法，把几种构图形式组织在一个画面中，创造出最能够表现作者意图的画面。不同构图形式的穿插运用，是画家在创作中经常采用的一种方式。

我们以上所介绍的构图知识，只是绘画构图的一般规律，初学者应该认真学习和掌握，使自己具备基本构图能力。但同时也要注意，切不可使这些形式变为束缚自己发展的条条框框。任何东西都是在运动和发展着的，构图形式也在不断变化与创新。画家们在不断地探索与发掘新的构图形式。许多著名画家，就是在被一般规则认为是禁忌的形式中，另辟蹊径。创造出别具一格具有巨大艺术魅力的奇妙构图。

构图规律只应成为一般准则，而绝不应该成为限制创新和限制发展的绳索。古人讲：“画从无法到无定法。”讲的就是这个道理。对于初学者来说，学习、掌握构图的基本规律和基本方法是十分重要的。要在实践中领会、运用基本方法和基本规律，才能有新的发现和新的创造。

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图（13） 垂直式构图

图（14） 斜线式构图

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图（15）、（16） 三角形构图、曲线式构图

图（17） V型构图

图（18） 放射式构图

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图（19） 圆形构图

二、色彩写生训练

（一）正确的方法是学习的关键

我们在前一部分介绍了色彩画的一般知识，对于热爱色彩绘画的朋友们来说，摆在面前最迫切的问题就是如何学习掌握色彩知识，从哪儿下手画起，画什么和怎样画。像学习任何知识一样，正确的学习方法不仅能使我们更快的掌握所要学习的东西，还能使我们少走许多弯路。正确的学习方法可以起到事半功倍的效果。

那些急于动笔作画的朋友，先听我讲一点点忠告:百先你们在学色彩画之前，必须有一定的素描基础，具备最基本的绘画知识，加果你连最基本的素描绘画能力都不具备，你就还不具备学习色彩画的基本条件。你应该先用一段时间学习一些素描和绘画基础知识，然后再来学习色彩。

再有，学习色彩画之前，最好有一个学习计划和安排，要从基础知识和基础技能技巧入手，由浅入深、由简到繁、由易到难地去学习。要循序渐进，要一步步打好基础，不要超出学习阶段去画目己力所不及的

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东西，不要设想一口吃个胖子，要有计划，有目的的去练，不能盲目地画，要踏实认真，不要急于求成。知识加训练加恒心等于成功，只有科学地安排学习，才能取得更快更大的收获。我衷心希望广大青少年朋友们，笔随心愿，学有成效。取得成功。

下面就学习色彩画时所要注意的一些问题和方法介绍如下: 1、大自然 色彩与艺术的源泉

绚丽多姿，五彩滨纷的大自然是一切色彩的源泉，她不仅为人类提供了生存的空间。还为人们提供了一切色彩的源泉。

一个人要想真正理解和掌握色彩的奥秘，那么他就必须到大日然中去，你会被大自然的雄浑神奇所倾倒，你会为大自然的多彩多姿。变化无穷的魁力所惊叹不已，她可以给我们带来一切色彩的启迪与灵感。，我们带来最纯朴自然的美的感受。人们热爱大自然，大自然也造就了无数的艺术家，如法国著名绘画大师莫奈。他一生与大自然为伍。晚年甚至就生活在树林里与池塘边。他的《干草垛八《日出汇《白杨树大《池塘睡莲》等绘画。无不是从大自然中获得的艺术杰作。我国著名画家吴冠中先生。长年流连于青山绿水之中，他的许多绘画无不带有江南水乡韵味。大自然给人们创造了一个色彩滨纷的世界。也给艺术家提供了发现美，创造关的无穷空间。从大自然中我们获得的是最直接、最千富的色彩感受和最自然，没有经过任何雕琢的原始的美，\外师造化，中得心源\是我国历代画家对这一间题最为精辟的论述。

