音乐欣赏复习资料文字部分

西欧音乐历程

古希腊古罗马音乐（器乐为主） 中世纪音乐（宗教音乐占绝对优势） 巴罗克音乐（宗教世俗音乐并重） 维也纳古典乐派（世俗音乐鼎盛） 浪漫主义（音乐更具个性） 印象主义音乐（音乐的色彩感觉） 现代派音乐（千奇百怪，光怪陆离）

中世纪的音乐

一、基督教与中世纪的音乐

中世纪时代的欧洲，教会比国家或其它社会集团，都有更强大的统治权力。在那个时代，包括哲学的各种学问和艺术都为教会服务，中世纪的音乐由于基督教而取得了不寻常的发展。在教会音乐中，开创了复调音乐的形式并完成了对位法。最初印刷乐谱，是教会为了作弥撒而用的。键盘乐器的兴起以至其教授法，没有一件事能够离开教会而产生。从音乐的全部理论到记谱法，以至合唱、合奏，多半都是中世纪教会的遗产。今天的交响乐和歌剧的内容虽然绝大部分是描写世俗的，也不能说与中世纪的教会无关。

教会音乐，最初大概是原封不动地采用了从犹太王国传来的形式，即歌唱圣诗、朗诵圣经，可以想象是纯粹的声乐。宗教音乐历来以声乐为主，这是因为声乐有歌词。与此相反，器乐主要是作为世俗

音乐而得以发展起来的。 二、罗马式音乐

“罗马风格”一词主要来自那个时代的建筑用语。罗马式音乐是世界艺术史上最伟大的纪念碑式遗物之一。 这种音乐既无和声也无伴奏，其特征是以齐唱形式为主，通过教堂天井的回音产生庄严的和声感，其纯朴、清丽的宗教感情与罗马风格的教堂建筑是完全一致的。 罗马式音乐是中世纪这一时期的重要音乐形式之一，其代表当首推格列高利圣咏（Gregorian Chant），这是典型的天主教音乐。在漫长的中世纪里，音乐方面起了最重要作用的正是格雷戈里圣咏，它是纯粹的单旋律的歌唱。在格雷戈里圣咏中，已经有多利亚调式、弗利几亚调式、里第亚调式、混合里第亚调式等四种教会调式及其变格调式。到了十六世纪，出现了伊奥尼亚调式及爱利亚调式，进而形成今日的大、小调音阶。在格雷戈里一世时代，已经在罗马设立了称为“歌唱班”的教授圣咏的学校，这可看作是世界上最早的音乐学校之一。 安布罗斯（Ambrosius，340－397）圣咏则收集了在教会中所唱的歌曲，为教会音乐制定了由七音组成的四种教会调式音阶，还创造了对唱的形式等。在圣咏中，歌词与语言的语势、声调的高低和节奏的关系以极为理想的形式得到解决，它们非常自然而完善地表现了宗教感情，可以看作是到这一时代为止的音乐艺术的总结。

文艺复兴时期的音乐

音乐上的文艺复兴，略晚于其他文艺形式如文学、美术等。有代表性的作曲家，首先可以举出弗朗切斯·兰迪诺（Francescl Landino，

1325(?)－1397），他采用了同时歌唱三种不同歌词的这一大胆手法，留下了许多牧歌和叙事曲。杜法伊（Guillaume Dufay，1400－1474）则完成了四声部手法。奥干努姆（Organum）的复调手法，更导致了以巴赫为顶峰的对位法理论的完成。

从十一世纪末叶到十三世纪末叶，欧洲发生了十字军东征事件。这一历史事件对于东西方文化交流起了巨大的影响，在音乐上的显著表现是出现了游吟诗人、游吟歌手、抒情歌手等人物，所唱的诗歌内容有情歌、叙事诗式的故事、自然的赞美诗以及宗教或道德方面的内容等等。作为乐器则使用类似竖琴那样的小型手琴或古提琴族内的乐器。

西洋音乐的第一个高峰－巴洛克音乐 从年代上说,大体上自十六世纪末到１７５０年间的音

乐称为巴罗克音乐。

巴洛克一词,原来的意思是形状不整的珍珠,最初是在建筑方面用来表明一处艺术形式.文艺复兴时的艺术是以希腊、罗马的形式美为第一义,对之而言,巴罗克是一种新的表现形式,也是后来兴起的洛可可艺术的前提.巴罗克和洛可可都起源于建筑方面,后来逐渐转用于文艺和音乐,在意大利、法国、德意志等国,各自取得了略有不同的发展.其共同的特征,是不拘泥于典型美,表现比较自由,从语义上来说, 如果把文艺复兴的美学观比做浑圆的珍珠,而巴罗克的美学观则是形状不整的珍珠.它是宁可打破形式上的均整也要着重于表现的强度的一种形式.总而言之,巴罗克的形式比文艺复兴的形式在感情上更为丰

富,且具有戏剧性的起伏,而使用绘画式和幻想式的手法者为多. 随着朝代的推移,音乐史中兴起了形形色色的形式和流派,都是起源于文学的古典主义和浪漫主义,印象主义和表现主义等,是后来从美术传入音乐方面来的.

安东尼奥·维瓦尔迪Vivaldi (l678-1741)意大利作曲家。1678年3月4日出生于威尼斯。父亲是威尼斯圣马可教堂乐队的小提琴手。自幼学习小提琴与作曲。1703年成为神父，不久在威尼斯的皮耶塔女孤儿院担任音乐教师，教孩子们小提琴及其他音乐知识。女学生经常在演奏会上表演，演奏活动是她们音乐学习的一部分。维瓦尔迪不仅指导她们演出，还为她们的演奏会谱写乐曲。维瓦尔迪在这个女孤儿院工作了40年，直到1740年他去世的前一年。他创作最多的还是协奏曲，人们公认他对协奏曲的发展作出了巨大的贡献，他一生写了数百部这类作品，大部分是小提琴协奏曲。最著名的是 Op.8，其中前四首即众所周知的《四季》，常被单独演奏；第五首《海上风暴》、第六首《愉悦》及第十首《狩猎》也都非常有意境，充满了巴洛克的一贯风格。意大利文艺复兴以来积淀的深厚的人文主义传统，使维瓦尔迪的作品洋溢着清纯的气息，如同亚平宁半岛的阳光，给人维瓦尔迪清纯甜美的意大利风格对巴赫音乐风格的形成有不小的影响。

维瓦尔迪1741年7月28日逝世于维也纳，这时候他的声名已去，默默无闻。此后的一百多年，他的名字也一直没有被引起更多的注意。直到20世纪，随着人们对巴洛克音乐的重新认识，他那些卓越的曲作才再一次受到关注，他本人也被评价为与巴赫、亨德尔同样重要的

巴洛克早期作曲家。

? 乔治·弗里德里克·亨德尔George Frideric Handel(1685-1759)德裔英国作曲家。1685年2月23日出生于德国哈雷（Halle）。少年时期曾跟随当地风琴师、作曲家学习音乐，后来担任哈勒礼拜堂的风琴师，并开始创作。1703年迁居汉堡，担任汉堡歌剧院的提琴师。1705年，他的歌剧作品《阿尔米拉》和《尼罗》在汉堡歌剧院上演并获得成功。1706-1710年，他游历了当时的歌剧中心意大利，广泛接触了意大利音乐文化，开阔了艺术眼界。1709年他新创作的歌剧《阿格里皮娜》在威尼斯上演，得到了意大利歌剧界的一致好评，但亨德尔并没有感到满足，不久远走英国。1712年定居英国后，对英国音乐产生了深远的影响。亨德尔从30年代开始创作清唱剧。他的清唱剧使用英文歌词，由英国人演唱，是一种为英国观众而写的新型作品，但上演之初并不成功，只是经过了十多年时间，才受到普遍的欢迎，亨德尔在英国也获得了极高的声誉。 1759年，亨德尔逝世于伦敦。