2、 临摹——向艺术大师们学习

临摹对于初学者来说具有不可忽视的重要意义。如果说大自然给我们提供了永不枯竭的美的源泉。那么历代著名绘画大师则向我们展示了他们感受、理解、表现目然美的辉煌杰作。向大师们学习，临摹他们的作品，能使我们更为直接具体地理解绘画是如何表现自然关与艺术美的。向大师们学习，可以使我们直接站在前辈们所刨造的辉煌艺术成果之上去学习，可避免走弯路和重复探索，使我们从一开始就能在一个较高的艺术档次中学习。一个人，特别是青少年美术爱好者，如果能够正确理解和运用临摹的作用，那么它将给我们的学习带来巨大的帮助。 临摹大师们的作品，可以使我们最为直观地了解某种画法的风格，从摹仿中学习、掌握大师们的绘画技法，分析他们是如何观察物体，画面如何安排、色彩如何运用，以及总体气氛等方面是如何处理的等等。临摹虽然不是亲自面对自然的百接写生。也不能用临摹代替写生，但通过临

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摹，我们可以学习到许多方法和技巧，看大师们是如何感受和表现事物的，给初学者提供了最直观的一种间接学习方法。

临摹是学习和掌握某种绘画风格和绘画技巧的最为有效的方法，欧洲的许多绘画大师并没有上过正规的艺术院校。都是直接在大自然。在美术博物馆中学习绘画的，他们从许许多多的代表着绘画艺术备阶段高峰的杰作中，·得到滋养、启迪和董陶，使他们的艺术修养和艺术水平得到迅速提高。直接向大师们学习，比我们自己从头一点一点去摸索要快得多。借鉴先人的经验，继承人类所创造的文化艺术遗产是学习任何知识所必须的和不可缺少的一项内容。

但是另一方面也要十分注意，临摹很容易给初学者带来一些不良后果，特别是依赖临摹而忽视写生的人。有些人从开始学画就只临摹，不写生，永远照着别人的作品去画。久而久之丧失了自己的写生能力，以致于不照着别人的作品就画不出画来。这种临摹。不但没有益处，反而有害。因为它限制了人的发展，使一些本来很有才华的人最后变成只能临摹的复制者。

初学者应该明白，临摹只是一种辅助方法，做为一种学习训练。目的是学习先辈大师们的绘画方法和技巧，而不是复制他们的画。是要把学习和掌握到的方法技巧变成自己的东西，运用到自己的绘画实践中去。也就是说。我们在学习绘画阶段，能更多更好地掌握前人所创造的艺术成果。得到更多的营养，不断丰富和提高自己的能力。绘画大师齐白石曾经对他的学生说过:\学我者生，似我者死\。就是说学习他的精神和方法，才能有艺术的生命力。而画得和他的再像，也只不过是在复制齐白石的作品，是死路一条。对于初学者来说。有计划。有目的、有阶段地进行临摹训练，可以给你的学习带来巨大的帮助。但它永远不能，也不应该代替你对大自然亲身的感受与实地的写生。

3、 感受——最新鲜的第一印象

敏锐的色彩感觉，新鲜的第一印象。对于绘画的人特别是对于画色彩画的人来说是十分重要的。当我们第一眼看见某种物体时，对它的感觉是非常新鲜而强烈的。但随着时间延长，慢慢地就变得不那么新鲜了。甚至对最熟悉最常见的事情无动于衷，熟视无睹，这种情况我们每个人都有亲身的感觉租体会。比如:长期生活在荒漠之申的人，初次看到盛开的鲜花时，对于它的形状、颜色、气味、外观等等会给他们留下非常深刻的印象，能够唤起他们最大的好奇和注意力，但是当他们天天见到的

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都是这种花时，就不冉觉得那么新奇。也不冉那么吸引人了，蚀们的感觉逐渐麻木了。

绘画，特别是长期作业。最容易出现上述情况。一幅画在开始画时。对象可能非常吸引你。你的色彩感觉也会非常敏锐和新鲜。绘画的欲望也非常强烈，但时间一长。情况就大不一样了，新鲜感逐渐消失，对所画物体的感觉也开始迟钝起来。绘画激情也随之减弱。这种状态对于绘画是非常不利的。所以许多画家都十分重视绘画的第一印象和最初感受。