亨德尔是与巴赫、维瓦尔迪同样重要的巴洛克时期音乐大师，曲风雄伟、崇高，所创作的清唱剧是戏剧性的英雄史诗。主要作品有：清唱剧《以色列人在埃及》、《参孙》、《弥赛亚》、《马卡布的犹大》等32部，歌剧46部，管弦乐《水上音乐》、《森林音乐》、《烟火音乐》，管弦协奏曲11首，大协奏曲42首，还有室内乐、组曲、序曲、恰空等器乐曲等。他的全部作

品，收辑在多达100卷的全集中。

《水上音乐》:亨德尔作于1717年，是一部管弦乐组曲。传说是在英国伦敦泰晤士河上为新即位的英皇乔治一世演奏的，故有“水上音乐”的美名。全部组曲由二十首小曲组成，开始是一首法国式的前奏曲，其后是布莱舞曲、小步舞曲等各种形式的舞曲，同时也有缓慢乐章。乐器使用了小提琴、低音提琴、日耳曼横笛、法兰西横笛、双簧管、圆号、小号等。

现在我们演奏和听到的《水上音乐》已经不是亨德尔的原作，而是后来英国曼彻斯特的哈莱乐队指挥哈蒂（Harty）爵士为近代乐队所改编的乐曲，共有六个乐章： 快板、布莱舞曲、小步舞曲、号角舞曲（一种古代的三拍子舞曲）、行板、坚决的快板。由于旋律优美动听，节奏轻巧而流传后世。这里我们选录了六个乐章中的第一乐章、第二乐章和第六乐章。

第一乐章为庄严的序曲，乐曲气氛活泼热烈，开始由圆号与弦乐器共同奏出轻盈的同音反复和华美的颤音，相互对答。

第二乐章为舞曲般的旋律，气氛轻松舒展。这里选录的第二主题为小调，抒情性很强。

第六乐章为坚决的快板，威武雄壮。这一部分是全曲最为精彩的篇章。

《焰火音乐》:皇家焰火音乐是亨德尔晚期最伟大的乐队作品之一，它是受命为英国庆祝“爱克斯－拉夏贝尔和约”的签订而作。这个和约结束了长期以来的“奥地利皇位继承战争”，庆祝活动有焰火表演和与

之配合的辉煌音乐。在创作时，国王强调不要“提琴”。这首焰火音乐首演于1749年4月21日，在伦敦渥哈尔花园。 这部作品共分六个乐章：

一、序曲。以华美而富丽堂皇的慢板旋律开头，然后以传统的赋格开始快板主体，利用乐器的对比重叠，表达出有活力、复杂的织体，然后又回到慢板。

二、布列舞曲。这是一个小巧的中间插段，其旋律轻松而朴实，有跳跃感。

三、西西里风格。这是一个宁静舒缓的广板，类似圣诞音乐中的田园曲。

四、欢乐的快板。以巴洛克式小号主题表达的欢乐气氛。 五、法国式的小步舞曲，柔和的对比乐章。 六、小步舞曲，双簧管与大管的合奏。

清唱剧《弥赛亚》之哈里路亚:这一清唱剧作于1741年9月，作曲家亨德尔在一种不可遏止的热情冲动下，只用了二十多天就写出了这部注定要成为经典之作的清唱剧《弥赛亚》。这部作品曾是作者“流着眼泪写作”而成的，同样也打动了1743年在伦敦音乐厅观看首演时的所有听众，甚至英王乔治二世在听完第二幕终曲《哈里路亚》这一合唱后，起立以示敬意。这一举动竟形成了传统，直到今天，人们在现场欣赏合唱《哈里路亚》时，都必须全体起立以示敬意。 “弥赛亚”一词源于希伯莱语，意为“受膏者”（古犹太人封立君王、祭祀时，常举行在受封者头上敷膏油的仪式）。后被基督

教用于对救世主耶稣的称呼。全剧分三部分，共有序曲、咏叹调、重唱、合唱、间奏等57首分曲。第一部分叙述圣婴耶稣的诞生；第二部分是关于耶稣为拯救人类，四处传播福音以及受难而被钉死于十字架上的经历；第三部分则是耶稣显圣复活的故事和赞美诗。这是亨德尔少数完全表现宗教内容的作品中最出色的一部，实际上其中对音乐的戏剧性和人性的宣传远胜于对宗教的虔诚感情。

全剧为主调和声音乐风格，以旋律优美、和声洗练见长。西西里民间乐器风笛的使用在当时是大胆而新颖的。由于其中不少分曲具有很高的技术训练价值和艺术性，至今仍在音乐会和声学教学中被广泛采用。

整个作品经典迭出，美不胜收。其中这里所介绍的“哈里路亚”一段，则更是以其震撼的气势，洗练而悠长的旋律，以及教堂圣歌的庄重典雅，而成为传世佳作。

《快乐的铁匠》:原名《咏叹调与变奏》，古钢琴曲，为亨德尔所作《古钢琴组曲》第一集第五组曲中的第四曲。后人改名为《快乐的铁匠》。乐曲由主题及五个变奏组成，称为“咏叹调”的主题简练纯朴，跳跃却又略显单调的旋律和丁丁当当的节奏，使人联想起铁匠作坊中那种特有的愉悦气氛，其后的五个变奏都建立在这个主题之上。第一变奏采用连续不断的十六分音符，乐曲气氛更为欢快，但主题依然清晰分明；在第二变奏中，十六分音符连缀而成的音型移至低声部，主题隐伏在上面两个声部中；第三变奏和第四变奏采用川流不息的急速三连音，先出现于上声部，后移至低声部，情绪兴奋活跃；由音阶式

上下进行的波浪式的旋律线组成的第五变奏，充分运用力度的强弱变化等表现手法，使乐曲在欢快的气氛中结束。 意大利著名吉它演奏家和吉它作曲家朱利亚尼曾将这首名曲改编为竖琴独奏曲，并改名为《亨德尔主题变奏曲》。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫 (1685-1750) Johann Sebastian Bach德国最伟大的作曲家之一，生于爱森那赫市音乐世家。十八岁起历任多处教堂和宫廷的乐长及管风琴师。生前仅以管风琴演奏家著名，去世近百年后，其创作才得到应有的尊重。

他笃信宗教，把路德派新教的众多赞歌和教会乐器管风琴当作自己的创作素材和音乐构思的核心，但又深受资产阶级启蒙思想的影响，这使他的宗教作品明显地突破了教会音乐的规范，具有丰富的世俗情感和大胆的革新精神。其创作以复调手法为主，构思严密，感情内在，富于哲理性和逻辑性，并在德国民族音乐的基础上，集十六世纪以来尼德兰、意大利和法国等国音乐之大成，是巴洛克音乐发展的顶峰。巴赫的作品对欧洲近代音乐的发展产生了极其深远的影响，为全人类音乐的进步和发展指明了宽广的远景，为世界古典音乐树立了丰碑，巴赫被称为“西方音乐之父”。

巴赫一生作品浩如烟海，主要作品有：二百多部宗教及世俗“康塔塔”、若干部宗教《受难曲》、《b小调弥撒曲》、《平均律钢琴曲集》、《创意曲集》、《古钢琴组曲》、小提琴和大提琴《无伴奏奏鸣曲》、《布兰登堡协奏曲》六首、《乐队组曲》四首和大量管风琴曲及晚年所著《赋格的艺术》一书。

巴赫之所以伟大及不可超越，是因为他的音乐中充满了人文关怀，一种深刻的悲天悯人的关怀，让人无比温暖和抚慰。而作为人,我们总是虚弱的需要被关怀的。

古尔德这样说过：“如果我必须在孤岛让度过我的余生,让我在所有作曲家中选择一人的作品去听或弹奏,我肯定会选择巴赫,没有任何其他的音乐能有那样的成就,巴赫的音乐总能深深的持续的感动我,如果用一个不精确的方法去表达, 我会说巴赫的音乐远远比其音乐本身技术的要求和华彩更有价值的是它的人性。” 受难曲（Passion）:

是讲述耶稣受难故事的音乐作品，一般在复活

节前演出。受难曲的音乐大多比较肃穆、庄重，保留了早期基督教音乐朴素的古风，形式上相对比较简单。而巴赫的受难曲却与众不同，他把德国作曲家许茨等人开创的“受难清唱剧”形式与传统的受难曲相结合，发展成了既使用圣经原文，又采用非经文的造林诗歌；既有素歌、众赞歌，也有咏叹调、重唱的新的受难曲样式，这就大大增强了巴赫受难曲的戏剧性与观赏性，无怪乎后世评价巴赫是受难曲方面无可匹敌的作曲大师。

《马太受难曲》:《马太受难曲》中不乏巴赫的创新之举。譬如，在古代受难曲中，福音史家与民众的话语一般是无伴奏的，巴赫却全部配上了低音。而且巴赫对合唱下了大功夫，他特意翻阅了许多古代音乐文献，并从16世纪的众赞歌里寻找素材，在整部《马太受难曲》里，合唱不论是作曲技法、演唱难度还是表现形式都有极为复杂的变化，几乎每一曲都凝结了巴赫对巴洛克音乐的深刻领悟。 《马太受

难曲》的演出规模十分庞大，包括4位独唱演员（男高音、男低音、女高音、女中音）、两个成人合唱团、一个儿童合唱团，以及两个包括管风琴、大提琴 、大管、低音提琴的乐队。

1729年4月15日，复活节的下午，巴赫在莱比锡的圣托马斯大教堂演出了这首受难曲，在当时并没有引起保守的人们的重视和轰动。100年以后， 21岁的青年作曲家――门德尔松在莱比锡重新指挥《马太受难曲》上演，他真正理解了巴赫的《马太受难曲》，并从此推动后人对巴赫的深入研究。

本曲是《马太受难曲》中最后的合唱《我们为失败而流泪》，是描写耶稣受难后，一切都已经过去，在永恒死亡的怀抱中，人们获得了安息与解脱，在安详、轻柔的气氛中渐渐淡去了一切尘喧俗事，所有复归平静之中。

《布兰登堡协奏曲》:巴赫同类作品中最伟大的杰作，也是所有合奏协奏曲中最优秀的作品，共有六部，其中《第二号（F大调）》和 《第四号（G大调）》最为著名。

作品作于1721年，是巴赫呈献给布兰登堡公爵的，所以被称为《布兰登堡协奏曲》。这个时期正是巴赫创作的顶峰时期，作品丰富而优秀。在这组作品中，巴赫以鬼斧神工的熟练技巧展开动机，创作出优美的乐曲，但其发展技巧与贝多芬以后为作曲家所行的动机发展完全不同，其中可以说毫无诗意可言。这组作品是他自由发挥其技能的最佳范例之一，但此音乐除了创造纯粹的欢愉之外，并无其它的任何意图。巴赫动员了当时所有可能的乐器编制，同时更藉巧妙的乐思

应用，写成令人百听不厌，充满喜悦感的六部曲子，他不仅取悦了当时的贵族，同时也让我们享受了乐曲中欢欣鼓舞的气氛。

《G弦上的咏叹调》:此曲为巴赫《第三号管弦乐组曲》的第二乐章主题，充满诗意的旋律美，使此曲成为脍炙人口的通俗名曲。 原曲创作于一七二七年至一七三六年之间，十九世纪德国的著名的小提琴家威廉密（August Wilhelmj，1845—1908）将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲，由于主奏小提琴必须在G弦（小提琴四根弦中最粗的一根弦）上演奏全部旋律，故此得名。巴赫的原曲没有表情与速度记号，编曲者则指定“甚慢，极有表情”。类似低音弦的拨奏伴奏下，小提琴奏出悠长而庄重的旋律。全曲后半段出现的新旋律产生了更丰富的变化，最后在静似祈祷般的气氛中结束。 《d小调托卡塔与赋格》:原为管风琴曲，是巴赫青年时代的代表作之一，托卡塔（Toccata），意大利文，原意是“触碰”，在音乐中指快速弹奏、节奏紧凑的键盘乐曲。赋格（Fugue），拉丁文，原意是“追逐”，在音乐中指在两个声部上，一个主题以不同的形式彼此应答的曲式。赋格在巴洛克音乐中是应用得最为广泛的复调曲式之一，变化极多。而巴赫的这首《d小调托卡塔和赋格》也是最著名的赋格曲之一。

乐曲采用了d小调，4/4拍。由下行旋律组成的慢板的引子饱满而有力，为全曲宏伟的气势作了渲染和铺垫;然后，乐曲奏出音响宏大的和弦，接着呈现出托卡塔主题，带有戏剧性的成分；在托卡塔主题结束后，乐曲在上声部出现赋格主题，采用与引子部分相同的音

乐素材；随后，赋格主题移至低声部呈示，前后反复出现八次，音乐情绪逐步高涨；最后，乐曲再现托卡塔部分，以气势雄伟的尾声结束。本作品曾被现代“情调钢琴王子”理查德·克莱德曼引用，使之广为流传。

维也纳古典乐派

“古典主义”是一个相当不明确的词，它有几种不同而又相

关的含义。一种不很恰当的用法是将它指流行音乐以外的音乐，包括所有种类的严肃音乐，不管它是何时创作的以及为什么目的而写的。而此处我们所指的是大约1750年开始至1827年贝多芬逝世为止这一时期的音乐。所谓“古典的”，准确地说，原是指古希腊和古罗马的“经典的古代”，那是西方文明两个伟大的时期。多少个世纪过去了，人们回顾往昔，而且企图借鉴那个时代的文化精华。在文艺复兴时期，人们已经这么做了，巴洛克初期亦然，但一直到十八世纪中叶才真正开始重新发现“古典”。特别是考古的发现，展现了一幅简朴、宏伟、宁静、有力、优雅的画面，这在新发掘出来的古希腊和南部意大利的神庙中 十分典型。历史学家和美学家们（其中最著名的为德国人温克尔曼）将它们称为“古典”并作为他们这一时代的典范，有探索精神的艺术家们紧随这一观念，如十八世纪英国画家雷诺兹强调绘画的最高成就是在于表现古代希腊罗马的主题以及他们作品中的英雄气概和人的苦难。法国新古典主义画家大卫也追随这种理论，表现在他描绘英雄的画面上。意大利新古典主义雕塑家基本上以古典的雕像为范本来刻画现代的男男女女。“古典”的历史事件、神话以及哲学思想也

日益有其广泛的影响，如歌剧的剧本多取材于这一时期的史实、神话及英雄人物。由于优秀的古代文化的影响，人们常将“古典”一词视为有杰出的、卓越的含义。不论是一首诗，还是一辆汽车，如果说是“古典的”，那就意味着它是此类中的佼佼者。人们也往往倾向于把某个图案设计称之为“古典比率”，意味着这个比率保持了自然的平衡，并无奇特或标新立异，而是遵循规范的原则。正由于信奉这种“适当的比率”和自然平衡的原则，使得古典时期的音乐风格迥异于其他时期。实际上这一时期的作曲家在考虑音乐结构时都遵循这一基本概念：一种调性间平衡的概念，给予听众明确的感觉这音乐如何进行；还有段落之间的平衡，听众在聆听一首乐曲时可以准确地知道紧接着出现的内容。作曲家的创造性只是对这个作曲系统和轮廓稍加变化，而不是机敏地或富有进取精神地创作出乐曲来使听众着迷或惊奇。也可以说在音乐创作上不存在所谓“古典时期”，仅有“古典风格”。

十八世纪后期，音乐会的活动迅速发展。杰出的演奏家从一个城市到一个城市举行巡回演出。当地有名的艺术家也举行年度的“慈善’音乐会（演员仍然能拿到报酬）。管弦乐队这一团体组织日益成形，音乐会向公众开放当时是一件新鲜事。为适应此种需要，作曲手法亦需更新，要求乐曲有更为逻辑和清晰的形式，以吸引听众的注意力和兴趣。适应这一时代形势的要求，新一代的作曲家从此兴起，其中的三巨头是海顿，莫扎特和贝多芬。这就是所谓维也纳古典乐派。海顿、莫扎特、贝多芬三人都在十八世纪八十年代到十九世纪二十年代在维也纳活动，他们之间互有影响。他们都是运用奏鸣曲形式的大师，写