出现这种情况时，可以适当的休息，恢复第一印象，并力求使这种感觉贾穿绘画的始终。初学者，有意识地去培养和锻炼自己对各种事物的感受力。也是一个不可忽视的问题。一个人艺术修养越高，他对美的感觉也就越强烈。一个人欣赏水平越高，美的感受也就越持久。这也是为什么许多艺术大师能够在一幅长期的绘画作品中(儿个月甚至是几年)那么长久地保恃艺术的敏锐和最新鲜的第一印象的真正奥秘，这就向我们说明，敏锐的色彩感觉和长久新鲜的第一印象的保持。是与知识修养分不开的。

4、理解——知识与实践的结晶

经常听到一些初学者讲。画画时看不出颜色。抱怨自己缺少色彩感觉。还有些人说，自己的色彩感说太丰富了，在观察某一物体时，一会儿觉得它偏黄，一会儿觉得它偏绿，一会儿叉说得它偏红，最后也不知该怎么画了。这些的确是初学者都能碰到的问题。这些现象归结起来主要是二个问题：一是色彩感觉问题，二是观察方法问题。

初学者开始往往容易被色彩的丰富变化和复杂的颜色调配所吓倒，从而丧失了学习色彩的自信心，有些人还怀疑自己缺乏色彩感觉。其实，除个别视觉生理缺陷者(色盲、色弱者)以外，一般人在生理上色彩感受的差异是不大的。在生活中确实有些人对色彩感觉表现得比较迟钝，而有些人色彩感觉很差，而有些人色彩感觉极好。这些除了在生理上有一定的差别以外。主要在于色彩知识修养、素质上的差别。如果一个人从小就在一个充满丰富色彩变化的环境中生活，长期的熏陶，耳濡目染，他的色彩感觉便能得到充分的刺激和锻炼。天长日久，他的色彩感觉就在这种潜移默化中得到了培养和发展。而从小生活在单调色彩环境中的人，他们的色彩感觉，由于得不到发展和训练，也就会明显的比别人差一些。所以色彩感觉的好与差，取决于环境影响和知识的熏陶。初学者

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大可不必对自己的色彩感觉自暴自弃，或盲目迷信天赋。任何能力包括色彩感受都可以通过学习训练得到提高，关键在于知识修养与实践。

另一方面，每个人在色彩感受上的差异是客观存在的，也是不可避免的。这种差异表现在画家对某种色彩或某种色调特别敏感，特别偏爱，在他的绘画作品中，所有色彩中明显带有他所偏爱的色彩的影响。比如著名绘画大师凡高对于黄颜色十分偏爱，响亮、明快、颤动着的黄色在他的绘画作品中几乎到处可见。而另一位画家德加在他的作品中则更喜爱用黑色和红色。美国现代写实主义画家怀斯，他的作品中，大部分充满着一种典雅、宁静和神秘的黄褐色与淡青灰色，对于同一景物，不同的画家描绘的色\世准不同的。这些差异既有色彩感受的差别，也有艺术修养与审美情趣的不同，这些也正好反映出画家在色彩感受上各有不同的气质与风格。

另一个问题就是观察万法的问题。在观察某一物体时。之所以出现一会儿感觉偏黄，一会儿感觉偏绿，一会儿叉觉得偏红。这工要县局郡观察的结果。任何一个物体，它在某一环境中。必然要受到周围环境的影响。周围不同的色彩或多或少都会反映到这一物怀上面，这是其一。

其二，所画物体颜色如果是间色或是复色，组成这一色彩的原色成分也会产生某种影响，如果你在观察色彩时只盯住局部，那么组成这一色彩的所有颜色成分的影响都会显现出来，被你感受到，就出现了一会感觉偏这种颜色。一会又感觉偏那种颜色。许多人错误的认为这是自己色彩感觉丰富。结果物体颜色都画的花花绿绿的。画面杂乱无章，既无色调，也无颜色之间对比。更没有整体效果。这是一种最常见最典型的观察方法上的错误。

正确的方法是：在观察色彩变化时。应同时去看所有的被画物体，要整体观察。整体分析。在物体与物体的比较之中确定色彩倾向，确定物体与物体之间的差别与联系。这样就能够比较准确地把握住对象的色彩关系。

良好的色彩感觉，是在对物体色彩的观察比较过程中。逐渐培养发展起来的。正确的观察方法是形成良好色彩感觉的关键。正确的观察方法来自于知识和长期的绘画训练，在理解的前提下，可以使我们避免盲目性，少走许多弯路。

一个具有良好艺术天赋的人往往最不依赖自己的“才气”。而是潜心学习。勤学苫练，特别重视知识与修养的提高。没有思想的感觉是肤

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浅的、表面的，而在理解基础上的感受才是本质的、深刻的。

4、 深入——能力与修养的体现

一幅完整、深入的绘画作品。需要画者具有多种能力与修养。一幅画，百先要有良好的整体效果，这是深入的前提。没有这个前提就谈不上深入。初学者，不能总是停留在大关系和大效果上，要继续提高。要学会深入。初学者。要十分重视提高自己的深入能力，要有计划地画一些长期作业。在一张或儿张画上反复练习。不要轻易放弃。只有遮过这种深入的训练，我们才能进一步埋解和掌握色彩的表现力。特别是在整体与局部、强与弱、虚与实。粗与细、主与次等方面更好地把握它们之间的对比关系。在表现和处理这些关系的同时。使画面物体的对比越来越细腻，层次越来越丰富。从而更加准确细致地表现出所画物体的立体感、空间感和质感。立体感、空间感和质感的逐步加强，能使画面效果不断地深入和完整，在这一阶段。局部的深入不要破坏整体效果，局部变化不要破坏大的对比关系，局部深人也不要面面俱到。我们对局部效果是否满意，要看它是否加强了整体关系和丰富了整体效果，这是深入的原则。通过这种深入的训练，可以大大提高我们的绘画能力。

我们经常遇到这样一些初学者，画了很长时间总是停留在初级阶段，深入不下去。画面平淡粗糙，他们自己也很着急。抱怨不会深入不知如何去画。许多人因此慢慢地丧失了对绘画的兴趣。这种现象。最主要的原因并不是不会画，而是不知道怎样画，脑海里没有东西。心中无底，胸中无数。画画需要熟练的绘画技巧，但更需要绘画知识和艺术修养，绘画是脑、眼、手综合能力的体现。如果我们不把理论、修养、知识做为基础，不去提高欣赏与审美水平，那么绘画水平怎么能提高呢?

深入能力的提高需要深入的观察能力、整体概括能力、细致的分析比较能力做为基础。也就是说深入的绘画能力需要有深刻的思考。所以深入不只是一个画法和技巧问题，它需要多方面的知识与能力，是多种综合能力的体现，过去古人讲:\文即其人\是非常有道理的。一幅画就是一个人绘画水平、修养程度最好的体现。我们从古今中外许许多多著名的画家的成长过程中，就可以清楚的看到他们的作品都是他们审美、理想的结果和艺术追求的体现，不同风格，不同流派，不同形式的艺术作品也都是不同的文化修养与艺术追求的结果，所以初学者画到一定程度，在进行技巧训练的同时要十分重视提高自己的艺术素质和欣赏水平，要学一些艺术理论和美术史，从浩翰的艺术长河之中汲取一切对我

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们有益的营养，向创造了堆灿的艺术与文化的大师们学习，向大自然学习，那么功夫将不负有心人，今日辛勤的耕耘，必然会得到明日的收获。

以上，我们从五个方面向大家讲述了在学习绘画过程中所应遵循和注意的一些问题，希望能对热爱绘画的广大青少年朋友们有所启发和教益。下面我们就具体讲一讲色彩画的学习和训练步骤。

(二)色彩写生方法与训练安排

1、熟悉颜色——必不可少的调色练习 学习色彩画，首先要熟悉颜色;掌握颜色的变化与调配规律。颜色是我们进行绘画的材料和工具，只有熟练掌握和运用，才能在绘画过程中做到运用自如，随心所欲。