出了奏鸣曲、交响曲、四重奏这类体裁的不朽佳作；他们也都致力于主题的展开以及利用调性的配置来给抽象的形式注入细致微妙的表情。除了贝多芬后期的作品显得较为艰深外，这三人的作品都既深刻而又通俗易懂，这也促进了这一时期开始的音乐从此走向世界。巴赫和亨德尔的作品仍仅限于在中部德国及英国流传，而海顿的作品不仅在他受雇的贵族宅邸演奏，而且在维也纳、巴黎、伦敦都能听到；莫扎特以演奏家的身份漫游全欧，演奏他自己的作品；贝多芬的作品从1805年后也是在欧洲到处都能听到。

弗朗茨·约瑟夫·海顿Franz Joseph Haydn( 1732-1809)奥地利作曲家。1732年4月1日出生于奥地利的罗劳一个车匠家庭，母亲是厨娘，父母都是音乐爱好者，这使他从小有机会受到音乐熏陶。海顿家境贫苦，六岁离开父母到维也纳，八岁被选入圣斯蒂芬大教堂唱诗班。17岁嗓子变声，不得不离开唱诗班，流落街头。虽然生活困窘，但他仍努力学习音乐，最终得到艾斯特哈泽亲王的帮助，成为他的宫廷乐师。此后海顿生活安定，直到晚年。

《小夜曲》:又名《如歌的行板》，弦乐四重奏曲， 大约作于1762年。原作为《F大调第十七弦乐四重奏》的第二乐章。本曲后来被改编为管弦乐曲、管乐合奏曲、小提琴独奏曲、吉他曲等。 本曲用弦乐四重奏形式演出时，由第一小提琴加上弱音器奏出的主旋律流畅而亲切，充满了欢快的情绪。其他三个声部由第二小提琴，中提琴、大提琴用拔弦奏法奏出吉他伴奏的效果。用小提琴独奏形式演出时，则由钢琴奏出相似的伴奏音型，保持了原曲在织体上的特点。

这首小夜曲色彩明朗，轻快的漫步节奏和娓娓动听的旋律，具有一种典雅质朴的情调，表现了无忧无虑的意境。在展开过程中的旋律进行，时而出现极其自然的大跳音程，使曲调更富于生气。 海顿第45交响曲《告别》:第四十五交响曲《告别》，1766年，海顿任职的艾斯特哈齐府乐团的主人尼古拉斯公爵，在一个可以俯瞰诺吉托拉湖全景的风光明媚的地区，修建了一座豪华、壮丽的宫殿，主人特别将它命名为“艾斯特哈齐堡”。宫内规定，管弦乐团的团员和杂役们都不许携带家属进入。《告别交响曲》写于1772年，该年正值禁令执行特别严格的时期，多数的团员们全年几乎大部分时间都得住在宫殿里，见不到家人。海顿在乐团里一直是最有威望的团长，所以团员们都把希望寄托在他身上，希望他能想办法改善目前这种不便的生活。海顿终于想出了一个巧妙的办法，他构思了一部交响曲，在乐曲的最后，请参加演奏的乐团团员在演奏完毕以后，一个个收拾乐器，吹熄谱架上的蜡烛退场，只留下极少数的人，孤单地继续演奏，借此表现出乐团团员们的心情。就这样，海顿写成了《告别交响曲》，调号也选择了代表孤寂的升f小调。 据说，当本曲首次在公爵面前演奏时，尼古拉斯终于领悟了其中的寓意。翌日，他马上传令让全体人员放假回家。

全曲分为四个乐章：

第四乐章 急板，升f小调，2/2拍子，奏鸣曲形式。终乐章分成两个部分。其中第一部分为交响曲通常的终乐章形式，以极快的速度向前发展。第二部分为慢板，3/8拍子，这是最后附加的部分，体

现出曲名“告别”的含义。 不久，第一双簧管与E调的第二法国号结束演奏。初演时，还特别依照海顿的指示，将谱架上的蜡烛吹熄，团员纷纷抱着乐器依次退场。最后的十四小节，由两个继续演奏着的第一小提琴，在安静而孤寂的气氛中，结束全曲。

G大调第94号交响曲《惊愕》:本曲作于1791年，初演于1792年。作品之所以命名为“惊愕”，是得名于作品的第二乐章。据说海顿写此曲的目的是为了嘲笑那些坐在包厢中的对音乐不懂装懂，而又附庸风雅的贵妇人们，他故意在第二乐章中安祥柔和的弱奏之后突然加入一个全乐队合奏的很强的属七和弦。实际演出中，当乐队演奏到那段旋律时，那些贵妇人们果然从睡梦中惊醒，以为发生了什么重大的事情，甚至想逃出剧场，这部交响曲因此而成名，于是后人也就给此曲冠以“惊愕”的标题。这部交响曲是海顿最为著名的交响曲之一，与海顿的其他几部交响曲被认为是古典交响乐的丰碑，乐曲中充满了生机盎然的民间歌舞气息和明快欢乐的情绪。

第二乐章，行板，C大调，2/4拍子。即著名的“惊愕”的乐章。平缓的旋律之后突然出现一个乐队的强音，之后又进入平缓的旋律。 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791): 伟大的奥地利作曲家，维也纳古典乐派的杰出代表。出身于萨尔兹堡宫廷乐师家庭，很小就显露出极高的音乐天赋，即兴演奏和作曲都十分出色，六岁即创作了一首小步舞曲，并在欧洲旅行演出获得成功，被誉为“神童”。1773年任萨尔兹堡大主教宫廷乐师， 1781年不满主教对他的严厉管束而愤然辞职，来到维也纳，走上了艰难的自由音乐

家道路。

莫扎特的全部作品中洋溢着他追求民主自由的思想，并迸发出在巨大社会压力下的明快、乐观情绪。他广泛采用各种乐曲形式，成功的把德、奥、意等国的民族音乐和欧洲的传统音乐有机的联系在一起，赋予它们深刻的思想内容和完美的形式，为西方音乐的发展开辟了崭新的道路其创作手法新颖，旋律纯朴优美，织体干净细致，配器注重音色效果，发挥了复调音乐的积极作用，对后世音乐创作产生极大的影响。他在短促的一生中共创作了近千部作品，留下了《费加罗的婚礼》、《唐·璜》、《后宫诱逃》、《魔笛》等著名歌剧，使歌剧成为具有市民特点的新体裁。并作有大量交响曲、协奏曲、钢琴曲和室内乐重奏。

G大调弦乐小夜曲: 该曲是十八世纪中叶器乐小夜曲的典范，莫扎特于 1787 年8月24日 在维也纳完成，并以当时最时髦的德文用语Eine Kleine Nachtmusik（一首小夜曲）命名。最早为弦乐合奏，后被改编为弦乐五重奏和弦乐四重奏，尤以弦乐四重奏最为流行，是莫扎特所作十多首组曲型小夜曲中最受欢迎的一首。

原有五个乐章，后第二乐章因故失传，所以现存只有四个乐章。

第一乐章，快板，G大调，4/4拍，是一首完整的小奏鸣曲。第一主题开门见山，以活泼流畅的节奏和短促华丽的八分音符颤音,组成了欢乐的旋律,其中充满了明朗的情绪色彩和青春气息；随后是轻盈的舞步般旋律。 土耳其进行曲:

在莫扎特的钢琴奏鸣曲中，这首作品最为著名，虽

然名为奏鸣曲，但它并不具有正规的乐章结构。比如第一乐章属于优雅行板的主题与变奏，以及第二乐章属于附有中间部的小步舞曲等，固然有些与众不同，但在终乐章的小快板里，明记有“土耳其风”的记号，很明显的具有当时盛行的东方风味， 这更是促成这一乐曲大众化的原因。