（1）原色、间色、复色的调色训练

三原色调间色训练。通过这项训练，我们可以看到，三原色之间相互调配，可以产生多么丰富的色彩变化。这些色彩之所以出现这么多的变化，是因为它们在调配时颜色成分多少不一样。我们可以从彩图(6)中看出在往红颜色中加黄色时，往黄颜色中加蓝色时，往蓝颜色中加红色时，随着颜色成分多少的改变，这些颜色呈现出不同的色彩变化。颜色成分比例改变越大，颜色的变化也就越明显。

三原色中的任何二种颜色相互配合，都能产生丰富的间色变化。红与黄相36调合产生多种橙色;黄与蓝相调合，产生多种绿色；蓝与红相调合产生多种紫色。三间色在图的中间时，色相最纯，因为这时组成间色的原色成分基本相等。如某一种原色成分占优势时，间色会逐渐向某一原色靠拢。

这种原色、间色变化的练习，对于初学者熟悉颜色种类和掌握颜色调配规律都是十分有意义的。在练习申我们可以看到许多种不同的原色与许多种不同的间色变化。熟悉这许许多多不同的红色、黄色、蓝色、·橙色、绿色、紫色，可以大大地丰富我们的色彩感觉，拓宽我们对某一颜色的狭隘观念。

(2)复色调配训练

在原色、间色、调色练习的基础上逐渐开始进行复色的调色练习，见彩图(7、8)。间色与原色相调，间色与间色相调能产生更复杂、更丰富的颜色变化，客观世界中的各种景物，大量的是这种复色变化。绘画中我们经常碰到和运用的也是这些复色。

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在复色颜色调配训练中，应该注意研究和掌握以下问题： ①间色与原色相调：用间色中没有的另一原色相调便可得到一种复色。我们用绿色举例(绿由黄和蓝组成，那么另一原色就是红色)，从黄绿一直到蓝绿，在所能调出的各种不同的绿色当中调入相同数量的红色，你就会得到各不相同的复色，见彩图 (7)。橙色、紫色的调法与绿色相同。

②间色与间色相调:在间色系列中，在多种多样的间色变化中，用不同的排列组合去相互调合间色，会产生数不尽的复色变化，见彩图 (8)。

(3)颜色明度训练

彩图(9)在红、黄、蓝三原色中逐渐加进白色和黑色，我们便会看到颜色的亮度与纯度 (饱合度)会发生很大变化。间色和复色可用同样方法练习。在这一练习中，我们又可以掌握更多的色彩变化。

通过调色练习，我们会发现，无论原色、间色，还是复色，在众多的色彩变化之中，实质上都是红、黄、蓝、白、黑这五砷颜色变化的结果。不同的排列，不同的成分组合，我们便能得到无穷无尽的颜色变化。在这些变化中，我们要逐步认识、理解和掌握颜色调配变化的规律。熟悉颜色的调配，以能够随心所欲地调出所需要的颜色，为我们下一阶段的色彩写生学习打下一个良好的基础。

2、固有色训练

固有色练习是色彩写生训练前所应迸行的非常重要的能力训练。前面我们进行的调色练习，是通过对不同颜色进行各种调配以产生许多新的颜色。这种训练可使我们逐渐熟悉和掌握颜色变化的规律，认识和感受更多的颜色种类的芋富变化。固有色的训练与颜色调合练习不同，它需要恨据事先确定的颜色来进行调配，也就是说。首先从生活中确定出某种颜色，然后再调出这种颜色。调出的颜色要与选定的颜色一模一样，这种练习的难度比较大，但它对于提高我们调色和冉现颜色的能力是非常有益的。

这种练习随时可以进行。生活中我们所能见到的任何物体的颜色都能做为练习调色的对象。进行这种练习时，不必考虑物体的明暗变化，只需要准确地再现它的固有色即可。当我们确定出一种颜色时，如何选择调配它的颜色，是一个很关键的间题。这就要借助我们前面进行的颜色调配练习时所掌握的颜色调配知识来进行选择。比加调粉红色。酋先我们就要分析一下粉红的颜色成分和冷暖倾向，最后才能决定是用朱

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