第三乐章 土耳其进行曲，a小调，2/4拍子。具有法国风回旋曲。首先是著名的主题以a小调出现， 整部作品中以这个主题最为脍炙人口。 这一异国情调十足的乐章，在极为华丽而热烈的气氛中结束。本奏鸣曲的第三乐章最为著名，经常被单独演奏，并被改编为管弦乐曲和轻音乐，这就是莫扎特的土耳其进行曲。 单簧管协奏曲:

这是莫扎特所谱写的最后一首协奏曲，也是唯一的

单簧管协奏曲。它是为当时举世无双的单簧管高手史达德勒而写的。这首协奏曲和莫扎特的另一首单簧管杰作《单簧管五重奏曲》，都是受到了史达德勒卓越的演奏技巧的刺激而谱写的。当时这种新乐器尚未成为管弦乐队的编制内乐器，莫扎特凭着自己的先见之明，尽量利用其最低音附近的音域，以资与高音域对比而产生巧妙的效果。 虽然主奏声部淋漓尽致地发挥了灿烂的技巧，但担当音乐实质的不仅是单簧管，而是主奏与协奏彼此呼应。乐队也对整个作品的艺术架构负有同等的责任，甚至主奏也担任起伴奏的任务。 莫扎特采用单簧管担任主角的两首作品，都没有用降B调单簧管而用的是A调单簧管，这可能与史达德勒的喜恶有关。A大调与 g小调一样，一向是适合莫扎特音乐特质的调性， 莫扎特籍此在这首协奏曲中里孕

育出生气勃勃的感官性气氛，揉合在他晚年创作具有的平静澄澈的情境里，显得优美无比。 乐曲共分三个乐章：

第一乐章 快板，A大调，4/4拍子，奏鸣曲形式。整个长度超过莫扎特大半的协奏曲。 此曲沿袭协奏曲的固有形态，先由乐队呈示主题开始，第一主题由弦乐器引出，接着管乐器加入，然后由主奏单簧管呈示温柔妩媚的第一主题。充分展示出单簧管柔美的音色和力度。

第二乐章 慢板，D大调，3/4拍子，三段歌曲形式。 在弦乐器的伴奏下，单簧管平静地奏出了主旋律。这是一首难以言传的忧郁的挽歌，好象天鹅临死前最后的哀鸣。

第三乐章 回旋曲，快板，A大调，6/8拍子。 这里一改前面慢板沉重的曲调，显得轻松而有趣，它以音域或节奏的对比造成几分幽默的气氛，在表达欢乐光彩的同时又含有一丝淡淡的哀怨。 《魔笛》剧情大概: 塔米诺王子在林中遇巨蛇吓昏，醒来时出现一位捕鸟人巴巴基诺自称巨蛇是被他所杀，但实际上是「夜之女王」的三位侍女所杀。她们告诉王子说，如果王子能从大祭司沙拉斯托手人救回女王的女儿帕米诺，女王将会将其女儿下嫁王子，并给愿助王子一臂之力的捕鸟人帕米诺一双银铃，及王子一支魔笛。在他们找帕米诺的过程中，被大祭司捉住。大祭司告诉他们，只要他们及帕米诺通过严格的试验，王子和公主便可结成夫妻，而且巴巴基诺也会拥有一位意中人巴巴基娜。在试验期中，夜之女王出现，要女儿杀死大祭司，

而女儿反而向母亲为大祭司求情，大祭司也出现，说此地人人爱人如已，他也原谅女王，因为不能原谅敌人，不成其为人（注：这是在剧中宣扬共济会的宗旨）。而后历经种种曲折和艰难，四人最后终于考验，夜之女王也遭驱逐，四人和大祭司等在大合唱中结束这一出歌剧。 《费加罗的婚礼》:

莫扎特作于1785－1786年间的四幕喜歌剧《费加罗的婚礼》描写了作为平民的费加罗，同垂涎于他未婚妻苏珊娜的美貌的贵族主人之间的斗争，最后以他的机敏幽默而取得胜利。这部社会性喜剧在大革命前夕的法国，对封建贵族的揭露和讽刺起了很大的作用。莫扎特在创作这部歌剧时保留了原作的基本思想，那愚蠢而又放荡的贵族老爷同获得胜利的聪明仆人形成鲜明的对照，并以此作为整个剧情发展和音乐描写的基础。

《费加罗的婚礼》序曲采用交响乐的手法，言简意赅地体现了这部喜剧所特有的轻松而无节制的欢乐，以及进展神速的节奏，这段充满生活动力而且效果辉煌的音乐本身，具有相当完整而独立的特点，因此它可以脱离歌剧而单独演奏，成为音乐会上深受欢迎的传统曲目之一。

序曲虽然并没有从歌剧的音乐主题直接取材，但是同歌剧本身有深刻的联系，是用奏鸣曲形式写成的。开始时，小提琴奏出的第一主题疾走如飞，然后转由木管乐器咏唱,接下来是全乐队刚劲有力的加入； 第二主题带有明显的抒情性，优美如歌 。最后全曲在轻快的气氛中结束。

路德维希·凡·贝多芬 Ludwig Van Beethoven (1770-1827): 德国最伟大的音乐家之一。出身于德国波恩的平民家庭，很早就显露了音乐上的才能，八岁便开始登台演出。1792年到维也纳深造，艺术上进步飞快。

贝多芬信仰共和，崇尚英雄，创作了大量充满时代气息的优秀作品，如：交响曲《英雄》、《命运》；序曲《哀格蒙特》；钢琴奏鸣曲《悲怆》、《月光》、《暴风雨》、《热情》等等。

贝多芬一生坎坷，没有建立家庭。二十六岁开始耳聋，晚年全聋，只能通过谈话册与人交谈。但孤寂的生活并没有使他沉默和隐退，在一切进步思想都遭禁止的封建复辟年代里，依然坚守“自由、平等”的政治信念，通过言论和作品，为共和理想奋臂呐喊，写下不朽名作《第九交响曲》。他的作品受十八世纪启蒙运动和德国狂飙突进运动的影响，个性鲜明，较前人有很大的发展。

在音乐表现上，他几乎涉及当时所有的音乐体裁；大大提高了钢琴的表现力，使之获得交响性的戏剧效果；又使交响曲成为直接反映社会变革的重要音乐形式。

贝多芬集古典音乐的大成，同时开辟了浪漫时期音乐的道路，对世界音乐的发展有着举足轻重的作用，被尊称为“乐圣”。

献给爱丽丝 :在本曲的原稿上，有作者的手迹：“为爱丽丝而作，1810年四月二十七日，贝多芬”。“爱丽丝”是谁？已无从考证。因为这一作品的原稿问世之时，作者已经去世整整四十年了。

此曲是一首极为普通的钢琴独奏小曲，但旋律非常优美动听，

节奏轻快而舒坦，技巧也十分容易掌握，所以很受大众欢迎。乐曲为小快板，3/8拍子，由小回旋曲形式“ABACA”所构成。轻快的A段主题是以a小调出现的，反复过后，如歌似的B段插入部以 F大调出现，情绪欢快、色彩明朗。乐曲再度回到A段主题之后，以a音上的九和弦开始的 C段主题带有一丝哀怨，与B段形成对比。当A段主题第三次重复出现之后，全曲结束。

c小调第八号钢琴奏鸣曲《悲怆》: 这是达到了贝多芬早期钢琴奏鸣曲之顶峰的杰作，也是因其戏剧性的优美旋律而为世人所熟悉的作品。本曲无论在内容、旋律和结构等诸多方面，都渗透着一种日耳曼民族特有的理性，这也是贝多芬等德国音乐家共有的特质。本曲的演奏技巧并不太难，因此被演奏的机会也非常之多，更是许多钢琴初学者爱不释手的曲目。在贝多芬的钢琴奏鸣曲中，《悲怆》是第一首由他本人亲自写上标题的作品。关于\悲怆\这个辞汇，与贝多芬后半生那感人肺腑而又凄怆深刻的悲剧性生活还有相当的一段距离，因为这毕竟是他的早期作品。 全曲共分三个乐章：

第三乐章 快板,c小调，2/2拍子，回旋曲形式。乐章主题与第一乐章主题动机有相通之处，优美的旋律中带有欠稳定的游移情绪，似乎处于一种徘徊不定的心态之中。

升c小调第十四号钢琴奏鸣曲《月光》: 作于1801年。 几乎没有一首名曲像这首奏鸣曲一样，因“月光”这一俗称而名满天下、家喻户晓。《月光》这一名称据说是源于德国诗人路德维希·雷尔施塔布（1799

－1860）形容这首乐曲的第一乐章为“如在瑞士琉森湖那月光闪耀的湖面上，一只摇荡的小舟一样”。其实，贝多芬自己曾提到过，本曲是“幻想曲式的奏鸣曲”。 全曲共分三个乐章：

第一乐章 持续的慢板，升c小调，2/2拍子，三段体， 为奏鸣曲形式的幻想性的、即兴性的柔和抒情曲。一反钢琴协奏曲的传统形式，贝多芬在本曲的首乐章中运用了慢板，徐缓的旋律中流露出一种淡淡的伤感。

f小调第二十三号钢琴奏鸣曲《热情》:作于1804年，这首乐曲是贝多芬中期创作中的钢琴杰作之一，而贝多芬自己则认为本曲达到了他钢琴奏鸣曲创作的巅峰。这一奏鸣曲是贝多芬所有作品中最富激情的一部，充满斗志的“热情”像巨浪一样澎湃起伏。有关此曲，贝多芬：“去读一下莎士比亚的名剧《暴风雨》吧! ”莎士比亚的名剧《暴风雨》的主曾说过题表现的是人类的智慧和毅力必将战胜大自然的力量，这一主题与本曲所表达出来的热情奔放、具有英雄气概的中心思想是完全吻合的。伟大的无产阶级革命导师列宁十分赞赏这一奏鸣曲，他曾经每天都要欣赏一次本曲，从中获取无尽的力量。本曲的曲名《热情》虽然是出版商取的，但十分贴切，所以一直延用到今天。 全曲分为三个乐章：

第一乐章 甚快板，f小调，12/8拍子，奏鸣曲形式。第一主题拥有庄严肃穆的气氛，第二主题是充满了光明与希望的优美旋律，与第一主题形成绝妙的对比。

贝多芬，D大调小提琴协奏曲:本曲作于1806年，是贝多芬唯一的小提琴协奏曲作品，自古以来被誉为小提琴协奏曲之王。这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大，颇具王者风范。然而，本曲在被誉为小提琴协奏曲之王前，也经过很长一段时间的考验。本曲初演以后，几乎没有人再对它回顾，本曲的华彩乐段，并不像钢琴协奏曲那样由贝多芬亲自谱写，而是留给各式各样的演奏者谱曲，其中较常采用的有约阿西姆、奥尔和克莱斯勒等的手笔。当年贝多芬作曲时，正值他与他的学生，匈牙利的伯爵小姐勃伦斯威克产生了深深的爱情，并在她家的庄园度过了快乐的夏天。他一生中这\最明朗的日子的香味\便渗透在贝多芬这部唯一的小提琴协奏曲中。

全曲共分三个乐章：

第一乐章，从容的快板，D大调，4/4拍子，协奏风格的奏鸣曲形式。主部主题带有深切的探询意味，随后呈现的副部主题旋律明澈柔美，从容匀称，充满了温暖和喜悦，飘散出美丽花朵的芬芳。本乐章最后部分的华彩乐段是由不同的演奏家谱写的。

《第三“英雄”交响曲》:第一乐章，标准的奏鸣曲式.引子由两个响亮的和弦爆出。呈示部主部主题揭示英雄坚毅的性格和戎马倥匆的生涯。副部主题则反映英雄的另一面的性格——足智多谋、体桖部下……（另有说法是描写人民群众的形象）接下来老规矩发展部，把两个主题发展、对比；再现部进行总结回顾，将两个主题进行统一、华彩。尾声。在其中的六个连续不协和和弦上贝多芬进行了创新。你可以注意一下，两遍响起这六次相同的和弦。听听，是不是和协和弦

不同啊：略带紧张不安、刺耳的感觉？表明世态的艰险、革命的任重道远以及英雄的临危不惧和取得胜利的坚强信念！

第二乐章，葬礼进行曲。复三段式。主要是为英雄送葬，队伍缓缓而行。人们脑海里浮现英雄的伟大形象，追思他的丰功伟绩。化悲痛为力量，立志继承他的遗志……

第三乐章，谐謔曲式。由舞蹈和进行曲交替写成。表达人民群众乐观情绪和英雄一往无前的精神风貌。我个人认为，还是对第一乐章所确立的英雄作进一步的诠释和发挥。

第四乐章，快板。一般通常的理解都是庆贺革命取得了成功。而我的看法稍有不同，经我研究第四乐章的素材来自于贝多芬最得意的《被解放了的暜鲁密修斯》。我想读过《希腊神话》的朋友就容易理解贝多芬的胸臆了吧。这绝对比一般理解为庆贺胜利的内涵要深刻和丰富的多吧。

c小调第五（命运）交响曲（1804-1808），Op.67:在很多人心目中，《命运》代表着贝多芬；同样，在另外一些人的心目中，贝多芬代表着《命运》。世界上再没有一首交响曲能够获得如此广阔的知名度以及接受度。贝多芬的伟大，则很大程度上也来自于这部代表作给他带去的声誉和敬仰。《第五“命运”交响曲》代表了贝多芬的精神、代表了人类永不向自身妥协的精神！

《命运》的构思、创作周期是比较漫长的，据文献记载，贝多芬最早是从1803年开始有意写作这部作品的。那么这部作品的主旨是什么？贝多芬创作他的意图又在哪里呢？这里我们不妨来回忆

一下，那篇《Heiligenstadt Testament（海利根施塔特遗嘱）》。那是贝多芬被疾病所困之后，所发出的心灵呼唤！好在，最终他战胜了自己的意志，他没有被不公平的命运所击退，他战胜了自己。尔后，重新回到维也纳继续自己对音乐的追求。在这个绝望、思考、反省、胜利的斗争过程中，贝多芬发出了“我要扼住命运喉咙”的口号，他感觉自己不能屈服于命运，而应该勇于发起挑战！在此大家可以注意一下，《命运交响曲》的第三、第四乐章是连续演奏的，从第三乐章最后一部分那平静、忧郁的缓慢突然跳跃到第四乐章一开始那突如其来、如同山洪暴发一般的合奏。其实这个手法来自于《第四交响曲》的第一乐章——从引子转到正题的那一部分。正是由于成功写下了《第四》的首乐章，才给《命运》的终曲乐章带来了灵感。任何一个听众面对着如此汹涌而来的凯旋之声，心中应该无不感觉激荡——黑暗被打破了、命运被征服了、阳光重新照耀大地！战士在庆祝自己的胜利、人群在欢唱胜利的颂歌！听众也可以送一口气，甚至为作品的伟大而感到一丝快慰和激动。我想这正是为什么几百年来，有许多人可以从《命运交响曲》中获取力量、鼓起勇气面对生活压力、人生挑战的重要原因！

年近40岁的贝多芬，在这时候用他那炙热的感情以及独特的个性风范，以其特殊的人生经历和音乐天赋，为后人留下了这部永远不会过时的经典！

注：部分资料参考《乐圣贝多芬》一书

配器：长笛1，短笛1，双簧管2，单簧管2，巴颂管2，倍

低音巴松笛1，小号2，法国号2，长号3，定音鼓2，及弦乐组 备注：献给Lobkowitz王子和Razumowsky伯爵，首次公演于1808年12月22日

第六（田园）交响曲（1807-1808），Op.68:如果《第四交响曲》中表现出来的青春气息，依然带有一份年轻的冲动和炙热，那么从《第六交响曲》开始，作曲家向我们更多的展示出一种音乐上的返璞归真和自然韵律。从作品号上可以看出，编号68的《第六交响曲》是紧接着《命运》之后立刻创作出来的。而贝多芬亲自为这部作品加上了“田园”这个表达作品主旨的副标题。在经历了与命运之神的搏斗之后，作曲家显然想通过这部作品来让自己获得轻松，从充满斗争的战场回到安定祥和的大自然。

从这部《田园交响曲》中，我们可以非常明显的感觉到作曲家对于幸福的爱情生活、对于纯朴的民风、对于美妙无比的大自然是如此的热爱！是啊，虽然贝多芬依然在和耳聋疾病作着不断的斗争，但是当时安逸的生活、美妙的爱情依然围绕着他，出于一种对人生追求自然的天性，乐圣创作了这部作品。虽然缺乏《第三交响曲》的英雄气概、《第四交响曲》的热情如火，也没有《第五交响曲》中的强烈旋律对比，但《第六交响曲》似乎用大交响的方式在向我们讲述最平凡的景色和最朴实的生活。其实在贝多芬的创作随笔当中，对于这部作品的创作思路有非常明确的记载——这就是一部反映乡村、田园生活风貌及其风情场景的作品。如果说《命运》是通过叙述一个斗争的过程为表现手法，那么《田园》则是通过描写景色反映出贝多芬内心对

理想生活的期待，让更多的听众通过这种音乐描述，来遐想乡间生活的乐趣。

交响曲的第一乐章，第一次听，就能被它深深吸引！无论您是一个初入门的古典新手，还是在交响乐海洋中徜徉已久的爱乐人，都无法抗拒这个美妙乐章！简短的引子之后，迅速转入正题，开门见山。一段主旋律迎面而来，简直有一种如沐春风的清新感觉！那么的富有朝气，那么的清新自如，让人似乎感到了春天的气息。不得不再次佩服贝多芬的音乐天赋——能够如此细致地、准确地用五线谱、用一个个音符来描绘出大自然的景象。紧接下去的旋律，围绕着主题不断反复、回旋，但却丝毫不会让听众感到厌倦，反而思绪会不断的跟随着音乐飞翔。这个乐章的标题为“初到乡村时的愉快心情”，非常切合旋律的主题。

第二乐章是慢板，标题为“溪畔小景”。贝多芬曾经说过，这个乐章是在户外创作完成的，地点是在一个被称作“维森山谷”中的一棵大树下面。贝多芬就是在这里体味着大自然的气息，即使他的听力已经非常微弱，但依然感受到了很多自然声响。所以在柔和而温馨的第二乐章，您可以听到通过各种各样乐器模拟出来的风声、鸟鸣声、波涛声。如此的简约，却又如此的打动人心。

第三乐章开始到曲目结束是连续演奏的。贝多芬首先打破了交响曲一贯以来“四大乐章”的典型格局，使《田园》具有了五个乐章，随后他又让后三个乐章连续不断的演奏，可见贝多芬是多么的勇于创新，也可见《第六交响曲》与其他作品的与众不同点。第三乐章的主

题是“乡民欢乐的聚会”，在这里您可以感受到舞曲节奏的跳跃，人们欢乐而无忧无虑的狂欢。可以说，通过前两个乐章的铺垫，贝多芬把在田园的惬意感受，全部积累了起来，放在这第三乐章来进行描述。突然旋律转向阴暗，似乎天空云层密布、阳光被遮挡，紧接着两声巨大的轰鸣由定音鼓发出——第四乐章“暴风雨”接踵而至，发出咆哮！紧接着的旋律如同夏天的雷阵雨一般，倾泄而下，在经过了最磅礴的雨势之后，慢慢趋于舒缓。这时候，应景的第五乐章“暴风雨过后的愉快兴奋的心情”开始奏响了。一切恢复了平静，雨过天晴、似乎还有一轮彩虹，人们迅速从从第四乐章的惊恐、躲闪中缓过神来。优美而抒情的旋律重新把人们带回田园生活的美好，旋律中蕴含着泥土的芳香，全曲在无比柔和中悄悄的结束了，甚至让人感觉无声无息…… 这就是田园！如今生活在钢筋水泥森林当中的现代都市人都向往回归美妙的大自然。如果您能够静下心来，花上半个多小时坐在音箱前，闭上眼睛，静静的欣赏一遍贝多芬的这部《第六田园交响曲》，您的大脑一定会经历了一次大自然的洗礼，当你从旋律中回来的时候，会有所感慨、有所慰藉的。

注：部分资料参考《乐圣贝多芬》一书

配器：长笛1，短笛1，双簧管2，单簧管2，巴颂管2，小号2，法国号2，长号3，定音鼓2，及弦乐组

备注：献给Oppersdorf伯爵，首次公演于1807年3月

d小调第九（合唱）交响曲（1822-1825），Op.125:

? 贝多芬的《第八交响曲》创作于是1812年，而《第九交响曲》

却是直到10年之后的1822年才开始构思、谱写。这十来年之间，贝多芬经历了一些什么？了解这段历史，对于我们了解《第九交响曲》的诞生过程是有重要意义的。

首先必须提到的是一部名为《战争交响曲》的作品，他并没有被编入贝多芬的编号交响曲内。在完成《第八交响曲》之后一年，也就是1813年，贝多芬谱写了《战争交响曲》，虽然如今大家对这部作品的了解甚至还不如贝多芬早期的两部交响曲，但在当时却受到了普遍的欢迎。因为《战争交响曲》是一部“应景”的作品，1813年的6月21日，英国将军威灵顿率领英国远征军大破法国军队，这次战斗加速了拿破仑的最终灭亡。消息传到了作曲家的耳朵里，贝多芬为之兴奋（所以这部作品也通常被称为“威灵顿的胜利”）。关于贝多芬和拿破仑之间的渊源，在推荐英雄交响曲段落的时候，我们有过详细的介绍。虽然1813年是贝多芬非常不景气的一年，但他的创作灵感还是被威灵顿将军的胜利所激发，《战争交响曲》很快就写作完成了。作品包括两大部分——“战争”和“胜利交响曲”。在前面一部分，贝多芬用充满冲突和对抗的旋律，以及充满“火药味”的配器营造出了一个逼真的战争场面。而在后一部分，主要以英国国歌《愿主保佑国王》为主调。从历史评论来看，这部作品在诸多方面都算不上贝多芬交响作品中的上等之作，但是作曲家本人还是比较喜欢她。其实《战争交响曲》原本只是一首普通的乐曲，但是贝多芬为了使其能够以宏大的气势出现在音乐会舞台

上，花了不少精力将之改编为管弦乐曲，甚至加上了“交响曲”的头衔。由此可见，贝多芬对于拿破仑背叛革命，继而侵略欧洲各国的行为感到极度愤慨。所以当拿破仑战败之后，作曲家也非常想用音乐把此时此刻自己激昂的感受描写下来，并流传下去。不过可惜的是，《战争交响曲》和贝多芬其他交响曲深刻的思想性相比，显得过于肤浅。而且过了数年以后，贝多芬自己也意识到了这部作品的粗糙之处，甚至自己为之检讨过。虽然作品当时红极一时，但如今和贝多芬其他九首交响曲被成百上千次录音的“待遇”相比，《战争交响曲》的录音如今是相对比较少的。

? 《战争交响曲》虽然只是“昙花一现”的应景作品，但是在当年却给贝多芬带来了更高的声誉。在1813年12月8日贝多芬作品的专场音乐会上，作曲家亲自上阵担任指挥。两部重头作品被上演——创作于前一年的《第七交响曲》直到这一天才真正公开首演，而《战争交响曲》更是作为贝多芬的新作第一时间展现在维也纳听众面前。这是一场极其成功的音乐会，贝多芬的作曲才能、指挥才能被全面展现在听众们面前！《第七交响曲》更受到了普遍赞誉，不得不加演“小块板”乐章。沉浸在战争胜利欢乐中的人们对《战争交响曲》更是表现出异乎寻常的热情。 说起来是可笑的，很多乐评人士对《战争交响曲》的艺术价值不屑一顾，而且贝多芬本人也承认这部作品存在不少“粗浅”的地方。但是正是因为这部作品，使得贝多芬在维也纳、在

欧洲大众心目的地位再次上升到一个新高度。这个时候的贝多芬几乎被荣耀和光辉充斥着，总算使得处于生活困境中的作曲家得到了心灵上的慰藉，至少自己的音乐能够被更多的人肯定。这时候贝多芬的创作欲望重新被唤起，一部又一部新作问世了，音乐会也一场接一场的被要求加演。1814年2月7日的音乐会上，《第八交响曲》在维也纳首演，听众竟然达到5000多人，这个数字即使放在现在，都是异常惊人的！在此后的一两个月内，《战争交响曲》也在不断地被上演，似乎大家永远听不够。这一切预示着贝多芬辉煌和荣耀年代的开始。1814年5月份，贝多芬一生中最重要的歌剧作品《费德里奥》在经过大幅度修改之后再度公演成功；7月份开始，贝多芬被一次次邀请去参加权贵显要、政治人士的聚会。这时候，拿破仑已经倒台，欧洲的政治局势虽然非常复杂，但表面上还是相对稳定的。所以在“和平”以及“庆功”的年代，音乐家、艺术家的价值重新得到了体现。贝多芬作为这些艺术家中的代表和领袖，获得了前所未有的待遇和重视。那个时候的贝多芬俨然如同当今的“超人气巨星”！

当然在这段自己最“辉煌”的日子里，贝多芬对于“共和体制”的理想并没有因此而有所消退。虽然成天和一些封建统治者相处，但是贝多芬并没有为此“沾沾自喜”或者“迷失自我”。他依然保持着自己的本性，家中凌乱不堪的局面没有得到一点改善，自己的言行举止也没有因为要和“上层名流”为伍而变得妥

协。他只是在一个相对舒适的环境下，继续着自己的音乐创作和推广。这种舒适和辉煌延续到1815年，但是和所有人一样，人生不可能永远一帆风顺，在高潮过后，贝多芬进入了自己一生中的又一个低潮期。

? 低潮源自贝多芬的许多显要友人的相继去世、患病、破落。由于没有完整的家庭，贝多芬在此时重新回到了孤独、寂寞当中。应该说虽然乐圣的一生当中有过阳光普照的时候，但终究还是阴霾多于晴天，贝多芬又不得不回到悲情人物的角色。这时候他已经完全耳聋了，随着年龄的增大，脾气也越来越怪癖，性格让人更加难以捉摸和接近。在一些外人看来，贝多芬已经和一个暴君、狂人无异。同时贝多芬身体健康也开始重新和他作对，肺病和伤寒一直困扰着作曲家。同时这时候欧洲大陆的局势也使得贝多芬这个一直关注政治的作曲家忧心忡忡，却无能为力。种种这些，都让贝多芬无暇再用心去创作大型的交响作品，所以在1814年到1818年这段日子内，贝多芬几乎没有惊世的音乐问世，只有少数几部作品诞生，且其中后来比较出名的只有一部钢琴奏鸣曲。

这段忧伤的日子，贝多芬把更多的时间放在了读书上，阅读各种各样类型的文章、诗歌、剧作。包括荷马、歌德晚年的诗歌、莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》、《威尼斯商人》等，并且写了很多感悟和笔记。最终贝多芬从这些充满内涵、充满激情的文字中，重新唤回了自己的作曲灵感！即使物质生活再怎

样困顿，作曲家在精神世界领域找到了属于自己的支柱。1818年开始，贝多芬开始从沉默中醒来，一部又一部重量级作品被不断谱写出来！《庄严弥撒》、《C大调三十三首钢琴变奏曲》以及作曲家的最后三首钢琴奏鸣曲（第30、31和32号）是贝多芬这一时期的代表作。其中的《庄严弥撒》更是前后花了4、5年时间创作才得以完成。而且这部作品诞生的时候，距离贝多芬去世只有三年光阴。似乎作曲家已经提前预知了死神的来临，因此写下了这部具有神圣意义的宗教音乐作品。但是贝多芬显然不想用这种方式来了结自己的艺术生涯，在他心中还有更加重要的理想没有完成，那正是至今传唱不衰的《欢乐颂》！ 大家所熟知的《欢乐颂》其实是《贝多芬第九交响曲》的终曲乐章。《第九交响曲》是于1822年秋天开始进入创作阶段的。但贝多芬却几乎花了大半生的时间来酝酿、来筹划。一直到完成了《庄严弥撒》之后，作曲家才开始动笔谱写这部凝聚其一生力量和信念的宏篇巨作。其实《欢乐颂》原本是德国诗人席勒的一首诗作，气势磅礴、意境恢宏。而贝多芬本人正是席勒的忠实崇拜者，这首《欢乐颂》也是贝多芬最钟爱的诗作之一，席勒在诗中所表达出来的对自由、平等生活的渴望，其实也正是一直向往共和的贝多芬的最高理想。所以作曲家从年轻时就开始计划着把这部诗作变成声乐作品，根据专家的研究 和史料的调查，在贝多芬早期的一些作品中确实就已经有了后来《第九交响曲》最后《欢乐颂》乐章并不完整、成熟的雏形。

他曾经说过：“把席勒的《欢乐颂》谱成歌曲，是我20年来的愿望！” 直到作曲家的暮年，经历了人生风雨历练之后，贝多芬才真正下苦功开始创作自己心目中的最高理想。夸张的是，为了保持创作激情和状态，贝多芬先后搬了四次家。终于在埋头一年半之后，在1823年的年底，这部凝聚着贝多芬人生哲理的《第九交响曲》完成了！虽然经历的时间不算短，但作品的创作还是比较顺利的，几乎是一气呵成。在很多人看来，这时候可以迎接欢呼和胜利了。

但情况恰恰并非如大多数人所想，因为《第九交响曲》的首演充满了坎坷。按照合同，这部作品原本应该放到英国的伦敦去首演，但是贝多芬依然觉得音乐之都维也纳才是最好的选择。可是贝多芬的音乐风格在当时的维也纳受到了罗西尼歌剧的强大冲击，有些人甚至攻击贝多芬的音乐已经过时。面对这种状况，作曲家又想把首演改到柏林去进行。这时候维也纳听众熬不住了，反而又强烈的呼吁《第九交响曲》应该在维也纳首演，很多人联名写信给作曲家要求他留在维也纳，信中充满了真切的感情。贝多芬为此回心转意，开始筹划作品在维也纳的首次演出 .

他曾经说过：“把席勒的《欢乐颂》谱成歌曲，是我20年来的愿望！” 直到作曲家的暮年，经历了人生风雨历练之后，贝多芬才真正下苦功开始创作自己心目中的最高理想。夸张的是，为了保持创作激情和状态，贝多芬先后搬了四次家。终于在埋头一年半之后，在1823年的年底，这部凝聚着贝多芬人生哲理的《第九交响曲》完成了！虽然经历的时间不算短，但作品的创作还是比较顺利的，几乎是一气呵成。在很多人看来，这时候可以迎接欢呼和胜利了。

但情况恰恰并非如大多数人所想，因为《第九交响曲》的首演充满了坎坷。按照合同，这部作品原本应该放到英国的伦敦去首演，但是贝多芬依然觉得音乐之都维也纳才是最好的选择。可是贝多芬的音乐风格在当时的维也纳受到了罗西尼歌剧的强大冲击，有些人甚至攻击贝多芬的音乐已经过时。面对这种状况，作曲家又想把首演改到柏林去进行。这时候维也纳听众熬不住了，反而又强烈的呼吁《第九交响曲》应该在维也纳首演，很多人联名写信给作曲家要求他留在维也纳，信中充满了真切的感情。贝多芬为此回心转意，开始筹划作品在维也纳的首次演出 .

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